Mis premios 2020

 Como hago cada Nochevieja, hoy entrego los premios de lo que he visto estrenado este año en España tanto en cines, streaming u otros medios (festivales no, y hay una película de 2013 que no se había estrenado en cines hasta ahora). Este año no voy a dar los premios a lo peor del año (al final explico por qué) e incluyo un nuevo premio respecto a otros años:

Cine internacional:

Mejor película: Soul

Mejor director: Christopher Nolan, por Tenet

Mejor actor: Anthony Hopkins, por El padre

Mejor actriz. Scarlett Johansson, por Under the skin y Jo jo rabbit 

Mejor guión: Mank

Mejor banda sonora: Thomas Newman, por 1917

Cine español:

Mejor película: Las niñas

Mejor director: Joaquín Gutiérrez Acha, por Dehesa

Mejor actor: Wallace Shawn, por Rifkins festival

Mejor actriz: Kiti Manver, por El inconveniente

Mejor guión: Las niñas

Mejor banda sonora: Bingen Mendizábal y Koldo Uriarte por Baby

He decidido no incluir mis premios a lo peor del año. Como siempre, ha habido películas que no han sido buenas , pero teniendo en cuenta que estrenar este año ha sido poco menos que un milagro, no puedo hacerle el feo a ningún cineasta o intérprete de darle el premio a lo peor, bastante mérito me parece haber estrenado en estas condiciones.

Y hasta aquí este siniestro y bisiesto 2020 en este blog. Que el año que entra sea infinitamente mejor y que la pandemia pase a la historia y ya no sea actualidad. Feliz 2021 a todas mis lectoras y lectores.

Otras bandas sonoras: Las brujas de Eastwick

 Hoy es la Nochevieja, pero también la Noche de San Silvestre, que dice la tradición que es la noche de las brujas y uno de las noches que celebran sus aquelarres. No me apetecía mucho poner una banda sonora sobre la noche de fin de año, pero sí una sobre brujas, y una de mis bandas sonoras preferidas sobre el tema es la de Las brujas de Eastwick.

Las brujas de Eastwick es el primer largometraje plenamente estadounidense del director australiano George Miller tras el episodio de En los límites de la realidad y la coproducción Mad Max 3. Es una  muy divertida comedia sobre 3 brujas que convocan a un divertido diablo que intenta seducirlas a las tres. Basada en una novela de John Updike (guionista de la película). Tiene un gran reparto con un  gran caradura diabólico como Jack Nicholson, tres brujas encantadoras como Cher, Michelle Pfeiffer y Susan Sarandon y dos grandes secundarios como Veronica Cartwright y Richard Jenkins.

Y tiene una gran banda sonora del maestro John Williams, con una memorable danza del diablo perfecta para irse de aquelarre esta noche si la pandemia lo permite. Como casi todo lo de Williams, siempre es un placer escucharla.

Claude Bolling 1930-2020

Ayer falleció el excelente compositor y pianista francés Claude Bolling. Tiene una amplia trayectoria en el cine francés e internacional con títulos como Borsalino, Historia de un policía o California Suite, aunque no era excesivamente conocido para el público no francés. Descanse en paz.

El sábado 2 le haré un homenaje en la sección Otras bandas sonoras con una de sus películas, ya que hoy y mañana tengo previstas dos películas relacionadas de alguna manera con Nochevieja y Año nuevo y no quiero trasladarlas a otro día.

 

Otras bandas sonoras: El árbol del ahorcado

 Los últimos cuatro filmes de Gary Cooper resultan un tanto "raros" en su filmografía. El héroe por antonomasia del western junto con John Wayne pasa a ser el antihéroe o directamente el presunto asesino en El árbol del ahorcado, Llegaron a Cordura, Misterio en el barco perdido y Sombras de sospecha. Sobretodo los dos westerns de algún modo anticipan el western crepuscular que oficialmente se considera arranca con El hombre que mató a Liberty Valance.

El árbol del ahorcado es mi favorita de las cuatro, y ahí se muestra un Gary Cooper como he dicho antihéroe: huraño, misántropo, con un pasado oscuro y finalmente un hombre vengativo. La historia de un médico que en un poblado minero cuida a una mujer ciega por un accidente es uno de los mejores trabajos del director Delmer Daves, cineasta a menudo infravalorado pero que dejó excelentes trabajos especialmente en el western y el melodrama, aunque comenzó con un clásico del cine bélico como Destino Tokyo; suyos son clásicos como La senda tenebrosa, Flecha rota, Jubal, La ley del talión, El tren de las 3:10, Cowboy, Arizona prisión federal. Parrish, Susan Slade y Fiebre en la sangre. El árbol del ahorcado tiene grandes interpretaciones de Cooper, Karl Malden y George C. Scott

La banda sonora es excelente y está firmada por Max Steiner y Jerry Livingston. Steiner no necesita presentación, Livingston fue un reconocido compositor de canciones, entre otras las de La cenicienta de Disney y La ingenua explosiva. La canción de El árbol del ahorcado es un clásico del género, siendo nominada en los Oscar de 1959.

Otras bandas sonoras: Profesor Holland

 Igual que el mejor escribano o maestro a veces hace un error, a veces el director más mediocre hace una película interesante. Es el caso de Stephen Herek y Profesor Holland.

La carrera del director estadounidense Stephen Herek es casi toda muy floja, con "joyas" como como Critters, No le digas a mamá que la canguro ha muerto, Los tres mosqueteros (1993, la de Charlie Sheen y compañía) el remake de 101 dálmatas, El gurú o Rock Star. De la quema solo se salva entre las comedias el filme de culto Las alucinantes aventuras de Bill y Ted.

Y entre los dramas, Profesor Holland. Sin ser una obra maestra, la historia de un profesor de música que sueña con hacer una obra maestra, tiene un buen guión, una excelente interpretación de Richard Dreyfuss y es la película más interesante de Herek. Fue nominada al Oscar al mejor actor y al Globo de Oro al mejor actor y guión.

Creo que también merecía la nominación el compositor Michael Kamen. Su tema principal es muy bueno y está considerado uno de los mejores trabajos del malogrado y a menudo infravalorado  músico.

Otras bandas sonoras: La edad de la inocencia

 Hoy es el dia de los Santos Inocentes, y siendo el primero en esta sección de bandas sonoras quería homenajearlo de alguna manera, en este caso sin gastar una inocentada. Pensando en películas que incluyan la palabra inocente o algo similar, creo que la más destacada es La edad de la inocencia.

En un principio, la película desconcertó a los fans de Scorsese. No parecía el tipo de película a que nos tenía acostumbrado el maestro, y además era el segundo remake consecutivo en su carrera tras El cabo del miedo (no he visto la primera versión de 1934 de La edad de la inocencia, protagonizada por Irene Dunne; no puedo por lo tanto hacer comparaciones). En el momento de su estreno, demostró Scorsese que su adaptación de la novela de Edith Wharton era otra gran película en su filmografía, estaba hecha con gran talento y un enorme trío protagonista: Daniel Day-Lewis, Michel Pfeiffer y Winona Ryder. La historia del caballero de la alta sociedad de Nueva York que se enamora de la prima de su prometida es ya un clásico; como suele ser habitual en Scorsese, se le relegó en los Oscars, aunque este 1993 la competencia era muy dura.

La banda sonora de Elmer Bernstein es la mejor de su última etapa junto con Lejos del cielo; en 1993 Bernstein llevaba una época irregular, pero en La edad de la inocencia volvió a dar lo mejor de sí con un bellísimo tema romántico principal-

Despedida y cierre

 Siento deciros que el próximo dia 31 va a ser el último día que va a estar abierto este blog. Llevo 15 años haciendo críticas y otras chorradillas en Internet y ya estoy un poco cansado de estar todo el día dando la brasa, necesito una jubilación anticipada.

Con el confinamiento mi cansancio ha ido a peor, y con tanto hablar de bandas sonoras desde marzo, últimamente  se me ha nublado el entendimiento como al Quijote, ya no distingo las bandas sonoras, el otro día oí en una televisión la Quinta sinfonía de Beethoven y estuve diez minutos preguntándome de qué película era esa banda sonora de Bernard Herrmann. Ya no distingo entre el reguetón y la música de los alumnos de Hans Zimmer.

A mi decisión de jubilarme ha contribuido la suculenta oferta de Netflix para comprar mi blog, llevaban un tiempo hacer un programa de crítica en streaming y les pareció el mío la oferta más seria que encontraron en Internet. He decidido hacer como George Lucas, aceptar la pasta y dedicarme a contar billetes, que trabajen otros.

Hasta siempre, espero que me añoréis.

Otras bandas sonoras: Casino Royale 1967

 Ian Fleming montó un buen lio con la venta de derechos para cine de las obras de James Bond: Casino Royale la vendió por un lado a televisión y a Columbia, el grueso de sus novelas a Albert Broccoli y el guión original de Operación trueno con disputa entre Broccoli y el productor Kevin McClory. Eso produjo que se hiciese un remake no oficial de Operación trueno (Nunca digas nunca jamás), una versión de Casino Royale para televisión en los 50 y una versión de esta novela fuera de la saga en 1967.

Los productores de Casino Royale 1967 decidieron no hacer una película diferente del resto de Bond, y la convirtieron en una parodia. No les salió demasiado bien, y siempre me ha dado la impresión de que el rodaje debió ser bastante caótico, con hasta seis directores implicados (John Huston, Robert Parrish, Val Guest, Ken Hughes, Joseph McGrath y el no acreditado Richard Talmadge) y un reparto que pretendía ser estelar y donde pocos destacan entre tanto cameo: David Niven, Peter Sellers, Woody Allen y Orson Welles como claros protagonistas y un larguísimo etcétera haciendo papeles pequeños o directamente cameos. No ha envejecido bien, no está al nivel de las mejores parodias de otros que luego harían Mel Brooks o el grupo ZAZ. Lo mejor, Niven y el villano sorpresa cuya identidad es mejor no decir a quien no haya visto el filme.

Lo que sí está a la altura es la banda sonora. Burt Bacharach hizo una muy divertida composición muy sesentera que me parece lo mejor del compositor junto con Dos hombres y un destino, y tiene una canción que en la voz de Dusty Springfield se convirtió en un clásico: The look of love. La banda sonora es sin duda lo más recordado de un filme irregular y fallido, tardarían 39 años en hacerse una muy buena versión de la novela de Fleming,.

Soul

Es una pena que Soul solo se haya estrenado en streaming, aunque entiendo la postura de muchas distribuidoras y productoras de no esperar a los cines (no solo las estadounidenses, Ofrenda a la tormenta no se estrenará en cines, y ya veremos otros filmes españoles como Operación Camarón y Mamá o papá, aplazados sine die), dado que muchos lugares del mundo no pueden abrir sus cines o solo los pueden abrir en parte). Este filme merecía verse en una pantalla de cine, aunque bienvenido sea su estreno en streaming.

Porque es una nueva obra maestra de Pixar. Pete Docter ha hecho en mi opinión una gran versión no confesa de El difunto protesta (y su remake El cielo puede esperar), aunque también hay referencias a otro argumento clásico en las comedias clásicas (tan clásico que hay una nueva versión pendiente de estreno). La historia del músico de jazz fallecido por un accidente de tráfico que hace todo lo posible para evitar ir al más allá es muy divertida, no decae prácticamente en ningún momento. Y todavía es mejor desde el punto de vista formal, hasta tres estilos de animación diferentes se pueden ver en el filme: animación por ordenador en la parte "real" de Nueva York, animación tipo Del revés dedicada a las almas y animación "picassiana" en los personajes de los dirigentes y la rata burócrata del más allá. Nueva obra maestra del director de Up y Del revés y la mejor película que he visto este año.

Nota sobre 10: 10

Si se hubiese estrenado en cines, Soul hubiese sido precedido por Madriguera, un estupendo corto sobre un conejito que las pasa canutas para construit su hogar bajo tierra. Se puede ver también en streaming, os lo recomiendo.

 

Los Croods 2

 

Este fin de semana se ha producido en cines o en stremaing el enésimo enfrentamiento en los últimos 25 años de los Estudios Disney-Pixar contra Dreamwoks. Como ha pasado en la mayoría de veces, ha resultado ganador el primero, la película de Disney-Pixar es una obra maestra y la de Dreamworks solo correcta.

Los Croods 2 no arranca mal, tiene una brillante aunque no muy original idea, enfrentar a la paleolítica y salvaje familia de la primera entraga con una neolítica, milennial, pija y ecologista; en esta parte están los mejores gags y se disfruta bastante bien. El problema viene a partir de un giro de guión a media película, les da por cambiar parte de la trama y convertirla en un homenaje a una obra maestra del fantástico que no me convence, aderezada con unas referencias a un par de películas muy actuales (de este año, concretamente) que me parecen fuera de lugar. No acaba en desastre, pero la parte final se desinfla, solo se queda en un correcto y entretenido filme de animación muy aconsejable para niños.

Nota sobre 10: 5

Otras bandas sonoras: Carrie 1976

 En 1974, un joven escritor de 27 años llamado Stephen King revolucionó la literatura de terror con su primera novela  publicada Carrie. La historia de una chica con poderes telequinéticos que tras su primera regla recibe bullying por parte de sus compañeros, burlas y maltrato culminados en una venganza y  masacre en la fiesta de graduación. Fue un enorme éxito de ventas que le comenzó a convertir en lo que es hoy King, el novelista de terror más vendido e influyente de las últimas décadas, su larga carrera no necesita presentación aquí.

La película Carrie llegó dos años después y repitió éxito, convirtiéndose en una de las mejores y más famosas películas del aclamado y vilipendiado a partes iguales Brian de Palma. Maestro del exceso visual, de Palma dio rienda suelta a todos sus delirios, las secuelas y remakes posteriores de Carrie no le han llegado nunca a la altura del dedo gordo al filme de 1976. 

En ella comenzaron a destacar varios actores que harían buena carrera en los años siguientes, como Amy Irving, John Travolta, William Katt o Nancy Allen, pareja varios años del director. Entre todos destaca Sissy Spacek, es su consagración definitiva de esta gran actriz. Apuntaba ya muy alto con Carne viva y Malas tierras, pero llevaba unos años oscuros desde 1973, trabajando incluso como ayudante en la dirección artística de su marido Jack Fisk en otro memorable filme de Brian de Palma, El fantasma del paraíso: Carrie lanzó definitivamente la carrera de Spacek y ahí sigue siendo una de las mejores actrices estadounidenses vivas, con un Oscar por Quiero ser libre. No olvidar a su madre en la película, la gran Piper Laurie, creo que merecía el Oscar en lugar de los minutitos de fama de Beatrice Straight por Network.

La banda sonora es para muchos el mejor trabajo de Pino Donaggio. Brian de Palma quería una música que se pareciese a Bernard Herrmann, y Donaggio le dio una joya, una estupenda banda sonora que es un clásico de los 70.

Otras bandas sonoras: Cantando bajo la lluvia

 Quizás el lector que vea este artículo se sorprenda que hoy hable de Cantando bajo la lluvia, dado que desde empezó mi sección Otras bandas sonoras solo había hablado de filmes con banda sonora original, y este memorable musical tiene como base un gran conjunto de canciones anteriores al filme. Tengo que aclarar que en ningún momento recuerdo haber dicho que solo fuese a hablar de filme con bandas sonoras originales, de hecho en mi historia de los Oscars aparecieron un buen puñado de bandas sonoras adaptadas. No será la última vez que incluyo una banda sonora adaptada, de hecho en los próximos días incluiré otra que tiene prácticamente toda su banda sonora compuesta por música clásica

Y aclarado todo esto, y decir que Cantando bajo la lluvia es mi musical favorito y está en el top 5 de mis películas favoritas de todos los tiempos (las otras serían Vértigo, Centauros del desierto, Lawrence de Arabia y Ordet), empecemos.

Cantando bajo la lluvia parte de un encargo clásico en el musical teatral y cinematográfico, utilizar un conjunto de canciones preescritas y hacer a partir de ellas una nueva obra. Tiene un nombre en inglés este tipo de musical que leí hace tiempo pero no recuerdo, y aunque tiene otros ejemplos muy populares como Mamma mia!, nadie lo ha hecho tan maravillosamente como los directores Stanley Donen y Gene Kelly en su segunda colaboración juntos en la genial Un día en Nueva York. Creo que todas las canciones de Cantando bajo la lluvia eran clásicos en 1952, salvo Make em laugh, y esta se parece mucho a Be a clown de Cole Porter.

El guión es muy bueno, uno de los mejores de un género como el musical que ha menudo ha sido injustamente denostado en sus historias diciendo que solo eran una excusa para los números musicales; p (discrepo, aunque muchos tengan historias "ligeras", muchos de los musicales clásicos, esas historias funcionan a la perfección, como en Sombrero de copa o Un día en Nueva York, por solo poner solo dos ejemplos). El homenaje al paso del cine sonoro al mudo, contando la historia de una estrella que tiene que adaptarse a los nuevos tiempos haciendo musicales, es perfecto en ritmo, gags e interpretaciones: Gene Kelly, Donald O'Connor, Debbie Reynolds y Jean Hagen están perfectos en sus papeles; para Reynolds fue su primer papel protagonista.

Y la película es aún más  perfecta en su parte musical. Todos sus números están a un nivel estratosférico, no los voy a poner todos, pero si mi dos preferidos, la genialidad de Donald O'Connor haciendo reir en Make em laugh y el que es para muchos la cumbre del cine musical, el inolvidable número musical que da nombre a la película.

El padre

El escritor francés Florian Zeller se ha convertido en los últimos años en uno de los más prestigiosos autores teatrales europeos, fama debida especialmente a la trilogía La madre, El padre y El hijo (por orden de estreno original, no por el que se ha visto en Barcelona, la segunda llegó antes que la primera). He tenido la fortuna de ver en los teatros de Barcelona La madre interpretada por Emma Vilarasau y El padre interpretada por Héctor Alterio, y creo que la fama de Zeller es completamente merecida, aunque personalmente prefiero El padre; no me consta que de momento se haya estrenado en los teatros españoles El hijo, es muy reciente, de hace dos años.

Ahora Zeller da el salto al cine dirigiendo la adaptación del padre, y hace una muy notable película. Debe pulir algún defecto, principalmente huir algo más del origen teatral y ser más cinematográfico, pero el guión es muy bueno y por lo que recuerdo de la obra muy fiel; es mejor no comentar nada de la historia, es laberíntica y algo confusa en ciertos momentos, pero es lógico si estamos viendo la historia contada desde el punto de vista de un hombre que está perdiendo la memoria. 

Y Zeller se muestra como un gran director de actores; Anthony Hopkins está genial, es su mejor interpretación en los últimos años, sabe transmitir con la voz la confusión del personaje, pero también con los silencios, hay grandes primeros planos que solo con la mirada lo dice todo; está muy bien secundado por Olivia Colman y Olivia Williams, la primera se está llevando todos los elogios, pero la segunda no le va a la zaga, sus personajes son necesariamente complementarios y son claves ambos en el filme. Mark Gatiss, Imogen Poots y Rufus Sewell cumplen, pero sus papeles son más secundarios.

Película muy recomendable, de lo mejor de la actual cartelera.

Nota sobre 10: 8

 

Otras bandas sonoras: Gremlins

 Hoy es Nochebuena, y como es lógico tenía que poner en esta sección una película navideña. Tenía mucho y bueno donde elegir, pero hace unos cuantos días las compañeras y compañeros del programa de radio me pidieron en el último programa que no pusiese algo ñoño y tirase por lo más gamberro, y así hice. Como la película estaba inédita en esta sección del blog, hoy vuelvo con la misma película aquí: Gremlins.

En 1984, el guionista Chris Columbus es un recién llegado al cine. Su primer guión Rebeldes temerarios no la he visto, y el segundo tiene la suerte de llamar la atención del productor Steven Spielberg, que le produce un guión llamado Gremlins, la historia de un ser adorable que no puede mojarse, comer después de medianoche ni ver la luz del sol y que cuando se incumplen estas reglas, se convierte en una horda de mosntruos gamberros que siembran el caos en la Nochebuena de un pueblecito estadounidense. Aunque tiene alguna referencia a Drácula, el guión se basa en una leyenda urbana que cuenta que algunos aviones de la Segunda Guerra mundial eran atacados por unos duendes malignos que llamaban Gremlins (leyenda que inspiró un memorable episodio de la serie The twilight zone, adaptado para cine en uno de los episodios de la película de 1983 que adaptaba la serie).

La dirección corrió a cargo del director Joe Dante, que se había ganado un nombre entre los aficionados al fantástico por clásicos de la serie B como Piraña y Aullidos. Dante siempre se ha caracterizado por su tono gamberro y por incluir multitud de homenajes cinéfilos, en Gremlins se encuentran referencias además de Drácula a filmes como Blancanieves y los siete enanitos, Qué bello es vivir y unas cuantas películas más. En el reparto destacan Zach Galligan, Phoebe Cates y Dick Miller, gran actor secundario habitual en las películas de Joe Dante.

La película fue un gran éxito, aunque algunos le criticaron su excesiva violencia para ser una película familiar, hoy está considerada un gran clásico de los 80. Lanzó a la fama a Columbus convirtièndolo en un taquillero guionista (Los Goonies) y director (Solo en casa, los dos primeros Harry Potter) y afianzó la carrera en los siguientes años de Dante, aunque hace unos años que le he perdido la pista. Gremlins tuvo una segunda parte más gamberra y cinéfila, aunque sin tanto éxito, y últimamente se habla de una posible tercera entrega.

La banda sonora es otra genialidad del maestro Jerry Goldsmith. El músico compuso un tema alegre navideño aderezándolo con tintes siniestros y el resultado es espectacular, es todo un clásico de los 80.

Os deseo una muy feliz Navidad a todos mis lectores, este blog no va a parar estos días si la salud lo permite.

Otras bandas sonoras: Django

 Aunque tiene otros nombres importantes como Tonino Valerii, Enzo Barboni, Tulio Demichelli o Gianfranco Parolini, se consideran como directores claves del espaguetti western a los llamados tres Sergios: Leone, Sollima y Corbucci comparten nombre de pila y son los que mejores y más conocidas películas aportan al western rodado en Italia y Almería. De Sergio Leone ya he hablado y volveré más adelante, Sollima lo tengo pendiente y hoy es el turno de Corbucci y de la que es quizás su película más famosa junto con El gran silencio; Django.

Sergio Corbucci tardó cierto tiempo en tener la aceptación de la crítica, su estilo más humorístico y más violento lo hacía ver como director de cine de barrio y no como un gran realizador, y destacó también como director de peplums y comedias con Adriano Celentano, Terence Hill  y Bud Spencer. Entre sus filmes que más destaco o recuerdo están Rómulo y Remo, El hijo de Espartaco, Joe el implacable, Los despiadados, El gran silencio, El guapo, ¿Qué nos importa la revolucíon, El blanco el amarillo y el negro, Bluff (los embrollones), Par impar, El superpoderoso y Quien tiene un amigo tiene un tesoro.

Django es su western más famoso, aunque se considera su obra maestra El gran silencio. Fue el debut en el cine del actor italiano Franco Nero, convertido en un icono del género con el peculiar ataud que arrastra al principio de la película. La historia del pistolero enfrentado a un bandolero y a un terrateniente del Klu Klux Klan es de una violencia salvaje, especialmente en los últimos minutos.  A mí me parece un gran western en el que destacan dos sensacionales villanos, el hispanoargentino José Bódalo y el español Eduardo Fajardo. Fue homenajeada por Tarantino en Django desencadenado, aunque no es un remake, al igual que pasó con Malditos bastardos y Aquel maldito tren blindado, las historias de Corbucci y Tarantino no se parecen en nada.

La banda sonora corre a cargo de un habitual del wester, el italoargentino Luis Bacalov. Me parece uno de sus mejores trabajos, su tema principal y su canción son icónicos e inolvidables.

Otras bandas sonoras: El baile de los vampiros

 Polanski había demostrado ya dotes para la comedia negra en Callejón sin salida, pero hay que considerar como su primera comedia pura El baile de los vampiros, una muy divertida parodia de las películas Hammer de la época. El filme contiene momentos muy divertidos, y un gran reparto encabezado por Sharon Tate, Jack MacGowran y el propio Polanski. Como es sabido Tate y MacGowran forman parte de la leyenda negra de La semilla del diablo y El exorcista, aunque teniendo en cuenta su coprotagonismo, considero El baile de los vampiros la más maldita de las tres. Tiene una versión más larga con entre otras escenas un prólogo de animación antes de los títulos de crédito que yo no he podido ver hasta ahora.

Y hay que incluir evidentemente a Christopher Komeda en la maldición. De sus filmes fuera de Polonia, esta es una de sus mejores bandas sonoras después de La semilla del diablo, el compositor polaco mezcló con maestría la ironía con lo siniestro. 

Otras bandas sonoras: Big

 Ayer comenté en Facebook que iba a hacer un artículo sobre una película relacionada con Wonder Woman 1984. Espero que no lo consideréis un spoiler,  Big tiene bastante que ver con el filme estrenado este fin de semana, como comprobará quien vea la película protagonizada por Gal Gadot

Es la película que lanza la fama a su directora Penny Marshall tras un estreno más bien discreto aunque con éxito como Jumpin Jack Flash. Tras ella, la hermana del director de Pretty woman tendría una aceptable carrera como realizadora con títulos como Despertares, Ellas dan el golpe y Un poeta entre reclutas; no siendo el suyo mi tipo de cine favorito, no me pareció una mal directora. Big, la historia de un niño al que una máquina concede el deseo de hacerse mayor, me parece su mejor filme.

Es la película en que la crítica comienza a tomarse en serio a Tom Hanks. A mí ya me gustaba como actor cómico desde que lo descubrí en Splash, pero los no aficionados a la comedia lo consideraban poco menos que un graciosete más de los cómicos de los 80. En Big está excelente, y por su interpretación obtuvo en primer Globo de Oro y la primera nominación al Oscar.

La banda sonora corrió a cargo de un maestro. Es una de las primeras bandas sonoras en que Howard Shore se aleja del tono siniestro de sus comienzos con David Cronenberg, y en mi opinión hace un muy bello y agradable trabajo, me parece excelente.

Otras bandas sonoras: Japón bajo el terror del monstruo

 King Kong sentó en 1931 las bases de todo el cine de monstruos posterior, pero durante mucho tiempo Hollywood no fue el principal lugar donde el género se expandió: tuvo su mayor auge en Reino Unido con Ray Harryhausen (le tengo pendiente en esta sección) y en Japón con Ishiro Honda.

No se si hay antecedentes a 1954 al kaiju, el término con el que se conoce el cine de monstruos japonés, de haberlos los desconozco. El caso es que el género explota con Godzilla, aquí llamada Japón bajo el terror del monstruo, sobre un gigantesco ser que despierta de su letargo por las pruebas nucleares. Fue un bombazo en pleno pánico al terror nuclear, y provocó todo tipo de secuelas y de monstruos de todo tipo. Demasiado a menudo ha sido denostado por los críticos sesudos que le han puesto entre otras pegas que los efectos especiales son rupestres, que canta que son señores disfrazados con pijama; prefiero los pijamas que los CGI de goma recientes.

Su director Ishiro Honda ha sido el máximo referente del kaiju, muchas de las secuelas de Godzilla y filmes con otros monstruos han tenido su firma. Honda se ocupó de la segunda unidad de muchos filmes de Kurowawa antes y después de Godzilla; no es ninguna casualidad, Toho es la productora de los kaijus y los filmes nipones de Kurosawa más famosos. Lo que conozco de él le muestra como un notable director de cine fantástico.

Hollywood se mostró rápidamente interesado por Godzilla, de hecho cogió el filme de 1954 y hace con Honda un nuevo montaje en 1956 del filme de 1954 al que añaden actores occidentales con Raymond Burr. Desde 1998 se ha vuelto a traer a Godzilla a Hollywood y a otros clásicos del kaiju, pero todos son desastrosos salvo King Kong la isla de la Calavera.

Akira Ifukube es el compositor de Godzilla y a partir de ese filme el máximo exponente en música del kaiju, la mayor parte de películas famosas del género tienen banda sonora suya. El tema principal en forma de marcha es imponente y una maravilla, se ha convertido en un clásico del cine fantástico.

Wonder woman 1984

El fin de semana me ha sido desastroso en cine y televisión, no suelo comentar lo segundo, pero como tiene que ver con una popular saga, lo hago.

No entiendo las estratosféricas alabanzas al último episodio de The mandalorian por su "nostalgia, épica y emotividad". La escena cumbre es un despropósito, la épica requiere grandes enemigos y la nostalgia un buen tratamiento visual, y en esa escena solo he visto un montón de Terminators aquejados de reumatismo (Jar Jar Binks con casco hubiese sido más hábil) y "eso" que se supone que era un mito y más bien parecía con el CGI una figura del museo de cera con la expresividad de Steven Seagal. La épica no la encuentro, la emotividad me la ha tirado por los suelos el CGI y la nostalgia solo la veo bien usada en la escena poscréditos, me ha parecido el peor episodio de una temporada que en el resto de episodios si manejaba muy bien el espectáculo y la nostalgia.

Lo de Wonder Woman es todavía peor. Advierto que alguna de mis palabras se pueden considerar spoiler, aquí no tengo otro remedio que hacerlo aunque sea mínimo.

Casi recomiendo ver los primeros diez minutos y la escena poscréditos, el resto es para tirar a la basura. De todas las posibles tramas que se podían hacer para seguir la historia de Diana Prince y resucitar a Steve Trevor, han escogido la peor, lo que se suponía que era una película de superhéroes acaba convertida en Wonder Woman y la piedra maravillosa, con un guión esquelético, estirado cual chicle pegajoso, inspirado supongo en un proverbio chino más viejo que el tebeo (de hecho era el slogan en 1984 de una película de Gene Wilder, al menos en España recuerdo ese proverbio en el cartel de Lauren Films))  que dura dos horas y media interminable, con un mensaje político de perogrullo (Donald Trump ya era una caricatura en los 80) y unos malos de saldo, Cheetah no merece ser tratada como un patito feo metido poco menos que a Charles Bronson, no es eso exactamente, y Pedro Pascal supera con creces todos los límites de sobreactuación habidos y por haber, en vez de amenazante parece el Coyote pasado por el baile de San Vito o un cruce genético  de laboratorio serie Z entre Nicolas Cage y Jim Carrey. Las escenas de acción, mal hechas, una parece una copia mala de En busca del arca perdida (hay un homenaje muy claro) y la otra es tan oscura que apenas se ve nada.

Como dije solo se salvan los efectos especiales, la excelente escena prólogo. la nostálgica escena poscréditos y la banda sonora de Hans Zimmer, el único que me parece que sabe lo que hay que hacer en la película. Todo lo demás es olvidable, está a años luz de la notable primera entrega.

Nota sobre 10: 3

 

Otras bandas sonoras: Providence

 De los grandes de la Nouvelle Vague, Alain Resnais es quizás el menos accesible para el gran público, parte de sus obras más famosas no son lineales, son oníricas o surrealistas. Todavía muchos siguen preguntándose qué quería decir en El año pasado en Marienbad, pero no es el único filme difícil del autor de Hiroshima mon amour, La guerra ha termindado, Mi tío de América, Stavisky u On connait la chanson.

Providence es uno de sus títulos más emblemáticos de los 70, Está inspirado en varios relatos de Lovercraft, y se dice que su surrealismo ha inspirado a David Lynch para filmes como Carretera perdida o Mullholland drive. Cuenta la historia de un escritor aficionado al vino que mientras prepara su última obra mezcla realidad y fantasía acabando en una peculiar fiesta de cumpleaños. Tiene un gran reparto encabezado por John Gielgud, Dick Bogarde, Ellen Burstyn y David Warner.

Es la primera película en inglés de Resnais y una de las pocas incursiones en el cine europeo del genial Miklos Rozsa. Su banda sonora es un prodigio, una de las mejores de la última etapa de un gran maestro que mantuvo un enorme nivel hasta el final de su carrera.

Otras bandas sonoras: El piano

 La directora neozelandesa ya había llamado la atención de la crítica con Sweetie y Un ángel en la mesa, pero es El piano el filme que la consagra internacionalmente, ganando la Palma de Oro de Cannes (sigue siendo la única directora que lo ha conseguido) y tres Oscars, mejor actriz principal (Holly Hunter), actriz secundaria (Anna Paquin) y guión original. Sigue siendo su película más famosa la trayectoria posterior de Campion la encuentro bastante irregular.

Y personalmente me gusta más Un ángel en la mesa, aunque El piano es un notable melodrama sobre una mujer que no habla desde hace años y que es vendida con su hija a un neozelandés para casarse. Destaca por la interpretación de Hunter, Harvey Keitel y Sam Neill, a mí no me acaba de convencer la de Paquin.

Es la banda sonora más famosa del compositor británico Michael Nyman, aunque tuvo bastante polémica en su momento, hubo muchos que pensaron que no era adecuado su estilo minimalista y moderno a un filme de época, probablemente se quedó sin nominación al Oscar por esa polémica, a mí me parece notable aunque no esté a la altura de la ganadora de ese año La lista de Schindler. Nyman empezó a destacar en cine como compositor de filmes de Peter Grenaway y de su amplia filmografía destacan El contrato del dibujante; Conspiración de mujeres, Monsieur Hire, El cocinero el ladrón su mujer y su amante, El marido de la peluquera, Carrington, Gattaca, El fin del romance y Man on wire, 

Otra vuelta de tuerca

 

La novela de Henry James Otra vuelta de tuerca ha dado lugar que yo sepa la obra maestra de Jack Clayton The innocents, de cuyo título español no quiero acordarme (para mí el peor de la historia de las traducciones de títulos españoles) y a un interesante filme de Eloy de la Iglesia, pero la nueva versión de 2020 es un desastre.

No hay nada que funcione, desarrollarla en época actual no tiene sentido; incidir en la segunda lectura del relato  ya presente en el filme de Clayton, y subrayarla tanto que parece que tome al espectador como un niño al que hay que explicarle todo es patético;  y lo peor es la última vuelta de tuerca, creo que invención de la película aunque no estoy seguro (yo no la recuerdo ni en las películas ni en la novela), me parece lamentable. Muy floja, no se salva ni Mackenzie Davis.

Nota sobre 10. 1

Otras bandas sonoras: Aliens el regreso

 Hoy puede parecer raro que se tardasen siete años en rodar la secuela de Alien el octavo pasajero, parece ser por problemas entre los creadores y que el estudio no lo veía claro. Cada entrega siempre fue de parto complicado, como el del alien.

Finalmente de la secuela se hizo cargo James Cameron, recién salido de Terminator 1 y el guión de Rambo. Aún siendo muy bien recibida en general, algún crítico se puso sarcástico comparando en nuestro país a Ripley con Rambo llamándola Rambolina. Hoy es un clásico tan indiscutible como la primera entrega. 

Cameron partió de una idea que hubiese cambiado de no haberse descartado algunas escenas en el filme de Ridley Scott. Tal como se estrenó el filme de 1979, no hay explicación alguna a de donde surgen los huevos, cosa que sí tenía una explicación en una escena descartada. Cameron imaginó una reina alien al estilo de las abejas, y convirtió primero el filme en una película de comandos y después en el enfrentamiento letal entre dos madres, Ripley y la reina Alien. Sigourney Weaver está espectacular y fue nominada al Oscar, muy bien secundada por tres actores provenientes de Terminator como Michael Biehn, Lance Henriksen y Bill Paxton, la niña Carrie Henn y el actor de comedia Paul Reiser en un registro diferente al habitual en él.

La banda sonora de 1979 compuesta por Jerry Goldsmith era muy buena, pero diversos problemas entre compositor y director no hacen que acabe de lucir bien en el filme. James Horner tuvo menos complicaciones en la secuela e hizo un resultado magnífico, para muchos su primera obra maestra, aunque a mí personalmente ya me gustaba mucho en Krull y Star trek II.

Otras bandas sonoras: Ragtime

 Ragtime es una de las mejores películas de la etapa internacional de exilio de Milos Forman. Cuenta varias historias en el Nueva York de 1906, sobre todo la de un pianista afroamericano cuya vida y actitud política cambia radicalmente con el descubrimiento de un bebé que puede ser su hijo. Fue nominada a 8 Oscars, aunque sorprendentemente no ganó ninguno. 

Fue la última película de un gran actor, que podemos decir que forma la trinidad del cine negro con Humphrey Bogart y Edward G. Robinson. James Cagney llevaba 20 años retirado desde Uno, dos tres; a pesar de la edad y del tiempo retirado, demostró que no había perdido ni sus cualidades interpretativas ni su carisma, su jefe de policía es mu inquietante. También fue el último filme de Pat O'Brien, otro gran veterano que había trabajado con Cagney en Ángeles con caras sucias. Destacan otros actores como Donald O'Connor, Mary Steenburgen y Brad Dourif, y un grupo de actores jóvenes muy prometedores, algunos de ellos saltarían a la fama en sucesivos años: Howard E. Rollins Jr, Elizabeth McGovern (nominados al Oscar por este filme), Mandy Patinkin, Jeff Daniels y Samuel L. Jackson.

Y fue el primer trabajo destacado y la primera nominación al Oscar de Randy Newman. Según casi todas las fuentes es su debut en cine, aunque en IMDB figura antes una película llamada Herbskatzen que me es completamente desconocida. Desde luego, el sobrino de Alfred y primo de Thomas y David Newman no pudo comenzar con mejor pie su carrera en cine, era muy difícil que hubiese ganado el premio el año de Carros de fuego, pero su banda sonora de piano me parece muy buena.

Otras bandas sonoras: El topo

 Como dije ayer, hoy hago un homenaje musical a una película basada en una novela de John le Carré. Tenía muchas dudas entre poner La casa Rusia, El jardinero fiel y El topo, el nivel musical entre las tres está muy alto y me parecían las tres más representativas aún habiendo otras adaptaciones con bandas sonoras muy buenas.

Pero estos artículos no son solo sobre música, y tenía que valorar otros aspectos como la calidad de la película, el peso de la novela en la carrera de le Carré y mis recuerdos personales. En esto creo que gana como novela El topo, fue la primera novela de le Carré que leí y también guardo un gran recuerdo de la serie protagonizada por Alec Guiness. Además está protagonizada por el personaje más icónico de le Carré: George Smiley.

Al igual que el autor está en las antípodas de Ian Fleming, Smiley es la antítesis de Bond: bajito, con sobrepeso, calvo,  con gafas, mal vestido en las novelas y cornudo, parece más un burócrata o un funcionario que el mejor de los espías de la inteligencia británica. Desde Llamada para el muerto, Smiley fue protagonizando a lo largo de muchos años diversas novelas del autor, aunque la más famosa es la "trilogía de Karla", en la que se enfrentan las dos eminencias grises de las inteligencias británica y soviética a partir del descubrimiento de un agente doble. Está formada por las novelas El topo, El honorable colegial y La gente de Smiley.

El topo fue objeto de una memorable serie de televisión de 1979, donde Alec Guiness bordaba a Smiley, y en 2011 se hace una estupenda versión para el cine. Dirigida por el actor y director sueco Tomas Alfredson (Déjame entrar), fue una excelente adaptación con otro gran Smiley, el camaleónico Gary Oldman que aparentemente no se parecía a Smiley, pero que hizo una de sus mejores interpretaciones y consiguiendo su primera nominación al Oscar. Tiene un gran reparto de secundarios, los comento por orden alfabético para quien no haya visto el filme, ya que entre ellos está el topo o agente doble: Benedict Cumberbatch, Colin Firth, Tom Hardy, Ciaran Hinds, John Hurt, Toby Jones y Mark Strong entre otros. En el caso del topo, creo que está mejor elegido el actor que en la serie de Guiness, le pega más el personaje.

La banda sonora es uno de los mejores trabajos fuera del cine español de Alberto Iglesias. El compositor hizo un espléndido y melancólico tema principal que marca lo solitario y gris que es Smiley. Es su tercera y de momento última nominación al Oscar tras El jardinero fiel y Cometas en el cielo.

Otras bandas sonoras: El conquistador de Mongolia

 El conquistador de Mongolia ha pasado a la historia del cine como uno de los mayores desastres que ha dado el Séptimo arte, y no solo desde el punto de vista artístico, se le puede considerar la película más gafada y maldita de la historia.

Vista solo como película, no hay por donde cogerla. Da poco menos que risa  ver a John Wayne convertido en Gengis Khan, y el guión es terrible. Fue la penúltima producción de Howard Hughes antes de que se le fuese definitivamente la olla, no se pudo despedir con peor pie del Séptimo arte.

Y lo que pasó en el plató fue peor. Rodada cerca de un lugar donde el ejército estadounidense había hecho pruebas nucleares, se calcula que 91 de los 220 participantes en el filme fallecieron posteriormente de cáncer, entre ellos el trio protagonista (John Wayne, Susan Hayward, Pedro Armendáriz) y el director (el también actor Dick Powell). Aunque no se ha podido probar que los ensayos nucleares fueran la causa de los cánceres del equipo, 91 casos parecen demasiados para ser casualidad, algún especialista lo calificó de "epidemia". A eso añadir el final dantesco de Howard Hughes autorecluido muchos años y fallecido por causas no aclaradas del todo, alguna leyenda urbana afirma que fue el primer fallecido por SIDA.

Y añadir el primero en caer: el compositor. Victor Young, del que ya hemos hablado aquí por La vuelta al mundo en 80 dias y Johnny Guitar, falleció el mismo año del rodaje de El conquistador de Mongolia, aunque no por cáncer, se le debe considerar parte de la maldición del filme. No siendo de lo mejor ni mucho menos de la filmografía de Young, creo que su banda sonora es lo único respetable del filme, tiene un potente tema principal.

John le Carré 1931-2020

Ayer falleció uno de los mejores escritores de la segunda mitad del siglo XX y comienzos del siglo XXI, o quizás el mejor sin más. John le Carré fue un maestro mostrando el mundo del espionaje en la Guerra fría y cuando cayó el Muro de Berlín no perdió un ápice de su brillantez enseñando el caótico mundo que se nos vino encima. Las adaptaciones de sus novelas para cine y televisión tienen un poco de todo en calidad, las mejores para mí las dos versiones de El topo, La gente de Smiley, El espía que surgió del frío y El jardinero fiel. Descanse en paz, mañana le haré un homenaje a una de sus películas en mi sección Otras bandas sonoras.

 

Otras bandas sonoras: El regreso de los muertos vivientes

 He de reconocer que aún habiendo oido hablar de ella por su director y guionista, no había visto hasta ayer El regreso de los muertos vivientes, película de zombis considerada de culto y que me ha parecido una más que notable gamberrada ochentera, con un reparto de desconocidos salvo Clu Gulager y James karen

Es el primer largometraje de los tres que dirigió el gran guionista de cine fantástico Dan O'Bannon. Solo o en compañía de su compinche Ronald Shusett, O'Bannon debutó como guionista en el primer largo de John Carpenter Estrella oscura, y a partir de ahí nos dejó grandes guiones como el Alien el octavo pasajero, Muertos y enterrados,, El trueno azul, Lifeforce, Invasores de Marte o Desafío total. La leyenda dice que la idea de Alien se le ocurrió tras un dolor fuerte de estómago, no se si la historia es real o no, pero prefiero no hacer broma sobre el tema ya que falleció por una enfermedad del aparato digestivo, la llamada enfermedad de Crohn.

No he podido encontrar datos del compositor de esta película, Matt Clifford, en IMDB solo consta este filme en su filmografía, si alguno de mis lectores tiene más datos de él se los agradecería. No me parece la banda sonora lo más destacado del filme, solo me parece discreta.

Otras bandas sonoras: Candyman

 Como comenté en Facebook, ayer tocaba programa doble en Phenomena, el que se suspendió por Halloween. La primera película  tiene una banda sonora de un compositor muy famoso y no he tenido problemas para hablar de él, la segunda ya me ofrece más dificultades el compositor.

Empecemos con primera película:

Candyman:

Es la película más conocida del director británico Bernard Rose junto con Anna Karenina (la versión protagonizada por Sophie Marceau) y Amor inmortal. Basada en una obra de Clive Barker, Rose hizo un notable slasher a partir de la historia sobre un afromericano que fue linchado en 1890 y que resucita para vengarse cada vez que alguien nombra cinco veces su nombre en un espejo. Aunque el giro final es muy previsible, Rose mantiene la tensión y la inquietud durante casi todo el tiempo, y convirtió en un icono del cine de terror de los 90 a su protagonista Tony Todd. También hizo saltar brevemente a la fama a Virginia Madsenm hermana del actor fetiche de Tarantino Michael Madsen y actriz cuya carrera ha ido perdiendo interés conforme han pasado los años.

La película tiene una excelente banda sonora del gran compositor Philip Glass, que todavía no había pasado por esta sección. Glass es famoso por su estilo minimalista y tiene estupendas bandas sonoras como Koyaanisqatsi, Mishima, Las horas, El ilusionista, Diario de un escándalo o El sueño de Cassandra (no será la última vez que Glass pase por esta sección). En Candyman, hace una banda sonora inquietante con un muy bello tema dedicado a Helen, a mí me parece un muy buen trabajo.

Kim Ki-Duk 1959-2020

 

Hoy nos ha dejado a causa del coronavirus uno de los grandes directores del cine surcoreano. Kim Ki-duk  saltó a la fama en el cine Occidental con la polémica La isla, fama refrendada después por otros filmes como Domicilio desconocido, Primavera verano otoño invierno... y primavera, Samaritan girl , Hierro 3 o Pieta, ganando numerosos premios internacionales. Descanse en paz.

Otras bandas sonoras: Los girasoles

 Vittorio de Sica es sin duda uno de los grandes del cine italiano y por tanto del cine mundial, tanto como actor como director. Es uno de los padres del neorrealismo italiano junto con Rossellini y Visconti, gracias a obras maestras como El limpiabotas, Ladrón de bicicletas y Umberto D, y aunque su filmografía posterior es algo irregular, sigue dando grandes títulos como Estación Termini, El oro de Nápoles, Estación Términi, Dos mujeres, Ayer hoy y mañana, Matrimonio a la italiana o El jardín de los Finzi Contini. Como actor, inolvidable en multitud de títulos, fue sin duda un intérprete de gran carisma.

Los girasoles pertenece a sus últimos años de carrera y uno de sus grandes éxitos. Narraba la historia de amor  entre un soldado italiano que desaparece en el frente ruso y su mujer, y es la tercera colaboración entre de Sica director, Sofía Loren y Marcello Mastroianni. Loren ganó el David de Donatello por este filme.

Al éxito del filme contribuyó una gran banda sonora de Henry Mancini. Su tema principal es uno de los más bellos, tristes e icónicos del gran compositor estadounidense.

Otras bandas sonoras: Robocop 1987

 El holandés Paul Verhoeven entró por la puerta grande en Hollywood con Robocop. Encontró el vehículo perfecto para su ironía y mala leche habital en el guión de Edward Neumeier y Michael Miner sobre un Detroit distópico donde el crimen siembra el caos y una corporación empresarial corrupta crea un policía robot a partir del cuerpo de un policía asesinado, guión creado a partir de ideas de Frankenstein, Blade runner, el comic de Juez Dredd y otras influencias. Tuvo un gran éxito y dos secuelas, una muy notable dirigida por Irving Kershner y una muy mediocre del director Frank Dekker, de culto por otros filmes como El terror llama a su puerta y Una pandilla alucinante, pero que se la pegó en Robocop 3; mejor olvidar el terrible remake de 2014. Se puede decir que es la primera entrega de la trilogía distópica de Verhoeven, a la que seguirían Desafío total y Starship troopers. Lanzó a la fama al actor Peter Weller, muy bien secundado por Nancy Allen, Ronny Cox y Kurtwood Smith.

La banda sonora es una de las más recordadas de Basil Poledouris junto con Conan el bárbaro; su tema principal de tono mecánico es todo un icono del cine de los 80-

Otras bandas sonoras: Ruta suicida

 Ruta suicida pone fin al que yo llamaría periodo "de aprendizaje" de Clint Eastwood como director. Ha realizado hasta entonces películas muy notables como Escalofrío en la noche, Infierno de cobardes y Licencia para matar, un filme que me parece fallido como Primavera en otoño y su primera obra maestra El fuera de la ley, pero aún una parte de la crítica no le acaba de ver con buenos ojos, dice que "no es un mal director" (palabras que recuerdo de un periódico a raiz de Ruta suicida y Bronco Billy). Tras Ruta suicida, se tomará un descanso de tres años en la dirección y a partir de ahí entonces sí que cogerá el aprecio de la crítica con pocos altibajos.

Ruta suicida no acaba de tener una buena acogida en 1977, los críticos siguen viendo el filme como "otra de Harry el sucio, y no ven más que un guión delirante y poco creible. Vista ahora, desde luego es una obra menor comparada con trhillers posteriores como Impacto súbito, pero a pesar de que el guión es mejorable, las escenas de acción tienen mucha fuerza, especialmente ese final con el autobús acribillado por el "gauntlet" (The gauntlet el título original es intraducible, por lo que he oido decir hace referencia a una costumbre india de hacer un "pasillo" entre el resto de guerreros al guerrero que volvía victorioso). Es la primera película que Sondra Locke coprotagoniza con Eastwood tras un papel algo secundario en El fuera de la ley; fueron pareja artística y sentimental durante unos cuantos años hasta que como sabemos acabó como el rosario de la aurora con acusaciones de maltrato por parte de Eastwood a Locke.

La banda sonora es una de las grandes bazas del filme. El infravalorado por muchos Jerry Fielding compuso un potente y recordado tema principal, bien acompañado por notables temas secundarios de jazz. Me parece uno de los mejores trabajos de Fielding con Eastwood.

Otras bandas sonoras: Orca, la ballena asesina

 Ayer fui a ver un programa doble sorpresa en Phenomena, y como ya hice unas semanas atrás, hoy comento aquí las películas vistas y sus bandas sonoras. Se trataron de una película infravalorada en su momento por considerarse una copia de otra y de una obra  considerada menor de un grande del cine contemporáneo. Tienen música de un compositor genial y de un excelente músico.

Empecemos con la primera que se proyectó: Orca, la ballena asesina.

El éxito de Tiburón lleva en los siguientes años a todo tipo de productores a hacer copias más o menos descaradas con todo tipo de monstruos marinos. La mayoría son muy malas,  de las que recuerdo las mejores son Piraña y la que hoy nos ocupa; Orca, la ballena asesina.

El filme del veterano director Michael Anderson no es muy bien recibido en su momento por la crítica, al ser considerado una mera copia de Tiburón. Pero el filme producido por Dino de Laurentiis tiene algo que le diferencia de la mayoría: el animal protagonista tiene un motivo para matar, la venganza por la muerte de su compañera y el feto que llevaba dentro, la orca tiene un comportamiento "humano". Aunque tiene algunas fantasmadas como que una orca sea capaz de mover un iceberg, es una película más que respetable que vista ayer ha resistido bastante bien el paso del tiempo, y creo que la escena de la muerte del feto la debieron tener muy en cuenta los creadores de Alien, aunque no es tan impactante como la muerte de John Hurt, tiene muchos puntos en común. Al frente del reparto humano está un excelente Richard Harris, acompañado entre otros por Charlotte Rampling y una debutante Bo Derek antes de convertirse en mito erótico con 10.

La banda sonora es una delicatessen del maestro Ennio Morricone. Aunque tiene poderosos temas de acción, su tema principal es un bellísimo tema elegíaco por la orca muerta, con la voz de Edda dell'Orso, Morricone se pone claramente del lado de la orca. Maravillosa banda sonora como solía ser habitual en el compositor italiano.

Otras bandas sonoras: El último tango en París

 De todas las películas perseguidas y/o prohibidas de la historia, no creo que haya muchas que superen la polémica que organizó El último tango en París. Fue prohibida en muchos países, especialmente en España e Italia. Y sigue siendo polémica tras las declaraciones de Bernardo Bertolucci poco tiempo antes de morir de que en la famosa escena de la mantequilla no se había avisado a María Schneider de lo que se iba a hacer en esa parte, y por lo tanto no estaba consentida por la actriz. Siempre he dejado clara mi postura sobre el tema;  en cualquier relación sexual real o simuladam deben estar claramente de acuerdo las dos partes o más implicadas, cualquier acto sexual real o simulado hecho a la fuerza o con una persona que no esté en condiciones de dar su onsentimiento me parece repugnante.

Es la película que lanza a la fama internacionalment a Bernardo Bertolucci y con permiso de El último emperador sigue siendo la más famosa. La historia de la relación amorosa entre un hombre maduro y una chica joven sigue teniendo mucha fuerza desde el punto de vista estrictamente cinematográfico. Bertolucci quería a Jean-Louis Trintignant como protagonista, pero este no quiso hacerla, y contrató a Marlon Brando, que como era habitual en él no recordaba sus frases y comenzó a improvisar diálogos, algunas malas lenguas dicen que las mejores escenas son cosa suya. Lanzó brevemente a la fama a María Schneider; marcada por este papel y por el follón con Bertolucci, no hizo muchas películas más destacadas salvo El reportero.

El último tango en París fue la responsable máxima junto con Emmannuelle de las "peregrinaciones" a Perpignan  para ver películas prohibidas en España. Según datos leidos en la web de la SER, se calcula que en los seis primeros meses del estreno de El último tango, la película fue vista en Perpignan por 110 mil personas, dato tremendo teniendo en cuenta que la ciudad tenía en esa época unos 90 mil habitantes. Ir al sur de Francia y a Portugal para ver películas prohibidas fue todo un clásico hasta el fin de la censura franquista.

La banda sonora corrió a cargo del compositor argentino Gato Barbieri. Es un músico que se ha prodigado poco en cine, solo recuerdo de sus películas El porder del fuego y El beso de un estraño, la  banda sonora de la primera me parece normalita y la de la segunda no la recuerdo y no encuentro grabación. La banda sonora de El último tango en París fue muy icónica en su momento, y me parece un excelente trabajo, su tango principal es muy bello.