Otras bandas sonoras: Rocky

 Antes de 1976, Sylvester Stallone no ha pasado de ser un oscuro actor secundario con papeles pequeños en películas de Woody Allen, Jack Lemmon y Robert Mitchum entre otros, y una pequeña serie B de culto llamada La carrera de la muerte del año 2000. Es entonces cuando Stallone logra vender a los productores Irwin Winkler y Robert Chartoff un guión sobre un boxeador de medio pelo que se enfrentaba al campeón del mundo. Son reticentes a que la protagonice Stallone por ser un desconocido, pero acaban aceptando el guión y el protagonismo del actor. El resultado es Rocky, que acaba teniendo un descomunal éxito por sorpresa y se convierte en una de las películas más taquilleras e icónicas de la segunda mitad de los años 70, También se lleva los Oscars a la mejor película, dirección y montaje, muy discutibles teniendo en cuenta que era el año de Taxi driver, Network y Todos los hombres del presidente. Stallone se convirtió en una de las pocas personas en ser nominado como intérprete y guionista por una película.

Y es la película que convierte en estrella a Stallone. Como he dicho en alguna ocasión, para ser estrella no es obligatorio ser buen actor, pero sí es necesario tener carisma. Stallone siempre ha sido un actor muy limitado de registros y expresividad, pero pocos han tenido como él un carisma a prueba de bombas, balas y cirujanos plásticos, y pocos como él han tenido el olfato de ver cuándo una película podía revitalizar su carrera cuando estaba en horas bajas y era carne de razzies y memes. Como Arnie, Chuck Norris, van damme y Seagal le he acabado cogiendo cariño, forman parte de mi cultura cinematográfica de cine de barrio y videoclubs. Le echaré de menos a quien interpretó y en ocasiones creó las sagas de Rocky, Rambo y Los mercenarios y que también interpretó películas nada desdeñables como Evasión o victora, Máximo riesgo, Demolition man o Copland, aún en sus momentos más bajos no puedo cargármelo del todo.

De la dirección de Rocky se encargó un buen artesano llamado John G. Avildsen, famoso también por la saga de Kárate Kid y de películas como Salvad al tigre, La fórmula, Mis locos vecinos o Van Damme's Inferno: De sus filmes que recuerdo haber visto, creo que nunca me aburrió, no es poco para un director comecial, creo que Rocky sigue siendo su mejor película.

Al éxito de la película contribuyó una estupenda banda sonora de Bill Conti, que se ha convertido en una de las más icónicas de la historia del cine. Nominada a la mejor canción, no ganó estando Barbra Streisand por Ha nacido una estrella, pero dudo que haya mucha gente que alguna vez no haya tarareado el Gonna fly now.

Otras bandas sonoras: Los siete samurais

 La casualidad ha querido que el dia de la muerte de David Prowse tuviese preparada para el artículo del dia una película de Akira Kurosawa, que es una de las influencias más reconocidas de Star wars, no solo por La fortaleza escondida, todo su cine de samurais es una clara influencia en la película de Star wars, no en vano Lucas intentó que Toshiro Mifune interpretara a Obi Wan Kenobi. Planteo las películas que voy a poner cada vez uno o dos dias antes, si alguien ve la pista de ayer en Facebook, ya indicaba sin decirlo claramente que iba a hablar de Los siete samurais.

Aunque había saltado a la fama con Rashomon (aquí voy a ser iconoclasta, por mucha influencia que haya tenido en el cine posterior, es una de las películas que menos me gustan del maestro, me parece demasiado repetitiva y no le he pillado nunca el tranquillo), Kurosawa ya tenía grandes películas antes como El perro rabioso. Pero las que le consagran aparte de Rashomon son dos obras maestras: Vivir y Los siete samurais, y las tress tienen banda sonora de un gran compositor fallecido prematuramente, clave en la primera parte de la carrera de Kurosawa.

Los siete samurais es la película que pone todas las bases del cine posterior de samurais del maestro. La historia de los siete samurais que se han quedado sin amo (en realidad seis, uno es un falso samurai) y que son contratados por un pueblo amenazado por un grupo de bandidos es una obra maestra, sus batallas en medio del barro y la lluvia son un prodigio y es la película que lanza a la fama a Toshiro Mifune como falso samurai, muy bien acompañado del otro actor fetiche Takashi Shimura (maravilloso en Vivir) y del resto del reparto. Sus casi 3 horas y media son perfectas, culminadas en una de las imágenes más icónicas del cine de Kurosawa, la de las cuatro tumbas de los samuráis muertos en la batalla.

Y es la película que más influye en el cine occidental junto con Rashomon, y la más versionada junto con Yojimbo (fuente de inspiración de Sergio Leone en Por un puñado de dólares). Seis años después de Los siete samurais, Hollyeood hace un excelente  remake en clave de western que se convierte en un clásico: Los siete magníficos (no ha aparecido todavía en mi sección, pero prometo que en un momento u otro llegará); a partir de ahí llegarán sucesivas secuelas, remakes más o menos confesos en clave espacial o animada,  yo considero Los siete samurais una de las películas más versionadas de la historia del cine.

La banda sonora es obra de un gran compositor que no es conocido para el gran público: Fumio Hayasaka Es autor de las bandas sonoras que he comentado de Kurosawa hasta 1954, pero también de obras maestras de Mizoguchi como Cuentos de la luna pálida, El intendente Sansho, Los amantes crucificados y La emperatriz Yang Kwei Fei, y está considerado uno de los mejores compositores de bandas sonoras japoneses y uno de los más influyentes en otros compositores posteriores. Lamentablemente, murió un año después de Los siete samurais con 41 años, a causa de una tuberculosis, con más años de vida quizás habría tenido más aprecio por parte del público occidental de lo que ya tuvo en vida. Los siete samurais tiene un tema principal imponente y es una de sus mejores composiciones junto con Vivir. 

David Prowse 1935-2020

 

Cuando actualmente se dice con la pandemia que se pierde expresión con la mascarilla, no se si reirme o llorar, la expresión de la boca no lo es todo, se puede expresar uno de otras maneras. Yo he actuado con máscara en teatro antes del coronavirus, y es complicado pero se expresa uno de otros modos, con la voz o con el gesto, se cambia el "personaje" con la máscara , pero no se elimina, por algo las palabras  persona y personaje vienen del griego prosopon, que significa máscara.

El hoy fallecido David Prowse nunca fue un actor al uso. Hombre de imponente aspecto, casi 2 metros de estatura y proveniente del mundo del culturismo, ya estaba acostumbrado a llevar una "máscara", lo había hecho con Frankenstein en Casino royale y algunos filmes de la Hammer, y era poco más que un armario paródico en filmes y series de Monty Python y Benny Hill, o una presencia de guardaespaldas en La naranja mecánica

Lo que no estaba acostumbrado es a que un director le negase parte de su trabajo en su papel más icónico. A George Lucas no le convenció su voz para Darth Vader y la sustituyó por la de James Earl Jones, yProwse tuvo que usar trabajo corporal y mimo, y lo hizo muy convincentemente, su expresión corporal hace inquietante al villano, no solo por la voz.

Pero cometió un error que parece involuntario: se dio cuenta antes que nadie que Darth Vader sonaba a Dark Father, y así lo comentó en un diario en 1977. George Lucas se enfadó de que alguien viese sus intenciones de que Vader fuese el padre de Luke (aunque muchos digan que se le ocurrió después, el nombre delata ya en 1977 que siempre fue su idea), y lo ninguneó a partir de entonces; no le reveló la gran sorpresa de El imperio contraataca y le dio otra diálogo distinto, y cuando finalmente se quita la máscara en El retorno del Jedi, lo sustituye por un actor inadecuado por su edad (por lógica, Annakin Skywalker-Darth Vader tiene entre 40 y 50 años en El retorno del Jedi, la edad de Prowse, no lo puede hacer un actor de 78 años como Sebastian Shaw), lo que le hizo Lucas no tiene justificación.

No volvió a levantar cabeza Prowse tras El retorno del Jedi. Continuó haciendo parodias y homenajes al personaje, pero no volvió a tener un papel destacado. Descanse en paz un intérprete de imponente presencia.

Otras bandas sonoras: El libro de la selva

 Cuando Walt Disney fallece en diciembre de 1966 (dudo mucho que esté congelado), queda pendiente de estrenar su última película. Los responsables del estudio se plantean cerrarlo si la película no funciona en taquilla. Su preocupación es infundada, la película póstuma se convierte en uno de los mayores éxitos de Disney.  Y en una de sus mejores películas, si para muchos, las cinco primeras películas de Disney son las cinco grandes (Blancanieves, Pinocho, Fantasía, Dumbo y Bambi), para mí El libro de la selva es la sexta grande.

La película es una joya de la animación, Se aleja del tono más dramático de la novela de Kipling, pero está llena de momentos formidables y de personajes icónicos como Mowgli, Baloo, Bagheera, Shere Khan, Ka, los buitres inspirados en los Beatles o el Rey Louie, acusado actualmente de racismo por estar inspirado en Louis Armstrong. Disney se despidió por la puerta grande con su canto del cisne. Fue objeto del único remake  de acción "real" de los que ha perpetrado recientemente Disney

La banda sonora corre a cargo de tres habituales de la casa, George Bruns en la música instrumental, y los hermanos Sherman en las canciones, más Terry Gilkynson en The bare necessities. Sigue siendo una de las bandas sonoras más icónicas del estudio, popularidad aumentada en España por un famoso anuncio de plátanos en los 80, incomprensiblemente se quedó sin Oscar delante de Dr. Dolittle.

Otras bandas sonoras: Desaparecido

 La primera película estadounidense de Costa-Gavras fue una de sus mejore películas. Mising contaba la historia de la desaparición y asesinato del periodista Charles Horman a manos de los militares chienos que dieron el golpe de estado el 11 de septiembre de 1973, con Pinochet a la cabeza, y de la busqueda por parte del padre del padre y la mujer de Horman del periodista. Algunas de sus imágenes como la de la morgue y el estadio siguen provocándome escalofríos casi 40 años después de verla por primera vez. Tiene grandes interpretaciones de Jack Lemmon y Sissy Spacek. Ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes exaequo con la turca Yol, el premio en el mismo Festival a Jack Lemmon y el Oscar al mejor guión adaptado para Costa-Gavras y Donald E. Stewart (curiosa la trayectoria de este hombre, de Desaparecido a las americanadas de Tom Clancy La caza del Octubre rojo y Peligro inminente, que no me parecen malas ni mucho menos, pero están en las antípodas ideológicas de Desaparecido).

La banda sonora es una pequeña joya de Vangelis. Su tema principal tuvo algo menos de repercussión en su momento que Carros de fuego y Blade runner, pero su tono triste es uno de los más bellos del compositor griego.

Daria Nicolodi 1950-2020

 

 Hoy ha fallecido la actriz y guionista italiana Daria Nicolodi, Aunque había trabajado antes con el director Elio Pettri, (El amargo deseo de la propiedad) y trabajaría más tarde con Ettore Scola (Macarroni), su unión artística y sentimental con el director Dario Argento es la que le da fama y la que le convierte en figura del giallo: Rojo oscuro, Inferno, Tenebre, Phenomena y Opera tienen destacadas interpretaciones suyas  y es coguionista con Argento de Suspiria. Era la madre de la actriz Asia Argento. Descanse en paz.

Otras bandas sonoras: El clan de los sicilianos

 Dentro del cine políciaco, una de las variantes más populares es el llamado cine de atracos y robos perfectos, tanto en su vertiente de atracos a bancos como en la de robos de guante blanco. Tiene su máximo apogeo en los años 50 y los 60 y en esa época, por la censura los robos suelen acabar mal, capturados o muertos los ladrones o fallido el  robo por una tontería. Se considera que arranca con La jungla de asfalto, y tiene títulos tan famosos como Rififí, Atraco perfecto, La cuadrilla de los once Topkapi, Como robar un millón y, o en su vertiente paródica las geniales Rufufú y Atraco a las tres.

Como el cine francés ha hecho todo un género de su cine policíaco, el llamado polar, también hay filmes de atracos y robos perfectos. Además de Rififí, el más conocido es El clan de los sicilianos. Dirigida por el notable artesano Henri Verneuil (Los cañones de San Sebastían, El serpiente y un largo etcétera), contaba la historia de una familia siciliana, que en compañía de otro ladrón planea un robo de joyas cuando es trasladado en un avión. Cuenta con tres grandes estrellas del cine galo como Jean Gabin, Alain Delon y Lino Ventura, y la participación de Sidney Chaplin, el hermano de Charles, el filme  es un clásico del género..

Y es otra gran bandas sonora del maestro Ennio Morricone, Su irónico tema principal es un icono, era habitual en muchos de sus conciertos y discos interpretarlo. Sencillamente maravilloso..

Otras bandas sonoras: El planeta de los simios 1968

 Para mí El planeta de los simios es el perfecto ejemplo de que una novela mediocre puede dar lugar a una obra maestra. Leí el libro de Pierre Boulle en 2001 con motivo del estreno de la versión de Tim Burton, y fue una decepción más grande que la película de Burton, al trasladar la distopía al espacio, la historia perdía toda la fuerza del filme de Franklin J. Schaffner, y el libro se dejaba llevar por escenas discutibles y un tanto delirantes, y culminaba en un doble final sorpresa que rozaba el ridículo (final del libro que homenajeaba en la escena final Burton en una de las decisiones más discutibles de la película).

La película de 1968 era por supuesto otra cosa. Lo que la hace única es ese formidable giro final, para mí el mejor giro sorpresa de la historia del cine, y eso que los guionistas habían hecho "trampa": al principio de la película, uno de los astronautas comenta que el planeta de los simios "no tenía Luna". No tengo ni idea a quién de los dos grandes guionistas, Rod Sterling (The twhilight zone) y Michael Wilson se le ocurrió la idea de que el planeta de los simios fuese la Tierra, lograba  que la distopía reflejase todos los miedos del ser humano en los 60: Guerra fría, holocausto nuclear, Guerra del Vietnam, etc. Se dice que Sterling solo hizo el primer tratamiento fiel a la novela, pero no me lo acabo de creer, ese giro final es muy de The twilight zone.

Protagonizada por Charlton Heston y unos irreconocibles Roddy McDowall, Kim Hunter y Maurtice Evans, la película tuvo el éxito que merecía, y es la obra maestra de Schaffner con permiso de El señor de la guerra y Patton. Dio lugar a una saga compuesta hasta ahora por 8 películas más.

La primera, Regreso al planeta de los simios mantiene el tipo. Ha envejecido mal en algunos aspectos técnicos, pero los últimos minutos son tremendos, el giro final es muy bueno.

Ante el giro final, se tuvieron que inventar lo que ahora se llamaría reboot y que no recuerdo que  se hiciese antes: volver atrás para contar la historia de otro modo, yo no puedo considerarla del todo precuela. Tiene cosas muy interesantes y el carisma de McDowall, Hunter y Ricardo Montalbán, pero el final es previsible.

La cuarta, La rebelión de los simios, es mejorable, como demostró el reboot de 2011, se le nota falta de presupuesto y J L Thompson está lejos de sus mejores tiempos.

El fracaso de la quinta, Batalla por el planeta de los simios, acabó con la saga por largo tiempo. Está disponible en DVD, pero es la que menos se ha visto.

El planeta de los simios de Tim Burton es fallida y olvidable. comete el error de Boulle, llevar la historia al espacio, y su guión es muy flojo.

La trilogía reciente sobre César si que es un muy digno homenaje a la película original. Me gustan mucho las dos primeras, no tanto la tercera,  habrá que ver si posibles nuevas entregas mantienen el nivel.

La banda sonora es una de las obras maestras de Jerru Goldsmith, y una de las más arriesgadas de su filmografía. Partiendo de que el planeta tiene que ser misterioso e inquietante, el maestro hizo una banda sonora atonal, fuera de toda música típica de cine. Sencillamente, un prodigio, creo que nadie se atrevería actualmente a volver a hacer algo semejante.

Otras bandas sonoras: Tess

 Tras la huida de EEUU, Roman Polanski hace en los siguientes años dos obras maestras que están entre mis preferidas de su carrera: El quimérico inquilino y Tess. Lo personal no parecía afectarle a lo profesional, aunque posteriormente el descalabro económico de Piratas le haría pupa durante unos años.

Tess es un homenaje a Sharon Tate. Como se ve en Érase en Hollywood, poco tiempo antes de morir, Tate le regaló la novela de Thomas Hardy a Polanski, comentándole que podía hacer una película sobre ella. Por ello el filme está dedicado a Sharon.

Es una gran adaptación de la historia de la hija de un granjero de la que dicen que es descendiente de una familia noble. Polanski hace una hermosa  y a la vez siniestra película de casi tres horas de duración, y descubrió como actriz a Nastassja Kinski. Está rodada en Francia en lugar de Reino Unido para evitar una posible extradición a EEUU, y es el trabajo póstumo del gran director de fotografía Geoffrey Unsworth (Beckett, 2001, Cabaret Supermán entre otras), a su muerte fue sustituido por Ghislain Cloquet, y ambos ganaron el Oscar por este filme, también recibió el de dirección artística y vestuario.

Es una de las grandes bandas sonoras del compositor francés Philippe Sarde, No he seguido mucho sus últimos trabajos, parece que no están a la altura de los mejores de su filmografía, cuando trabajó a menudo con grandes directores como Marco Ferreri (La gran comilona) André Techiné, Bertrand Tavernier (El juez y el asesino) o Polanski en varias películas. El tema principal de Tess es muy bello, fue nominada al Oscar, pero se lo llevó otro grande del cine francés, George Delerue.

Otras bandas sonoras: Aeropuerto y Aeropuerto 75

 Por aquí habían pasado las películas precursoras del cine de catástrofes, como Escrito en el cielo, y dos de las más famosas como La aventura del Poseidón y el coloso en llamas, pero no había hablado de la que originó el fenómeno y la única que creó saga: Aeropuerto. Como a la primera secuela le tengo un cariño personal (su banda sonora me acompañó muchas veces mi momentos de tiempo libre en mi niñez por un disco que tenía), también comentaré su banda sonora.

El primer Aeropuerto no hacía presagiar el fenómeno; era una película basada en una novela de éxito de Arthur Hailey (autor también de Hotel, que dio pie también a una célebre serie en los 80), y obtuvo un éxito mayúsculo. La historia de los problemas en un aeropuerto por una nevada y la amenaza de un pasajero que pretende suicidarse en pleno vuelo con una bomba ha envejecido peor que otros filmes de catástrofes, pero pone las bases de lo que vendrá después: Historias mínimas que acompañan a la catástrofe y gran reparto que mezcla viejas glorias con estrellas del momento. Tiene un gran reparto con Burt Lancaster, Dean Martin, Jean Seberg, Jacqueline Bisset, Van Heflin (su última película), Helen Hayes y George Kennedy. Hayes ganó el Oscar a la mejor actriz de reparto y Kennedy fue el único actor presente en toda la saga, con un personaje que debía tener pluriempleo en los aeropuertos, en cada entrega tiene un cargo diferente, desde mecánico a piloto. Dirigida por George Seaton, artesano con algún clásico como De ilusión también se vive y La angustia de vivir.

Fue el último filme del gran Alfred Newman, se estrenó tras su muerte. Aún no siendo uno de sus mejores trabajos, mantiene la excelencia habitual en el músico y tiene un imponente tema principal.

Hoy puede resultar extraño, pero tardaron 4 años en realizar la siguiente película de la saga, ya en plena fiebre del cine de catástrofes. No acabo de entender por qué se llama Aeropuerto 75 si es de 1974, y no es cosa de la distribución española, es el título original. La película mantiene el tipo y no se le va la olla como a las siguientes, que más que Aeropuerto parecía Misión imposible con aviones salvados del mar y Concordes a prueba de casi todos los ataques habidos y por haber (la última con Sylvia Kristel, que demostraba que se le daba mejor hacer otras cosas en aviones que no el empleo de azafata).. En Aeropuerto 75 la catástrofe era un choque de un Boeing 747 con una avioneta en pleno vuelo con la muerte de todos los pilotos. Reparto de lujo con Charlton Heston, Karen Black, Gloria Swamson y Linda Blair. Algunas de sus escenas fueron pasto de los chistes de la genial parodia Aterriza como puedas. Dirigida por Jack Smigth, director de Harper detective privado y La batalla de Midway.

Es la banda sonora más conocida de John Cacavas. Fue un compositor muy prolífico en televisión (muchos episodios de Kojak y Hawaii 5-0, por ejemplo), con pocas incursiones en el cine, las más destacadas Pánico en el Transiberiano, Aeropuerto 75 y 77. Cacavas compuso un excelente tema principal para Aeropuerto 75, es de lo más recordado de la segunda entrega de la saga.

Otras bandas sonoras: Bullit

 En 1968, Steve McQueen está en su máximo esplendor como estrella y logra dos de sus mayores éxitos: El caso Thomas Crown (ya comentada en mi sección de Canciones de Oscar) y Bullit. No abandonará su status de estrella hasta su temprana muerte a los 50 años, aunque sí tiene algo de declive a partir de 1974.

Bullit es un clásico trhiller sobre un policía que tiene que investigar el asesinato de un testigo protegido. Basada en una novela de Robert L. Fish, destaca por una memorable persecución automovilística en las calles de San Francisco, que puso de moda este tipo de persecuciones de coches hasta bien entrada la década de los 70. 

Su director Peter Yates siempre ha sido considerado un hábil artesano, con títulos destacados como John y Mary, Un diamante al rojo vivo, Abismo, El relevo, El ojo mentiroso, Krull, La sombra del actor, Sospechoso y La casa de Carroll Street. De las que le recuerdo, Bullit me parece su mejor película.

Y es uno de los mejores trabajos para cine del argentino Lalo Schifrin, desde luego el más famoso. Su tema principal de jazz es uno de los más icónicos de la década de los 60 y sigue siendo un clásico.

Otras bandas sonoras: La strada

 Federico Fellini ya apuntaba alto con sus primeros filmes (especialmente con Los inútiles, que a mi me parece maravillosa), pero es en 1954 cuando se consagra con la que es considerada por muchos su primera obra maestra: La strada. En ella, mantiene muchas constantes del cine neorrealista, pero ya empieza a verse parte de su peculiar mundo que explotará en su totalidad a partir de La dolce vita. Fue premiada con el León de plata de Venecia (nada mal el cuarteto de ganadores: La ley del silencio, El intendente Sansho, Los siete samurais y el filme de Fellini) y fue el primer Oscar al mejor filme de habla no inglesa para Fellini de los cuatro que obtuvo. 

La strada narra la historia de una chica huérfana que es vendida a un artista de circo y que empieza a trabajar en el espectáculo. Aunque ya había participado en varias películas de su marido, está considerada también la primera gran interpretación de Giuletta Masina, maravillosamente secundada por Anthony Quinn.

La banda sonora también consagra definitivamente a Nino Rota. Simplemente, es genial, es una de sus más grandes creaciones y uno de los temas más icónicos de la historia del cine.

Otras bandas sonoras: Taras Bulba

 J. L. Thompson había hecho a principios de los 60 sus filmes más apreciados por la crítica y el público, Los cañones de Navarone y El cabo del terror, pero encadenó dos fracasos de taquilla seguidos con Taras Bulba y Los reyes del sol, y pocas veces volvió a tener el aprecio de los críticos, sí del público, acabando su carrera en la delirante productora Cannon.

Hace tiempo que no he vuelto a ver Taras Bulba, pero no la recuerdo para nada como una mala película. Se dice que el problema para el público fue que no tenía un final precisamente feliz. Basada libremente en la novela de Gogol, era un proyecto de Robert Aldrich, que acabó en las manos de Harold Hecht, productor socio habitual de Burt Lancaster en filmes como Marty, Chantaje en Broadway o El hombre de Alcatraz. Contaba la historia de un cosaco y su hijo contra los otomanos, y está rodada en parte en Argentina. Tiene como protagonistas a Yul Brynner y Tony Curtis, y en ella Curtis conoció a su segunda mujer Christine Kaufmann.

La banda sonora me parece una de las mejores composiciones del gran músico Franz Waxman, Bernard Herrmann la llegó a considerar una de las mejores de la historia. No ganó el Oscar, con Lawrence de Arabia como competidora estaba prácticamente imposible.

Otras bandas sonoras: Lo que queda del día

 Si bien lo habitual es que muchos cineastas británicos acaben trabajando para Hollywood, hay un puñado de directores estadounidenses que han hecho el camino contrario, han hecho una parte importante de su filmografía en el Reino Unido por unas circunstancias u otras. Me vienen a la cabeza como destacados Alexander Mackendrick, Richard Lester, Joseph Losey o Terry Gilliam en su primera etapa, no se si me olvido alguno.

Y por supuesto, James Ivory. Empezó con filmes de época de otro tipo como Fiesta salvaje, pero el californiano ha hecho tantas adaptaciones de clásicos de la literatura británica que ha acabado pareciendo más inglés que la Reina Isabel II. Junto con su pareja artística y sentimental el productor Ismail Merchant y con la guionista Ruth Prawer Jhabvala, encadenó una serie de filmes de corte clásico en los 80 y 90: Los europeos, Jane Austen en Manhatann, Quartett, Oriente y Occidente, Las bostonianas, Una habitación con vistas, Maurice, Esperando a Mrs Bridge, Regreso a Howard's End, La copa dorada o La condesa rusa. sin olvidar películas de otro tipo como Sobrevivir a Picasso, La hija de un soldado nunca llora y Le divorce, su mayor fracaso. Tildado por parte de la crítica de académico y excesivamente puntilloso en la ambientación de época, siempre ha destacado como un gran director de actores. Es de momento la persona que ha ganado un Oscar con más edad a los 89 años por el guión de Llámame por tu nombre.

De todas ellas, mi favorita es Lo que queda del día. Basada no en una novela clásica, sino en una contemporánea de 1989 del Premio Nobel Kazuo Ishiguro, Ivory consiguió una obra maestra sobre un mayordomo de anodina vida personal que en los 50 recuerda la tensa situación de entreguerras sirviendo a su conservador amo y su relación con el ama de llaves.  Tiene un gran guión, la excelente ambientación habitual de Ivory y dos interpretaciones antológicas de Anthony Hopkins y Emma Thompson, muy bien secundados por el resto del reparto. Es una de las últimas interpretaciones importantes de Christopher Reeve junto con El pueblo de los malditos, antes del accidente  que le dejó tetrapléjico.

La música de Lo que queda del día corre a cargo de un gran compositor no muy conocido para el gran público. Richard Robbins también era homosexual como Ivory y Merchant, y casi la totalidad de su filmografía está vinculada al director californiano. Es quizás su mejor trabajo junto con Maurice, tiene un bello tema principal, puede parecer monótono, pero es perfecto para la anodina vida del mayordomo que interpreta Hopkins.

Otras bandas sonoras: Holocausto caníbal

 A finales del siglo XX y principios del siglo XXI, varias películas ponen de moda el found footage, técnica narrativa usada sobretodo en el cine de terror (aunque hay casos en otros géneros) consistente en el hallazgo de una grabación perdida hecha por un grupo de personas desaparecidas. Las más conocidas son El proyecto de la bruja de Blair, REC, Paranormal activity y Monstruoso.

Pero el origen de este tipo de películas se considera muy anterior, en 1980. El director italiano Ruggero Deodato realiza Holocausto caníbal, donde una expedición se adentra en la selva colombiana para rodar un documental sobre una tribu caníbal, con las consecuencias que se pueden preveer. La película se convierte en un clásico del cine gore, y es prohibida en varios países, aún considerándose una crítica a la actuación del ser humano occidental. Es la película más conocida de Deodato, que posteriormente se auoparodiaría en Hostel 2 como huésped caníbal del hotel.

La banda sonora corrió a cargo del excelente compositor italiano Riz Ortolani. Empieza con un tema principal bucólico, que contrasta con la salvajada que vendrá luego. A mí me parece muy buena, Ortolani no tiene siempre el aprecio que merece por parte de los cinéfilos.

Otras bandas sonoras: El desafío de las águilas

 El actor Brian G. Hutton logró uno de sus mayores éxitos en 1968 con el filme bélico El desafío de las águilas. Mezcla de película de comandos y de espionaje, mejor no contar el argumento bastante delirante sobre un comando que intenta rescatar de un castillo nazi a un general capturado que tiene datos clave sobre el desembarco de Normandía. Basada en una novela de Alistair Maclean, autor de Los cañones de Navarone, tiene un extraño tono cercano al terror gótico, dos actores muy carismáticos como Richard Burton y Clint Eastwood y una gran escena en un teleférico. Tuvo un gran éxito, repetido por Hutton en otro filme bélico, Los violentos de Kelly, y es un clásico del género, aunque hay gente que no le gusta tanto giro de guión, hay unos cuantos personajes que no son lo que parece.

Es una de las grandes creaciones para el género bélico del compositor británico Richard Goodwin, su marcial e imponente tema principal es todo un clásico del género.

Otras bandas sonoras: Cortina rasgada

 Cortina rasgada (la traducción correcta debería ser Telón rasgado, dado que se refiere al telón de acero) supone el divorcio artístico entre dos genios, Alfred Hitchcock y Bernard Herrmann. La versión oficial dice que al director le pareció poco comercial la música del compositor; no acabo de creérmelo, si fuese por un tema "comercial", Hichcock no contrata a un compositor muy bueno como  John Addison, pero poco conocido, hubiese contratado como hizo posteriormente a Maurice Jarre o Henry Mancini  (despedido en Frenesí y reemplazado por Ron Goodwin), creo más bien que la relación entre dos egos del tamaño del Everest no debía ya ser buena y acabó explotando en este filme vete a saber por qué razón. Como están disponibles las dos bandas sonoras de Cortina rasgada, voy a hablar de las dos, la de Herrmann y la de Addison; no será la última vez que lo haga, hay otras bandas sonoras rechazadas en la historia del cine que me parecen mucho más que interesantes.

Cortina rasgada es una de las cinco últimas películas de Hitchcock, no demasiado apreciadas en general en su momento pero muy apreciadas actualmente; personalmente Marnie la ladrona, Cortina rasgada y Frenesí me parecen maravillosas y Topaz y La trama notables, pero obras algo menores. Cortina rasgada no fue nada bien recibida en su momento, por su tono anticomunista (el maestro usaba los comunistas como los nazis, como un mcguffin) y porque no les pareció adecuada la pareja "comercial" formada por Paul Newman y Julie Andrews. A mí me parece una obra maestra, tiene varias escenas formidables como la de la granja, la de la universidad, la del teatro y la fuga final, y aunque no estén entre sus mejores trabajos, Newman y Andrews cumplen.

La banda sonora rechazada de Bernard Herrmann me parece muy buena; quizás no sea "comercial", pero su teme principal es muy potente, inquietante y obsesivo, muy en la línea del compositor. Gromek, el tema dedicado al asesinato en la granja, es una maravilla.

La banda sonora de John Addison también me parece una joya. Tiene un tema principal muy potente, muy obsesivo también, y el resto de la banda sonora no le va a la zaga. Difícil quedarse con una de las dos, Herrmann y Addison eran muy buenos.

Otras bandas sonoras: Braveheart

 Mel Gibson ya había demostrado en El hombre sin rostro que era un director prometedor, pero es Braveheart la película que le consagra y la que le da los dos únicos Oscars que tiene hasta el momento. Como actor es irregular (carisma lo tiene como pocos) y como persona preferiría no encontrármelo, pero como director su carrera es hasta el momento irreprochable: Apocalypto y Hasta el último hombre son muy buenas, y aún sienco algo irregular La pasión de Cristo es notable.

En Braveheart hizo un excelente trabajo con la historia del héroe escocés William Wallace. Por tres pies al gato que le busquen algunos por su fidelidad histórica (como si fuese el primero en tomarse por el pito del sereno la historia), Gibson lleva con mucha fuerza la película y no aburren las casi tres horas de película. Como protagonista, mantiene el carisma y me parece un notable trabajo, bien secundado por Sophie Marceau, Patrick McGoohan, Brian Cox, Brendan Gleeson y un largo etcétera. Ganó cinco Oscars: película, director, fotografía, edición y maquillaje, creo que muy merecidos.

Y debieron ser seis. No tengo nada en contra de Luis Bacalov y de El cartero y Pablo Neruda, pero Braveheart es una de las grandes composiciones de James Horner, su tema principal de inspiración celta y escocesa es de lo mejor que hizo el compositor. Estaba en su mejor momento en 1994 y 1995, Leyendas de pasión, Apolo 13, Jumanji y Casper están a gran altura.

Otras bandas sonoras: Viernes 13

 Hoy el artículo no va a ser aconsejable para los supersticiosos y los que tienen triscaidecafobia (miedo al martes 13) o friggatriscaidecafobia (miedo al viernes 13), de todas maneras toco madera, he apartado las escaleras y la sal voy a procurar no romper ningún espejo ni ver la tragedia escocesa de Sahakespeare o vestirme de amarillo, y espero que no se me cruce ningún gato negro. Siendo el primer viernes 13 desde que creé la sección  Otras bandas sonoras, tengo que hablar de la película homónima sobre el dia de marras.

La primera entrega de la saga surge dos años después de La noche de Halloween. No recuerdo si después del filme de John Carpenter alguien ya había copiado entre 1978 y 1980 la idea de utilizar una fecha señalada para hacer un slasher (las que recuerdo son posteriores al primer Viernes 13), el caso es que al director Sean S. Cunningham se le ocurre la idea de hacer una película de terror ambientada en un viernes 13. No era un director demasiado conocido, viendo su filmografía no recuerdo haber visto ninguna película suya anterior a Viernes 13, aunque si había sido el productor de La última casa a la izquierda de Wes Craven.

Viernes 13 es un slasher clásico en su arranque, de hecho copia la estructura de La noche de Halloween,  prólogo con asesinato y asesino que vuelve a la carga 21 años después, cuando intentan abrir el campamento de verano que se había cerrado por el primer crimen. Las críticas fueron tibias en general, pero el público respondió, especialmente impactado por la crudeza de algunos asesinatos y el tremendo doble giro sorpresa final, con el descubrimiento de la asesina y la aparición fantasmal de un personaje que se suponía muerto. El filme de bajo presupuesto se convirtió en un taquillazo, a pesar de que el reparto estaba lleno de desconocidos, la veterana Betsy Palmer estaba casi olvidada y el único que aprovechó el éxito del filme fue un joven Kevin Bacon. La noche de Halloween y Viernes 13 pusieron  de moda como he dicho antes la idea de hacer un filme de terror ambientada en una fecha señalada (San Valentín, Navidad, cumpleaños, Dia de los inocentes, etc), convirtiéndola por exceso en un tópico . En España tiene el dudoso honor de ser una de las dos únicas películas calificadas S por su violencia y no por el erotismo (la otra es el primer Mad Max).

Y Viernes 13 dio lugar a una larguísima saga, si no me he dejado alguna creo que van por 12 entregas. Como la primera asesina moría brutalmente, echaron mano de su hijo, un niño que creían se había ahogado. El niño era Jason Voorhess y se convirtió en un icono del cine de terror, que a partir de la tercera entrega se convirtió en un asesino con máscara de hockey. Y como la mayoría de iconos del cine de terror de los 70 y 80, de tanto utilizarlo lo han convertido casi en una caricatura: lo han asesinado, resucitado, mandado al espacio, enfrentado con Freddy Krueger.... Una pena para una saga que no empezó nada mal.

Y a su éxito contribuyó una banda sonora un tanto extraña y muy notable. Aunque su filmografía es muy larga e incluye colaboraciones en sagas como Kickboxer o Las colinas tienen ojos, Harry Manfredini es conocido especialmente por House una casa alucinante y por Viernes 13. Ese extraño susurro o jadeo que acompaña al asesino es todo un icono del cine de terror y sigue poniendo los pelos de punta 40 años después del primer Viernes 13.

Otras bandas sonoras: Sed de mal

 Aunque a más de uno le suene a sacrilegio, Ciudadano Kane no es mi película favorita de Orson Welles, creo que como mínimo se superó a si mismo en Campanadas a medianoche y sobretodo en Sed de mal.

Aún viendo un tanto raro ver a Charlton Heston, todo el resto funciona con la perfección del reloj de la bomba con el que empieza la película, que es uno de los mejores planos secuencia de la historia del cine. La historia de la investigación de un asesinato en la frontera de EEUU y México es una de las cumbres del cine negro y de la historia del cine.  Quinlan es una de las mejores interpretaciones de Welles, pocos personajes más siniestros ha habido en el cine. Hitchcock debió tomar cuenta del filme, las escenas del hotel con Janet Leight y Dennis Weaver parecen avanzar en algún momento Psicosis.

Y es la primera obra maestra de un genio de la música. Partiendo del tic tac del reloj de la bomba, Henry Mancini hace un gran tema de jazz a ritmo de saxo y percusión. Simplemente, una guinda perfecta para una película genial, curiosamente Mancini fue despedido del Estudio Universal tras hacerla, sin comentarios.

Otras bandas sonoras: París Texas

 El llamado nuevo cine alemán fue un movimiento clave en el cine de autor de los 60 a los 80, pero últimamente han perdido fuelle sus directores supervivientes. Aparte de que Fassbinder se fue demasiado pronto, de  Volker Schlöndorff (El tambor de hojalata, la película El cuento de la criada, anterior a la famosa serie) hace tiempo que no le recuerdo nada interesante, y Werner Herzog (inolvidable su filmografía con el lunático Klaus Kinski) es el único que mantiene bien el tipo.

Wim Wenders hace tiempo que me parece muy irregular, combina lo bueno o muy bueno en el documental (Buenavista social club, Pina, La sal de la tierra) con películas de ficción olvidables como Inmersión; desde luego ya no es el icónico director que hizo hitos como Alicia en las ciudades, En el curso del tiempo, El amigo americano o El cielo sobre Berlín. Una pena, en alguien que fue uno de los grandes y que no ha mantenido siempre el nivel.

Para mí su mejor película me sigue pareciendo París, Texas, Palma de Oro en 1984 y una de las grandes películas de amor y desamor. La historia de un hombre perdido en el desierto que al recuperar la memoria es un clásico del cine, con una magistral interpretación de Harry Dean Stanton y una inolvidable escena con Nasstasja Kinski.

La banda sonora es la más icónica del gran guitarrista y compositor Ry Cooder. Habitual en la filmografía de Walter Hill (Forajidos de leyenda, La presa, Calles de fuego), ha participado en otros filmes como Alamo bay y Primary colors). Su solo de guitarra en París Texas es legendario, refleja muy bien la soledad del protagonista Fue bastante tiempo la sintonía de comienzo de uno de los programas más veteranos de TVE, Documentos Tv.

Otras bandas sonoras: Un héroe muy discreto

 Su estreno en España fue más bien discreto como su héroe, yo creo que no vi hasta que apareció en televisión. Pero esta historia de un supuesto héroe  de la Resistencia dio a conocer a un gran director y comenzó a llamar la atención hacia un excelente compositor.

No he visto el primer largometraje de Jacques Audiard, Mira a los hombres caer, no recuerdo sí se estrenó en España, pero estoy seguro que teniendo a Jean Louis Trintignant como protagonista y ganando varios Cesar no debía ser para nada malo. Lo que ha venido tras Un héroe muy discreto me lo ha ido confirmando como uno de los directores franceses actuales más interesantes: De latir mi corazón se ha parado, Un profeta, De óxido y huesos, Dheepan y Los hermanos Sisters son para mí películas de culto.

Y aunque ya participó en la primera película de Audiard, Un héroe muy discreto es la película que lanza a Alexandre Desplat, no recuerdo o no he escuchado sus trabajos anteriores. El tema principal es muy bueno y algunos secundarios no le van a la zaga. Debe seguir siendo uno de los trabajos favoritos para su compositor, en el concierto en Barcelona en 2016 acabó la actuación precisamente con este trabajo.

Otras bandas sonoras: Pelham 123

 En 1974, y en pleno auge del trhiller de los 70 y del cine de catástrofes, tuvieron la idea de mezclar ambas cosas, y la verdad es que les salió bastante bien. Pelham 123 es un pequeño clásico sobre 4 hombres que secuestran un metro para pedir un rescate y sobre un teniente responsable del metro que intenta evitar la catástrofe y detener a los responsables. Basada en una novela de John Godey, los secuestradores tienen nombres claves correspondientes a un color, debió tomar muy buena nota Tarantino para Reservoir dogs. El título hace referencia a la estación de metro Pelham y a la hora a la que sale el tren de la película, 1:23, se dice que desde entonces no ha salido ningún tren de allí a esa hora.

Es la película más conocida del director Joseph Sargent y la mejor de las que le conozco junto con Los traficantes  Procedente de la televisión, nunca fue muy apreciado por la crítica, aunque dejó películas muy conocidas como McArthur el general rebelde o Tiburón 4.

Y es el trhiller más conocido protagonizado por Walter Matthau. Al gran actor lo recordamos casi siempre con la comedia, pero también hacía muy bien otros géneros. En el trhiller nos dejó tres perlas en los 70, San Francisco ciudad desnuda, La gran estafa y Pelham 123. Está coprotagonizada por dos excelentes actores como son Robert Shaw y Martin Balsam.

La banda sonora es una de las grandes obras del excuñado de Francis Ford Coppola David Shire. En algún sitio he leido que colaboró también Jerry Fielding, pero es Shire el que finalmente la firma y hace una potente banda sonora muy setentera.

Otras bandas sonoras: En busca del arca perdida

 En mi vida cinéfila hay películas que sobrepasan su valía cinematográfica, que tieneen un rinconcito en mi corazón por diversas razones, tienen que ver con mi vida personal, con momentos vitales de subidón o bajón anímico o con momentos de mi vida que recuerdo con especial cariño. Ordet, El puente sobre el rio Kwai,  Vértigo,Lawrence de Arabia, El planeta de los simios Harry el sucio, El útlimo tango en París, Supersonic man, Moonraker, Apocalypse now. 2001 o Arma letal estarían entre ellas.

Y por encima de ellas quizás, En busca del arca perdida, quizás la película que más veces he visto en mi vida (he perdido la cuenta). A algunos les ha marcado más Tiburón o La guerra de las galaxias, pero la primera llegó demasiado pronto (les puede parecer raro a las nuevas generaciones, pero en mi época eran muy estrictos en los cines en la prohibición por edad, de hecho con 13 me prohibieron ver Apocalypse now de estreno en dos salas de Barcelona) y la segunda no llegué lo suficientemente "desiformado" sobre lo que iba a ver, tardé unos meses en verla y casi lo sabía todo. En busca del arca perdida llegó en el momento justo en un momento feliz, cuando mi primera enfermedad ya había pasado y no podía imaginar que tendría una segunda, cuando ya tenía una cierta autonomía de no ir al cine con la familia y veía películas por mi cuenta. Y la vi el primer domingo de estreno en España, sin saber nada de la película. Sigue siendo mi película favorita de Spielberg e Indiana Jones mi héroe cinematográfico favorito.

En busca del arca perdida llega en el momento en que Spielberg atraviesa un ligero bache tras el traspiés de 1941. Ha pensado en dirigir Solo para sus ojos, pero George Lucass le ofrece otro proyecto que entre otras cosas homenajea a Bond y a los seriales de los años 30 y 40: un profesor de arqueología que busca objetos perdidos. Lo mezclan con la historia del arca del alianza (inventándose cosas como los poderes sobrenaturales del arca) y la obsesión de los nazis con las reliquias con poderes y el resultado es explosivo: una de las mejores películas de aventuras de todos los tiempos y la más taquillera de 1981.La primera opción para interpretarlo era Tom Selleck, pero no pudo hacerlo por la serie Magnum, siendo sustituido por Harrison Ford; no siendo mala opción Selleck, creo que es mejor Ford, curiosamente el actor de Magnum acabaría protagonizando una copia, la muy entretenida La gran ruta hacia China.

Se ha dicho que En busca del arca perdida influyó mucho en el mundo del videojuego posterior, con su estructura de diversas pruebas que tienen que pasarse. Su éxito ha dado lugar a tres secuelas.

Indiana Jones y el templo maldito, aunque muchos no estén de acuerdo, mi favorita. El tono siniestro la distingue del resto de la saga, tiene para mi el mejor villano de las cuatro y tiene memorables escenas como todo el arranque hasta la llegada al pueblo indio, la cena, la persecución de vagonetas y el final en el puente colgante.

Gustándome mucho, a Indiana Jones y la última cruzada le pongo pegas. La pareja hijo-padre es magistral y tiene grandes escenas de acción como la del tanque y el final , pero los villanos son muy mejorables (salvo Michael Byrne) y creo que tiene un exceso de minutos.

E Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal no me parece tan mala como a otros. Le perdono fantasmadas como la de la nevera y la de los monos, pero Ford sigue estando en su salsa y me encanta Cate Blanchett como villana. Homenajea claramente una de las referencias que tenía En busca del arca perdida, El secreto de los incas, y el gazapo de hablar de aztecas en Perú es homenaje a otro clásico de Charlton Heston, Cuando ruge la marabunta, el mismo fallo no me parece casualidad.

La banda sonora es una obra maestra de John Williams y su fanfarria una de sus melodías más inolvidables, no tengo más remedio que quitarme el sombrero de Indiana ante el maestro.

Otras bandas sonoras: Johnny Guitar

 Johnny Guitar era en 1954 un western raro y lo sigue siendo. No hay demasiadas películas del Oeste protagonizadas por mujeres y donde los hombres tengan un rol relativamente secundario. Es una de las obras maestras de Nicholas Ray, probablemente la más romántica, y muy bien interpretada por Joan Crawford, Sterling Hayden, Mercedes McCambridge y el resto del reparto, aunque dicen que a Crawford no le hizo mucha gracia que eligieran como antagonista a McCambridge, 12 años menor que ella.

Está producida por Republic Pictures, actualmente olvidada por las nuevas generaciones. Productora  muy prolífica especializada en westerns y películas de serie B, su trayectoria abarca de 1935 a 1967 y tiene obras maestras como El gran Flamarion, Macbeth (la de Orson Welles) El hombre tranquilo, o Arenas sangrientas.

La banda sonora es quizás la más famosa de Victor Young con permiso de La vuelta al mundo en 80 dias. Su tema principal, solo con la orquesta o cantado por Peggy Lee, es uno de los más icónicos y románticos de la historia del western.

Otras bandas sonoras: Eduardo Manostijeras

 Bitelchús gustó mucho a los aficionados a la comedia fantástica, y Batman dividió algo a la crítica, todavía recuerdo algunas críticas feroces en El país en 1990. Eduardo Manositjeras creo que es la primera película que puso de acuerdo a público y crítica de que Tim Burton era un gran director; aunque lleva un profundo bache desde Alicia, espero que alguna vez vuelva el director que nos enamoró desde sus primeros cortos hasta 2008.

Eduardo Manostijeras sigue siendo una maravilla. Burton ya había hecho una primera aproxiamación en tono de comedia al mito de Frankenstein en su corto Frankenweenie (mejor que el largo, aún siendo este notable), pero con la película de 1990 llevó su estilo al mito con un filme plenamente romántico, tierno y con algún punto siniestro en el mundo de los humanos. Fue además el primer filme que hizo con Johnny Depp, el que ha sido su actor fetiche desde entonces, y la última película para cine del gran Vincent Price, el genial actor que inspiró el primer gran corto de Burton, Vincent (problablemente si hubiesen visto algunos sus primeros cortos, no habrían tenido algunos críticos tantas reticencias ante Bitelchús y Batman).

Y la banda sonora es una de las grandes creaciones de Danny Elfman, mi trabajo preferido suyo junto con Pesadilla antes de Navidad, filme producido por Burton que alguno sigue creyendo que también dirigió. Elfman compuso una maravillosa banda sonora para Eduardo de un elevado tono romántico, evocador y triste.

Otras bandas sonoras: El cielo protector

 La siguiente película de Bertolucci tras El último emperador fue El cielo protector. No repitió el éxito de otros filmes del italiano, fue un notorio fracaso comercial. Era una propuesta muy arriesgada, la novela de Paul Bowles era difícil de adaptar y el público le dio en general la espalda. Destaca por la interpretación de Debra Winger y John Malkovich. En su momento me pareció notable aunque no estuviese entre mis preferidas del director italiano, hace tiempo que no la veo.

Lo que más destacó fue la banda sonora. Ryuichi Sakamoto colaboró en esta ocasión con el compositor Ricahrd Horowitz. No muy conocido por el gran público, Horowitz es un especialista en música africana y asiática, y las bandas sonoras más conocidas que ha compuesto son Un domingo cualquiera y esta. El tema principal de El cielo protector me parece muy bello, de no haber sido por el fracaso comercial seguramente habría estado más presente en las nominaciones de aquel año, solo obtuvo una en los Globos de Oro.

Otras bandas sonoras: Rebelde sin causa

 Morir a los 24 le convirtió en mito y leyenda, pero hubiese sido estrella igual. Pocos actores o actrices han tenido un comienzo tan fulgurante como James Dean: Al este del Edén, Rebelde sin causa y Gigantes son tres estupendas películas no solo por el actor. Quizás le faltaba pulir algún exceso histriónico propio del Actor's Studio que sí pudieron pulir con el tiempo Brando, Clift y Newman, pero ya era un excelente actor con gran carisma.

Gustándome muchísimo los tres filmes que protagonizó, mi filme favorito de Dean es Rebelde sin causa. Es el más icónico, el que perfila más su personaje de rebelde atormentado y el más redondo, con grandes escenas como el arranque, el planetario, la carrera de coches y el final, y está muy bien acompañado por Natalie Wood, Sal Mineo y Jim Backus, y es una de las mejores películas de Nicholas Ray.

Es también una de las películas más malditas de la historia del cine: Dean muerto en accidente, Mineo asesinado y Wood solo sabe Robert Wagner si fue asesinato o no. Aunque otras tengan más fama de malditas (La semilla del diablo, El conquistador de Mongolia, Poltergeist=, esta lo es como pocas. 

La banda sonora está compuesta por un músico poco conocido por el gran público, pero muy apreciado por los aficionados. Leonard Rosenantiene dos Oscars a banda sonora adaptada por Barry Lyndon y Esta tierra es mi tierra, pero tiene una impresionante carrera de composiciones originales: Al este del Edén, Alejandro el Grande, Un hombre llamado caballo, Viaje alucinante, la versión de animación de El señor de los anillos, Profecía maldita o Robocop 2 entre las más destacadas. De las que le recuerdo, Rebelde sin causa me parece uno de sus mejores trabajos, con un bello tema principal.

Otras bandas sonoras: Tempestad sobre Washington

 Hoy se celebran las elecciones a la presidencia de los EEUU, y he creido adecuado dedicar el artículo sobre bandas sonoras a alguna película que tratase sobre la política estadounidense. Tenía donde elegir, filmes como Caballero sin espada, Todos los hombres del presidente, Nixon, o las dos películas que aquí se conocen como El candidato (la de Robert Redford y la de Hugh Jackman) podrían haber entrado en esta sección, y seguramente habrá alguna otra que se me olvida.

Pero personalmente mi favorita es Tempestad sobre Washington también es la más atrevida, además de ser el último filme de un grandísimo actor y director y la primera banda sonora de un notable compositor.

Vista hoy en día, Advice and consent, título original (consejo y consentimiento, hace referencia a un artículo de la Constitución estadounidense sobre nombramientos de altos cargos, que requieren la aprobación del senado) puede quedar algo desfasada, pero lo que proponía en 1962 era bastante fuerte: por un lado, que un secretario propusiese como secretario de estado con pasado de simpatizante comunista, y por otro lado, que un político acabase suicidándose por ser homosexual. Hay que tener en cuenta que el estreno de la película es en EEUU es en julio de 1962, en plena paranoia anticomunista de la Guerra fría , tres meses antes de la Crisis de los misiles y con el Comité de actividades antiamericanas en vigor, y que todavía el colectivo homosexual era perseguido en muchos estados (tengo dudas si había alguno que no). Y no creo que haya perdido vigencia cuando Donald Trump utiliza como insulto a Joe Biden la palabra socialista y cuando numerosos políticos siguen viendo peligrar su carrera en EEUU por sus aventuras sexuales. Me sigue pareciendo una de las obras maestras de la etapa de superproducciones de Otto Preminger, aunque a algunos no les convence el giro final, me parece completamente coherente con lo propuesto por el director.

Es la última película de Charles Laughton, fallecido en diciembre de 1962. No era hombre por lo que se dice de trato fácil, de hecho a la famosa frase de Hitchcock de no trabajar con animales y niños se le suele añadir "y con Charles Laughton", era un gran histrión y su homosexualidad o bisexualidad le jugó alguna mala pasada en su vida privada (al detenerlo una vez la policía, su mujer Elsa Lanchester afirmaba que ella  no se había dado cuenta "porque era muy buen actor"). Pero sin duda me parece unno de los mejores actores de la historia del cine, inolvidable en La vida privada de Enrique VIII, Rebelión a bordo, Esmeralda la zíngara, Esta tierra es mía, El reloj asesino, Testigo de cargo o Espartaco; en Tempestad sobre Washington hizo una gran despedida. Una lástima que el fracaso comercial de La noche del cazador le impidiera dirigir más cine, es una de las mejores películas de la historia. El resto del reparto de Tempestad sobre Washington es excelente: Henry Fonda, Walter Pidgeon, Don Murray, Peter Lawford,  Lew Ayres y Gene Tierney como más destacados.

Fue la primera banda sonora del demasiado infravalorado Jerry Fielding. El que fue posteriormente compositor habitual de Sam Peckimpah y también de algunas películas de Clint Eastwood hizo en Tempestad sobre Washington un notable trabajo, muy plácido y evocador en contraste con la tempestad política que sucede en el filme.

Película seleccionada por España para Oscars

 

Finalmente, la película elegida por España para competir en los Oscars ha sido La trinchera infinita. Siendo sincero, en un año sin pandemia le habría dado pocas posibilidades de nominación, en las últimas décadas las películas relacionadas con la Guerra Civil o la posguerra no han tenido nominación. Pero en un año con pandemia, creo que cualquier cosa puede pasar, incluso que no haya Ceremonia de los Oscars, tal como está el patio, no descarto la suspensión de los premios de la Academia de Hollywood.. Mucha suerte a la película.

Otras bandas sonoras: La caída del Imperio romano

 Con el filme La caída del Imperio romano cayeron de golpe dos acontecimientos cinematográficos: el Imperio Bronston y el género peplum. El productor volvió a intentarlo con poca fortuna y el género volvería muchos años después curiosamente con casi la misma historia que lo hundió.

Como dije con El Cid, Bronston tenía los pies de barro. Sus películas rodadas en España no acababan de funcionar y la puntilla fue el fracaso de La caída del Imperio romano. La consecuencia fue la declaración en bancarrota de la productora y por tanto el cierre de sus estudios en España, utilizados posteriormente para televisión y otras películas. Volvió a hacer alguna producción, entre ellas una con Robert Taylor (Pampa salvaje) y otra con Gerard Depardieu (Fort Saganne) que yo no he visto.

Y fue como he dicho el final de la época dorada del peplum, la que empezó con Sansón y Dalila y se matuvo durante los 50 y principios de los 60, Cleopatra y su altísimo coste ya había dado el aviso, pero La caída del Imperio romano fue la puntilla, el público se había cansado del género y los productores italianos y españoles que se habían especializado en el género se estaban pasando al spaguetti western que comenzaba a reinar en 1964 con Por un puñado de dólares. El peplum fue objeto de grandes parodias como Golfus de Roma y La vida de Brian, pero no resurgió brevemente hasta principios del Siglo XXI.

La lástima es que La caída del Imperio romano es una excelente película, la mejor que rodó Bronston junto con El Cid. El público no apreció el tono triste del filme y el demoledor final donde se aclara qué tiene que ver el filme con la caída del Imperio que tardaría más de 200 años en producirse. Tampoco ayudó el cambio de protagonista previsto, Stephen Boyd no era mal actor, pero no era la estrella que fue Charlton Heston y que sí podría haber salvado más los muebles. Sí que lanzó a la fama al gran actor canadiense Christopher Plummer, que solo tenía como currículum destacado hasta entonces la excelente  Muerte en los pantanos, de Nicholas Ray. También marca el declive de la carrera de Anthony Mann, con solo una película posterior y otra que no pudo terminar.

Pero la historia tenía potencial, y así lo vio Ridley Scott. Aunque la historia no es exactamente igual. (el personaje de Russell Crowe no es el mismo que el de Stephen Boyd) Gladiator tiene muchos puntos en común con La caída del Imperio romano: asesinato de Marco Aurelio en los alrededores de Viena, tiranía de Cómodo y enfrentamiento entre el emperador y sus principal general, una mujer por en medio y duelo a muerte entre los dos antagonistas en público. Por momentos. Gladiator parece un remake no confeso de La caída del Imperio romano. Gladiator sí que tuvo el éxito que no tuvo La caída del Imperio romano, haciendo resurgir brevemente el género con Troya, 300 y Furia de titanes

También es la última obra maestra de Dimitri Tiomkin, sus tres películas posteriores o son trabajos menores (Ataque al carro blindado, 36 horas) o no los recuerdo (Catalina la Grande). Su triste tena principal es muy potente, suena a elegía o requiem por el Imperio que se desmorona y por el emperador muerto, el resto de temas también son formidables.

Otras bandas sonoras: El viento y el león

 Hoy tenía pensado poner un clásico de los 60 (no digo cuál de momento), pero la muerte de Sean Connery me ha hecho cambiar los planes, y además de hacer el homenaje en imágenes de ayer, creo que también era adecuado hacerle un homenaje en forma de una de sus bandas sonoras.

Tenía donde elegir de lo que no ha pasado de Connery en esta sección (todos sus Bond, El dia más largo, Marnie la ladrona, Odio en las entrañas, El hombre que pudo reinar, Robin y Marian, Un puente lejano, El primer gran asalto al tren, Atmófera cero, Los inmortales, El nombre de la rosa, Los intocables, Indiana Jones y la última cruzada, La caza del Octubre rojo o La roca todavía no las he comentado y tienen bandas sonoras destacadas), pero si tengo que elegir una por lo que me gusta la película y por lo grande que es su banda sonora es El viento y el león.

Es una de las mejore películas de John Millius y una de las grandes interpretaciones de Connery, dentro de lo que llamo trilogía aventurera a mediados de los 70 del actor escocés (junto con El hombre que pudo reinar y Robin y Marian) es la que menos  recuerdan muchos (casi ningún crítico la destacaba ayer y me estraña) y la más entretenida. E director fascista y anarquista es a menudo muy bueno, y logró excelentes resultados con la historia del jeque marroquí que secuestra a una estadounidense y a su hijo a principios del siglo XX. Está rodada en España y Connery está majestuoso, aunque las primeras opciones fueran Omar Sharif y Anthony Quinn.

La banda sonora es otra genialidad de Jerry Goldsmith. El compositor le dio como era de esperar un estilo árabe y logró un trepidante tono de aventuras. Sencillamente maravillosa, como homenaje a Connery podía haber buscado otra igual de buena, pero no mejor.