La filmografía de Sam Raimi siempre se ha caracterizado por la irregularidad, tanto en el terror, la comedia terrorífica o en el cine de superhéroes ha dado grandes títulos como los dos primeros Posesión infernal, los dos primeros Spider-man. Darkman o el trhiller Un plan sencillo, pero también alguna que no está a la altura como Entre el amor y el juego y la última estrenada en 2013 Oz un mundo de fantasía. Veremos si le dejan hacer la segunda entrega de Dr. Strange y vuelve a estar a la altura de sus mejores títulos.
De momento, Arrástrame al infierno me parece su última película importante. La historia de la apoderada de un banco que recibe una maldición de una anciana a la que ha negado una moratoria está narrada con la fuerza, la garra y el sentido del humor macabro que han caracterizado siempre a Raimi. El reparto con Alison Lohman y Justin Long prometía en su estreno, pero ha quedado bastante olvidado.
Y tiene una infernal banda sonora del gran Christopher Young, maestro de lo siniestro que aquí hace uno de sus trabajos más deliciosamente macabros de este siglo.
Cuando Warner realizó en 1935 la versión sonora del clásico de Rafael Sabatini Capitán Blood, no solo hizo una de las mejores películas de piratas de todos los tiempos y una de las obras maestras de Michael Curtiz, convirtió en estrellas a un diablillo de Tasmania con bigote y a una actriz británica nacida en Japón que le darían al estudio su pareja más taquillera y famosa en los años 30 y 40: Errol Flynn y Olivia de Havilland.
El Capitán Blood es una obra maestra del cine piratas sobre un médico acusado de traición por curar a un rebelde contra el rey y que se ve obligado a practicar la piratería. Flynn empieza a mostrar todo el carisma y la cara dura que le caracterizarán en el resto de su carrera y muestra ya la gran química que tendría con de Havilland. Están muy bien acompañados por uno de los mejores villanos de la historia del cine que también sería el más emblemático Sherlock Holmes, el gran Basil Rathbone.
La banda sonora es uno de los grandes trabajos del que para mí es el primer gran compositor de la historia del cine junto con Max Steiner. El checo Erich Wolgang Korngold hace nuevamente una genial banda sonora.
Tenía muchos temores con esta versión de los inicios de una de las más grandes villanas de la historia de Disney, me temía otra Maléfica con Disney lavando la imagen de su villana. También por otro lado el director australiano Craig Gillespie es un director muy irregular, capaz de lo mejor (Lars y una chica de verdad, Yo Tonya) y de lo peor (el remake de Noche de miedo)..
Mis temores se han disipado al ver el filme. Sin dejar de ser un filme 100 % Disney, esto no es Maléfica, Cruela no llega a ser lo todo perversa que en filme animado pero tampoco es una hermanita de la caridad. Gillespie ha optado por la parodia del personaje y alguno más, veo en el filme ecos de Cenicienta, de Clark Kent y de algún superhéroe que me callo para no desvelar el giro que hay en la película sobre la relación entre las dos protagonistas.
Y sobre todo es un fenomenal duelo entre dos grandes comediantas. Emma Stone está muy bien como Stella-Cruella (¿le habrá hecho gracia la coña a la hija de Paul MacCartney?), pero quien se lleva la palma es Emma Thompson, siendo muy perra como la perversa Baronesa. El resultado no es redondo, tiene algún bache, pero es uno de los más divertidos filmes de acción real de Disney recientes.
Tiene una escena durante los títulos de crédito. Aparentemente enlaza con 101 dálmatas y a alguno le ha parecido un acto de bondad, pero ese breve diálogo al final de una película me hace pensar que es mucho más retorcido que lo que aparenta, no sé si es el primer acto de perversidad del personaje o que se repite el principio de la película...
Hoy ha fallecido el actor Gavin Macleod. Aunque había hecho cine con directores como Blake Edwards, la popularidad le llegó con dos series televisivas en los 70, La chica de la tele y sobre todo Vacaciones en el mar, donde interpretaba al capitán del crucero donde se sucedían los episodios de la serie cómica. Descanse en paz un actor que forma parte de mis recuerdos de niñez.
No sé si había comentado alguna vez que tenía un proyecto de teatro como actor sobre aventuras africanas. Se trata de Nit de crims, espectáculo que hacemos cada año en el Centro Cívico del Carmel en Barcelona, y en el que un grupo de actores no profesionales representamos una obra original en la que se produce un asesinato y el público tiene que averiguar quién es el asesino o asesina con las pistas o despistes que le damos los personajes. Cada año la obra es diferente y está ambientada en un lugar distinto: hasta ahora habían sido Casablanca, una casa encantada, un garito de los gangsters de la Ley seca, un pueblo del Oeste y un crucero. Este año la acción se desarrollará en un safari en 1912 y la representamos el 18 y el 19 de junio si no hay cambios de fecha de última hora.
Aprovechando que vamos a empezar los ensayos en los próximos días, quería hacer un artículo sobre un filme de aventuras africanas para abrir boca. Por lo que hemos hecho hasta ahora, la música de Memorias de África estará muy presente, pero ya ha pasado por este blog, y también Los demonios de la noche. Por donde se desarrollará la acción y el año en que transcurre, quizás eran más adecuadas dos de Jerry Goldsmith como son Las minas del Rey Salomón y Congo (pondré la primera la semana del estreno de la obra), pero hoy me apetece poner una obra maestra que también tiene que ver con safaris y con aventureros en África: Hatari!
Hatari! es una de las mejores películas de la etapa final de la filmografía de Howard Hawks. Le veo bastantes similitudes con otra de sus obras maestras, Solo los ángeles tienen alas, ambas tratan de un grupo de aventureros en algún lugar perdido. En el filme de 1962, un grupo de cazadores se dedica a recoger ejemplares para diversos zoológicos, a ellos se les añadirá la presencia de una fotógrafa para que el enredo de esta comedia esté servido. Con excelente guión de Leigh Brackett y gran reparto encabezado por John Wayne, Elsa Martinelli, Hardy Kruger y Red Buttons, es un estupendo clásico del cine de aventuras.
Y tiene una gran e inolvidable banda sonora de Henry Mancini, el Baby elephant walk es otra obra maestra del compositor y una mítica composición.
Aunque inspirase las dos versiones de Scarface y tuviese un papel importante en Los intocables de Elliot Ness, solo recuerdo dos biopics sobre Al Capone, el realizado por Steve Carver en 1975 con Ben Gazzara y en el que tenía uno de sus primeros papeles importantes Sylvester Stallone, y el que ha llegad hace poco a una plataforma de streaming. El de 1975 lo recuerdo mal, lo he buscado en plataformas legales de streaming para volver a verlo y no lo he encontrado en ninguna, si alguien sabe si está en alguna le agradecería que me lo diga.
El estrenado recientemente es streaming es bastante irregular. Centrado en los últimos días de Capone, peca de grotesco y escatológico, y el personaje de Matt Dillon no me convence por ser muy tópico en películas de este tipo. Pero tiene una muy buena interpretación de un muy pasado de rosca Tom Hardy, que hace que se mantenga el interés del filme casi todo el tiempo. Me parece el mejor filme del director Josh Trank, lo que no es decir mucho teniendo en cuenta que Chronicle me parece un petardo sobrevalorado y Los 4 fantásticos la peor película de superhéroes que recuerdo.
Pocas veces se ha producido una coproducción entre dos o más estudios antes de los 90, y las pioneras fueron en mi opinión El coloso en llamas y el filme que me ocupa hoy el artículo, El dragón del lago de fuego.
Coproducción entre Paramount y Disney, este filme de 1981 desconcertó un tanto a los seguidores del estudio del ratón por su tono más adulto y violento, y fue un fracaso de taquilla en su estreno, aunque ha quedado como título de culto. Contaba la historia de un reino amenazado por un dragón de 400 años, reino que para aplacar al dragón ofrecía a chicas vírgenes en sacrificio. Junto con Nuestros maravillosos aliados, es el filme más conocido del director Matthew Robbins, y está protagonizada por Peter MacNicol y Ralph Richardson, es también una de las primeras películas del actor Ian McDiarmid, conocido por interpretar al Emperador Palpatine en la saga Star wars.
Para la banda sonora, Alex North hizo un trabajo atípico, con algunos fragmentos de la descartada 2001 odisea en el espacio y un estilo lejos del tono comercial de los primeros 80, más propio del impresionismo o de las vanguardias de principios del siglo XX. Nominado al Oscar, es uno de los mejores trabajos de la última etapa del maestro.
El cine negro y de gangsters clásico había cogido un nuevo auge entre los 60 y mediados de los 70 con filmes como El padrino, y su vertiente de detectives tuvo varias versiones especialmente sobre novelas de Raymond Chandler y Ross MacDonald, pero la obra maestra del cine de detectives de esa época partió de un guión original.
El guión de Robert Towne de Chinatown es uno de los más perfectos que conozco. La historia de corrupción, aguas y líos familiares es un prodigio que lleva a uno de los giros más sorprendentes de los 70 y a una escena final memorable. Y Jack Nicholson, Faye Dunaway y John Huston nos ofrecen interpretaciones geniales. Estaba nominada a 11 Oscars y era la favorita incluso por delante de El padrino II, aunque finalmente ganó solo el muy merecido a guión original
Fue la última película que rodó Roman Polanski en EEUU antes de la violación/corrupción de una menor (que cada uno ponga el calificativo que quiera, para mí es lo primero, aunque también opino que por muy culpable que pueda ser una persona, no merece el trato vejatorio que le aplicó el juez del caso), detención y fuga. No sabremos nunca si hubiese seguido mucho tiempo en Hollywood, la relación artística era inmejorable, pero no la personal. Polanski tiene un gran papel secundario en Chinatown con una navaja cortanarices.
La banda sonora es una genialidad de Jerry Goldsmith, el tono misterioso y sensual da el punto perfecto a la retorcida historia.
La saga Saw perdió para mí el interés tras las dos primeras entregas y en ello sigue, la última entrega no mejora por mucho reboot que hayan querido hacer.
Para los amantes del gore, pocas muertes y salvo dos (la inicial y otra), menos truculentas de lo habitual en esta saga.
Falta de imaginación en la trama, otra más de polis a lo Seven, y la sorpresa final se ve venir desde que aparece el personaje que es el asesino, encima hay una chapucera escena que hace que cualquiera que haya visto filmes de estos le va a ver el plumero si no estaba ya con la mosca en la oreja (evidentemente no diré cuál)..
Chris Rock no me gusta ni como actor cómico ni como dramático, y aquí pone cara de estreñido en vez de cara de duro. Max Minguella siempre me parece soso, Samuel L. Jackson poco puede hacer con su personaje y del resto de desonocidos poco va a hacer la película por ellos.
Filme para olvidar de una saga que lanzó a James Wan, autor de la otra saga referente del terror actual, Expediente Warren, espero que la nueva entrega de inminente estreno esté mejor que Annabelle y los otros spin off. De este Spiral saw solo se salva el contundente prólogo
Casi todos asociamos al estudio Gibli con el director Hayao Miyazaki y a sus personales aportaciones al cine de animación fantástico e infantil. pero no es el único director famoso, y alguna de las películas del estudio no son infantiles.
La tumba de las luciérnagas es durísima y es una de las obras maestras de Gibli. Dirigida por el maestro Isao Takahata, poco importa que en la primera imagen ya sepamos cómo va a acabar, es un demoledor filme sobre los desastres que puede provocar una guerra, sea el bando que sea, y centrada en dos hermanos que se quedan huérfanos tras desaparecer el padre militar y morir la madre en un bombardeo. Es sin duda un prodigio.
Reconozco que buscando en IDMB la filmografía del compositor Michio Mamiya no conozco sus otros trabajos para cine y televisión: Nacido en 1929, La tumba de las luciérnagas consta como su última composición, a mí me parece una obra maestra.
Hay películas cuya opinión me varía con el paso del tiempo, y Parque jurásico es una de ellas, me gusta más ahora que cuando se estrenó.
En 1993, me dejó frío, no llegué al extremo de cargármela como hizo la crítica (se fijaron demasiado en que los dinosaurios salían solo siete minutos según ellos, como si las criaturas de Ray Harryhausen saliesen durante toda la película en los clásicos del maestro británico), pero esperaba mucho más de ella. Había leído la novela y notaba a faltar cosas que me encantaban, especialmente lo que pasaba fuera de la Isla Nublar y que concluía en el epílogo, retomado en parte por J- A. Bayona en la última entrega. Tampoco me convencía el cambio en el personaje de John Hammond, mucho más cínico y siniestro en la novela (requería a Richard Widmark, Kirk Douglas o el duro y cobarde Richard Attemborough de la primera época en cine y alguna memorable obra teatral, no el amable Richard Attemborough de los últimos años de su carrera)
Con el tiempo he acabado viendo que aún no estando al nivel de Tiburón, Encuentros en la tercera fase, En busca del arca perdida o La lista de Schindler, Steven Spielberg hizo un notable espectáculo, con escenas espléndidas como el prólogo, el primer avistamiento de los dinosaurios, el ataque del T-rex o la escena de la cocina, puede que los dinosaurios salgan "solo siete minutos" (a mí me salen más minutos sin cronometrar) pero muchos imitadores actuales no dan ni medio segundo que valga la pena en el cine reciente. Y aunque siga prefiriendo al John Hammond de la novela, el resto del reparto sí que se adecúa a lo descrito en la novela en los personajes importantes. La he vuelto a ver el pasado mes de febrero en una sala de cine y se conserva muy bien, sigue siendo un gran clásico de los 90.
Y la banda sonora sigue siendo una maravilla de John Williams. Me sigue sorprendiendo que no estuviese nominada al Oscar, le hizo mucho daño las malas críticas y competir consigo mismo con otra obra maestra como La lista de Schindler, pero nadie duda ahora que el tema principal de Parque jurásico y otros secundarios son de lo mejor que compuso en los 90.
Fernando Colomo es con todo el derecho un grande de la comedia española, pero de vez en cuando algunas de sus películas no está a la altura, sale rana. Es el caso de Poliamor para principiantes.
Me parece uno de sus filmes más flojos. La trama no da para mucho, está muy estirada y es muy previsible, y los gags medianamente divertidos se ven con cuentagotas. De Colomo espero mucho más, y de gente como Karra Elejalde también, el filme es decepcionante..
Los inmortales se ha convertido en un clásico popular del cine de los 80, que no funcionó en EEUU, pero que en otros países fue un taquillazo. Es la película más conocida del director australiano especialista en videoclips Russell Mullcahy, y la película que lanzó definitivamente a la fama a Christopher Lambert, supuso el resurgimiento de Sean Connery tras unos primeros años 80 regulares, y dio a conocer como villano a un estupendo secundario llamado Clancy Brown. Ha dejado como icono popular la frase "solo puede quedar uno y dio lugar a una saga muy floja en sus siguientes entregas.
Aunque lo más conocido de la banda sonora son las canciones de Queen, es un gran trabajo del compositor Michael Kamen, y el que lo convirtió en referente musical del cine de acción en los años siguientes.
Cuando en los últimos tiempos se ha hablado de cambiar el título de la novelas Diez negritos por acusación de racismo, y algunos han optado por titularla Diez soldaditos, me hace mucha gracia: hay una película de 1981 en que 9 soldados y un piloto de helicóptero (o sea "diez soldaditos) se quedaban atrapados en una ratonera en forma de pantano e iban muriendo uno a uno a manos de un invisible enemigo, aunque el final abierto dejaba en el aire si al final quedaba alguno.
Cuando en 1981 Walter Hill está en lo mejor etapa de su carrera, que para mí va de El luchador a Traición sin límites. Hace con La presa un filme extraño, que nadie quiere financiar (lo hace una productora pequeña como EMI), y que pasa desapercibido en USA, pero que en otros países se convierte en título de culto. Vista ayer, creo que ha ganado con los años esta clara alegoría de la guerra de Vietnam, con claras referencias a Diez negritos y a Alien que tenía colaboración de Hill (a Deliverance las referencias son obvias porque pertenecen al mismo género de supervivencia o de extraño enfrentado a una comunidad cerrada como pueden ser también El hombre de mimbre u Holocausto canibal). No contribuyó al éxito que tuviera unos personajes poco empáticos para el espectador, no me gustaría pasar un rato o ninguno, pero creo que es uno de los grandes aciertos del filme que no tengas simpatía por donde agarrarte. Tiene un excelente reparto, encabezado por un Keith Carradine en su mejor momento, y excelentes secundarios como Powers Boothe, Brion James, Fred Ward y Peter Coyote.
La banda sonora corre a cargo de Ry Cooder, compositor habitual en muchos filmes de Hill. No es una de sus bandas sonoras más conocidas, pero es inconfundible su solo de guitarra, me parece una banda sonora excelente.
Ayer asistí a una sesión doble sesión sorpresa en Phenomena, y como he hecho otras veces. hoy dedico estos artículos a las dos películas vistas, ambas son de 1981 y desde el punto de vista cinéfilo y musical, una tiene mucho más interés que otra.
En el momento de su estreno no entendí el éxito de Los locos de Cannonball y vista ayer sigo sin entenderlo. Me sigue pareciendo que peca de falta de guión, que no es más que una colección de chistes malos y que cada uno de los actores hace la guerra por su cuenta sin la menor coherencia. Tiene algún momento divertido (lo mínimo que se le puede pedir a una comedia), pero su director Hal Needham había conseguido resultados bastante mejores con Los caraduras, la película que lo lanzó a la fama. Probablemente el éxito se debió a la falta de pretensiones, a las ganas de pasárselo bien de un público ochentero y al carisma de su reparto, en general desaprovechado: Burt Reynolds, Roger Moore, Farrah Fawcett, Dean Martin, Sammy Davis Jr, Jackie Chan; Jack Elam (el mejor como psiquiatra que ha perdido varios tornillos) y Peter Fonda. Fue el primer gran éxito de la distribuidora Lauren Films, que sí tendría muchos mejores momentos en años siguientes.
Desde el punto de vista musical no tiene mucho interés, solo rescataré la pegadiza canción inicial.
Nicolás y Alejandra fue la película peor recibida de la época dorada de los 60 y 70 del director Franklin J. Schaffner. No ayudó su casi desconocido reparto principal ni el momento de Guerra Fría. No la he visto demasiadas veces y me ha parecido un tanto pesada, está lejos de El señor de la guerra, El planeta de los simior, Patton y Papillón, las obras maestras del director. Ganó 2 Oscars, dirección artísticas y vestuario.
Lo mejor para mí, la banda sonora de Richard Bennett, tiene fragmentos muy hermosos y es una notable composición del autor de Asesinato en el Orient Expréss.
Demasiados años transcurrieron entre el estreno del musical Hair y la realización de la película en 1979. La época hippie había desaparecido, la polémica por las escenas de desnudos en teatro, las palabras soeces había pasado y además el filme tuvo problemas en la sala de montaje, por lo que dicen los responsables quedaba demasiado larga y lenta. Hair no es una mala película ni mucho menos, y recibió algunos premios y nominaciones, pero no fue el éxito que se esperaba, y más siendo la primera película que dirigía Milos Forman tras Alguien voló sobre el nido del cuco. No gustó nada a los creadores del musical original por los cambios y ha quedado como un clásíco menor del musical de los 60, recordado por la banda sonora y por las interpretaciones de John Savage y Treat Williams. Es una buena película, pero para quienes hemos visto el musical en teatro sabe a poco.
De las canciones que quedaron en el filme evidentemente la más famosa es la que se convirtió en icono del musical, The age of aquarius, mil veces versionada entre otros por Raphael y utilizada también en spots.
El intercambio de cuerpos entre dos o más persona es una situación clásica de la comedia, no tanto en la comedia terrorífica .Este cuerpo me sienta de muerte, película que transcurre entre un miércoles 11 y dos días después (tampoco se han calentado la cabeza haciendo la parodia), funciona a ratos, tiene un excelente arranque muy cafre y dos muy buenas interpretaciones cómicas de Vince Vaughn y Kathryn Newton, pero en muchos momentos se hace muy repetitiva y el final es muy flojo, final que además me recuerda mucho a otra producción de Jason Blum no cómica. Típica película del productor Jason Blum, para pasar el rato, le doy un aprobado justito.
Entre la gente con problemas de salud mental del que formo parte, nombrar Psicosis para muchos es nombrar la bicha, muchos la consideran el ejemplo perfecto de hacer una película estigmatizadora. . Pero este blog no va solo de salud mental, y para mí Psicosis es una obra maestra.
También la película que revolucionó el género de terror, lo cambió y le dio un nuevo impulso. Hitchcock se saltó muchas de las normas de censura del Código Hays sobre sexo y violencia e hizo un filme de terror mucho más explícito de lo que era habitual hasta entonces. Casi todo el cine de terror posterior ha reconocido su deuda con el filme de Hitchcock, no solo el slasher, aunque muchos no le perdonaron la escena en que el psiquiatra explica lo que ha pasado con Norman Bates, lo encuentran una chapuza; a mí personalmente la escena no me molesta, aunque es una de las pocas veces que Hitchcok se acoge a las convenciones del filme de intriga, le tengo cariño a este tipo de finales en filmes policíacos.
Es también el filme que con El planeta de los simios y El sexto sentido forma la trinidad del giro sorpresa, aquel giro que en las escenas finales da una sorpresa que cambia todo el filme. No era algo ni mucho menos nuevo, Agatha Christie lo utilizaba muchas veces (las más memorables, Diez negritos y La ratonera en teatro) y Clouzot habia hecho uno memorable en el género con Las diabólicas, pero el de Psicosis fue el primero que quedó más fijado en la memoria popular. Hitchcok prohibió que se pudiese entrar una vez comenzada la película para no chafar la sorpresa.
Mejor pasar un tupido velo sobre el remake de 1998. El problema no es que se copiase plano a plano (El prisionero de Zenda de Thorpe copia plano a plano también el de John Cromwell, pero no es lo mismo un plano con James Mason que con Douglas Fairbanks Jr, gana muchos enteros), el problema es que se equivoca en el uso del color y en la dirección de actores, todos hacen las peores interpretaciones de sus vidas.
La banda sonora de Bernard Herrmann es sublime, una de las cumbres de la historia de la música del cine. Se dice que Hitchcock no estaba seguro del resultado y estaba a punto de pasar la película a su programa de televisión, y que Herrmann le convenció al enseñarle la escena de la ducha con música. No me extraña, las cuerdas de Herrmann ponen los pelos de punta.
Hoy ha fallecido el actor estadounidense Charles Grodin. Aunque tuvo papeles secundarios en filmes de terror como La semilla del diablo o superproducciones como el King Kong de 1976, sus papeles más conocidos son de tipo cómico en filmes como El rompecorazones, El cielo puede esperar, Huidia a medianoche o Beethoven. Me pareció siempre un buen cómico, aunque no es de mis actores preferidos en el género de la comedia. Descanse en paz.
Y aprovechando Orgullo y prejuicio, voy a retomar mi apartado de críticas que tengo descuidado demasiado tiempo entre bandas sonoras y otros temas personales, intentaré que no vuelva a pasar. Ya lo había hecho últimamente, pero a partir de ahora incluyo filmes tanto estrenados en salas como en plataformas de streaming, como este La mujer en la ventana.
No he leído el libro y no sé si los problemas estaban ya en la novela o son consecuencia de la adaptación. Creo que uno de los principales es que incumple los principales mandamientos en el género policíaco que llevaron a rajatabla gente como Hitchcock, De Palma, Wilder o Agatha Christie: no aburrir y no tomarse demasiado en serio sobre todo la trama es rocambolesco, los que alguna vez hemos hecho cine o teatro en el género no nos hemos olvidado de incluir de alguna manera el humor.
Si se toma en serio, la trama de La mujer en la ventana es un completo disparate y se ve venir. Cualquiera que haya visto unos cuantos filmes o películas de género (no solo La ventana indiscreta, la que más claramente homenajea) se huele que es lo que provoca el trauma de Adams y se huele quién es el o la culpable del misterio que ocurre en esa comunidad de vecinos. En manos de un de Palma por ejemplo, la trama podría ser un pastiche divertido, pero la falta de humor, la torpeza, lo previsible, lo mal dibujados que están los personajes (los hay que les falta tiempo para desarrollarse y los hay incluso que sobran, me parece problema de guión o de edición) y el final ridículo hace que el filme sea soporífero, que la última gran apuesta de Fox haya sido rechazada por su comprador Disney y vendida a la competencia Netflix dice mucho de lo poco que confiaban en ella.
Tiene un reparto desaprovechado. Pocas veces he visto tan mal a Amy Adams y a los miembros más conocidos del reparto (algunos aparecen muy poco, por eso prefiero no dar nombres para no dar pistas), y los menos conocidos no están mejor. Muy flojo y olvidable estreno en streaming.
El británico Joe Wright apuntaba muy alto con sus dos primeros filmes Orgullo y prejuicio y Expiación, pero de momento se ha quedado en bastante menos de lo que prometía, Ana Karenina estaba bien, pero era un poquito inferior a las dos primeras, de El instante más oscuro lo que me parece más interesante es la interpretación de Gary Oldman, El solista, Hanna y su versión de Peter Pan no me gustan nada y la recientemente estrenada en Netflix La mujer en la ventana es un desastre. Habrá que ver si su anunciada versión musical de Cyrano con Peter Dinklage mejora sus últimas películas.
Su versión de Orgullo y prejuicio me parece muy buena. Destaca por su aspecto más alegre y menos encorsetado de otras versiones, por su excelente ambientación y por un gran reparto: :Keira Knightley, Mathew Macfayden, Donald Sutherland, Brenda Blethyn, Rosamund Pike, Judi Dench y Carey Mulligan.
Fue la película donde mucho descubrimos al compositor italiano Dario Marinelli. Es también un hombre un tanto irregular, pero en los dos primeros filmes de Wright dio también lo mejor de si con una nominación al Oscar con la primera y un Oscar con la segunda. Su banda sonora para Orgullo y prejuicio me parece excelente.
Entre 1992 y 1995, Clint Eastwood estrenó seguidas tres de sus mejores películas como director: Sin perdón, Un mundo perfecto y Los puentes de Madison. De Sin perdón ya hice artículo y Los puentes de Madison ya llegará, hoy toca Un mundo perfecto.
Un mundo perfecto es uno de sus mejore thrillers y una de sus películas más tristes. Eastwood narra con maestría la historia de un preso que pocas horas antes del asesinato de Kennedy huye de la justicia tomando como rehén a un niño. Eastwood en esta ocasión se reserva el tercer papel en importancia, el de policía que persigue al fugitivo, y deja todo el protagonismo a Kevin Costner y el niño T. J. Lowther. Para mí es la mejor interpretación de Costner en su carrera y el final uno de los momentos más emotivos y estremecedores de la carrera de Eastwood.
Tan culpable de la emotividad es Easwood como su compositor en aquella época Lennie Niehaus. Su tema principal puede parecer "sencillo", pero es portentoso, de las que le conozco me parece la obra maestra del compositor estadounidense.
Cuando unos años antes de ver la película Mamma mia, vi la obra de teatro en Barceloma, me recordó enseguida a una película que hacía muchos años que no veía: Buona sera Mrs. Campbell. Los parecidos son más que notables: mujer soltera que mantiene una relación con tres hombres a la vez, se queda embarazada y que no sabe cuál es el padre, años después aparecen los presuntos padres y se arma el lío. Los parecidos son tan notables incluso en cosas que no se pueden contar por ser spoiler que no se si calificar Mamma mía de remake u homenaje encubierto, siendo malpensado incluso rozaría el plagio al no estar nombrada creo en los títulos de crédito de obra de teatro y película.
Como he dicho, Buona sera, Mrs Campbell hace mucho tiempo que no la veo pero la recuerdo con cariño, es obra de un director considerado menor en el campo de la comedia llamado Melvin Frank (sus filmes más conocidos son Un toque de distinción y El prisionero de la Segunda Avenida) y tiene un gran reparto: Gina Lollobrigida como madre, Telly Savalas, Phil Silvers y Peter Lawford como presuntos padres y en papeles secundarios Lee Grant, Shelley Winters, Janet Margolin y Philippe Leroy.
No es una de las bandas sonoras más recordadas y apreciadas del gran compositor italiano Riz Ortolani, pero creo que mantiene la excelencia habitual en él, me parece una composición muy divertida.
En 1999, George Lucas retomó la saga galáctica con el episodio I y la lió entre los fans y los no fans. Le acusaron de infantiloide, de ocuparse más de los efectos especiales que de la historia, y ninguno soportó a Jar Jar Binks. Fue el mayor éxito del año, pero también ganadora de algún antipremio como el Yoga.
De vez en cuando vuelvo a verla y sigo pensando lo que en el año de su estreno, que es un filme irregular con más errores que aciertos, Entre los primeros, la espectacular carrera de vainas, el mejor duelo de sables laser de la saga, un gran malvado como Darth Vader, una para mí notable presentación del posterior Emperador Palpatine (con autospoiler incluido en la parte final del filme) y aciertos de casting en los casos de Liam Neeson y Ewan McGregor. Entre los mayores errores, una historia confusa (te pierdes entre la Federación de comercio, la moción de censura de Palpatine y el origen sobrenatural de Annakin), el error de casting en el niño y la errónea concepción del personaje de Jar Jar Binks, entiendo la inteción de Lucas del "tonto útil" en que se convertirá en el episodio II pero se equivoca en concepción del personaje, guión e interpretación. No estoy de acuerdo en los que la demonizan por el excesivo uso de efectos especiales y croma. no estoy en contra del croma (lo he usado como actor al igual que la transparencia clásica y no encuentro gran diferencia entre ambos) y yo no veo otra manera de hacer esta historia sin "abusando de efectos especiales.
Quien puso de acuerdo a casi todos en favor de su trabajo en el filme es John Williams. Salvo la fanfarria inicial y final, y algunas referencias lógicas a Darth Vader en el tema de Annakin, partió de cero y se olvidó de la música anterior de la saga al ser una secuela. El resultado es magnífico y en el caso de los coros de Duel of fates espectacular
La guerra entre los EEUU y México entre 1846 y 1848 tuvo consecuencias catastróficas para México, con la pérdida de la parte norte del país, lo que actualmente son los estados de Texas, California, Arizona y Nuevo México. EEUU lo considera parte fundamental de su historia, pero la mayoría de gente lo debería considerar de robo.
Dentro de la guerra, el episodio más conocido ocurrió en la ciudad de San Antonio de Bexar, en la misión de El Álamo. Era una fortaleza muy pequeña, no concebida para el ataque de un ejército organizado, y más sin recibir apoyo exterior. No está claro cuántas personas había dentro combatiendo contra el ejército mexicano, según los historiadores estadounidenses 900 personas y según los mexicanos unos 60. El caso es que acabó cayendo al cabo de unos días y murieron casi todos los combatientes del fuente; el mito estadounidense dice que sobrevivieron dos personas, pero parece ser que fueron más los que salieron vivos y fueron hecho prisioneros; entre los fallecidos estaban el congresista y aventurero David Crockett y el esclavista y fabricante de armas Jim Bowie. La propaganda de EEUU convirtió la derrota y posterior victoria en la guerra en mito.
Se han hecho varias versiones sobre el asedio de El Álamo, pero la más famosa es el debut en la dirección de John Wayne. Teniendo en cuenta la ideología conservadora de Wayne, evidentemente es muy partidista y glorifica a los muertos, pero desde el punto de vista cinematográfico es un notable debut en la dirección, mucho mejor que el panfleto proguerra de Vietnam que sería años después Boinas verdes, la segunda y última película como director de Wayne. Se dice que algunas escenas las rodó John Ford, y en el reparto está Wayne como Crockett. Richard Widmark como Bowie, Laurence Harvey como el comandante de El Álamo, Frankie Avalon, Chill Wills y Richard Boone entre otros. Fue nominada a siete Oscars, pero solo se llevó el de mejor sonido. Creo que sigue prohibida en México, pero no lo puedo asegurar.
La banda sonora me parece una obra maestra de Dimitri Tiomkin. Como requiere el filme, no oculta su simpatía por los asediados, pero desde el punto de vista musical es una maravilla.
Aún pareciéndome siempre un pelín sobrevalorado (para mí siempre ha sido solo un hábil artesano que cuando estaba inspirado hacía buen cine comercial, y cuando no tendía al desastre a partir de los 90), Barry Levinson tuvo su mejor momento en los 80 con grandes éxitos como Rain man o Good morning Vietnam y clásicos como El secreto de la pirámide; en los 90 entraría en barrena con una sucesión de fracasos como Toys, Esfera y Jimmy Hollywood, desastres como Acoso y alguna película que a mí no me gusta demasiado como Sleepers.
El mejor es una de mis preferidas de su etapa ochentera.. Narra la historia de un jugador de beisbol de los años 30 que ficha por un equipo que no atraviesa su mejor momento. Está basada en una novela de Bernard Malamud y tiene un gran reparto: Robert Redford, Kim Basinger, Glenn Close, Robert Duvall, Wilford Brimley, Joe Don Baker, Barbara Hershey, Richard Farnsworth, Robert Prosky y Michael Madsen.
Teniendo en cuenta que en su familia están Alfred, Lionel, Thomas y David, Randy Newman no será el mejor, pero sí un grande. Su banda sonora para el filme de Barry Levinson es magnífica.
Además de ser el actor más veterano de Hollywood en el momento de fallecer hoy a los 106 años, Norman Lloyd fue durante décadas un grandísimo actor secundario. Probablemente sus interpretaciones más recordadas serán en Sabotaje de Hitchcock, El club de los poetas muertos y St. Elsewhere, pero no fueron desdeñables Recuerda, El halcón y la flecha, Candilejas o La edad de la inocencia. Descanse en paz este excelente actor
El director Vicente Aranda consiguió uno de los mayores comerciales de su carrera con La pasión turca, adaptación de la novela homónima de Antonio Gala. Aún no siendo en mi opinión ni de lejos una de las mejores películas de Aranda, sí mantiene el interés gracias a su habilidad como director y a la interpretación de Ana Belén, interpretando a una mujer que en un viaje a Turquía se enamora de un hombre de ese país y deja toda su vida atrás. Fue nominada a 12 Goyas, pero solo se llevó 2. dirección de producción y el que ocupa esta sección, mejor banda sonora.
Es uno de los 6 Goyas que ha ganado el excelente compositor José Nieto. Siendo lógico por el tema, tiene reminiscencias árabes y el resultado me parece muy bueno.
45 años antes de que el asesinato de Laura Palmer la liara parda en Twin Peaks, hubo en las pantallas de cine otra Laura asesinada que dio mucho que hablar. Laura Hunt y su cuadro es uno de los personajes más memorables de la historia del cine negro, y la película Laura es para mí la primera obra maestra de los filmes que conozco de Otto Preminger, e incluso diría que es su mejor película con permiso de Cara de ángel, El hombre del brazo de oro o Anatomía de un asesinato.
Laura se centra en la investigación que hace un detective del asesinato de Laura Hunt, y de la fascinación y obsesión que acaba ejerciendo el personaje en el policía y las personas que la conocieron. Dado que es un filme de intriga, es mejor no dar más detalles, destacar sobre todo que el filme tiene un reparto inmejorable: Gene Tierney, Dana Andrews, Clifton Webb, Vincent Price y Judith Anderson están maravillosos.
Está considerada la obra maestra de un compositor injustamente olvidado por el gran público, El responsable musical de Fox Alfred Newman le propuso hacer la banda sonora a Bernard Herrmann, pero este dijo que su estilo siniestro no ligaba bien con el personaje, que Laura escucharía a Debussy y no a Herrmann. Finalmente se encargó el compositor estadounidense David Raksin, que había comenzado su carrera como compositor con Charles Chaplin en Tiempos moderno, y que en su filmografía figuran grandes títulos como ¿Ángel o diablo?, La vida secreta de Walter Mitty, La impetuosa, Carrie (la de William Wyler, no la de Brian de Palma), Cautivos del mal, Apache, Jubal, Mesas separadas, Dos semanas en otra ciudad, El más valiente entre mil y un largo etcétera. El tema principal de Laura es el más recordado de toda su filmografía y uno de los más icónicos de la historia del cine negro.
Con permiso de algún antecedente más modesto como Capitán Carey, Quo vadis marca el comienzo del desembarco de Hollywood en Europa. Ya era el plan de Metro Goldwyn en los 30, pero la Segunda Guerra Mundias retrasó los planes. A partir del éxito del filme, Italia y posteriormente España se convirtieron en la segunda casa de Hollywood con numerosas superproducciones.
Y con permiso de Sansón y Dalila, también es el comienzo de la era dorada del peplum, tanto en su versión griega, Antiguo testamento o cine de romanos. Tanto en Hollywood como en Italia se convirtió en uno de los géneros de más éxito en toda la década de los 50 y principios de los 60 hasta que La caída del imperio romano y La historia más grande jamás contada fracasaron y pasó a mejor vida salvo en momentos puntuales.
Quo vadis ha envejecido en algunos aspectos (la trama religiosa se me hace más pesada que en otros peplum, pero sigue siendo un gran espectáculo. Es bastante más imperfecta que por ejemplo Ben-Hur, Espartaco o Cleopatra, pero destaca por sus escenas de masas en el circo romano y por la gran interpretación de Peter Ustinov como Nerón, bien acompañado aunque no a su nivel por Robert Taylor, Deborah Kerr, Leo Genn y Finlay Currie. Participó como extra Sophia Loren (aunque yo soy incapaz de distinguirla entre tanta gente) y se puede ver junto a Ustinov a un nadador olímpico llamado Carlo Pedersoli, que con un aspecto físico muy diferente se haría conocido posteriormente como Bud Spencer.
La banda sonora es la primera aportación al género de Miklos Rozsa. Como es habitual en el maestro, es formidable, especialmente en el uso de los coros y la música exótica de reminiscencias árabes.
El director sueco Lasse Hallstrom tiene una larga trayectoria en el cine estatdunidense, aunque me temo que su mejor época de los 90 y principios del siglo XXI ha pasado; el que hizo películas notables o excelentes como Querido intruso, ¿A quién ama Gilbert Grape?, Algo de que hablar, Chocolat o Atando cabos lleva demasiado tiempo haciendo tonterías como Querido John o Mi mejor amigo. Espero que se pase su mala racha, porque ha sido un notable director.
De todas las que le conozco, quizás mi favorita sea Las normas de la casa de la sidra, excelente adaptación de la novela de John Irving a cargo del mismo escritor, donde Hallstrom trata con gran habilidad temas como el aborto y la orfandad que en otras manos serían mucho más escabrosos. Destaca por la memorable interpretación de Michael Caine, bien acompañado por Tobey Maguire y Charlize Theron. Caine ganó su segundo y de momento último Oscar, e Irving recibió la estatuilla al mejor guión adaptado.
También destaca por la banda sonora de Rachel Portman. La compositora británica hizo uno de sus mejores trabajos con un bello tema principal.
El gran actor cómico Jacques Tati ya había hecho dos muy buenas películas con Día de fiesta (la única en que no interpreta a Mr Hulot) y Las vacaciones de Mr. Hulot, pero el filme que le consagra definitivamente en 1958 con el Oscar de habla no inglesa y otros premios. Llegarían dos obras maestras más posteriormente como Playtime y Tráfico, que aunque en principio no obtendrían tanto éxito acabaron convirtiéndose en filmes de culto. El alter ego de Tati Mr. Hulot es desde luego uno de los grandes iconos de la comedia con su sombrero, su gabardina y su paraguas.
En mi tío están todos sus rasgos más característicos, la ausencia casi total del diálogo, su maestría en el uso del slapstick y su problemas con la tecnología. Esta sátira sobre la sociedad de consumo de la Europa de los 50 centrada en la relación entre un niño y su tío es una gran película. En el momento de recibir el Oscar, Tati lo único que pidió fue visitar a Stan Laurel, Max Sennet y Buster Keaton, sus grandes ídolos.
La banda sonora es un formidable trabajo y el más conocido de dos compositores franceses que no hicieron mucho cine. Alain Romans y Franck Barcellini hicieron un juguetón y muy divertido tema que es una de las composiciones más célebres de la historia del cine.
Aunque ya llevaba varias obras maestras y dos Oscars (La strada y Las noches de Cabiria), la película que creo que convierte a Fellini en mito popular y en uno de los directores más icónicos de la historia del cine es La dolce vita. Ha quedado tan marcada en la historia del siglo XX que desde su estreno el término Dolce vita se aplica a una vida de excesos y de lujo, y se creó la palabra paparazzi para referirse a los fotógrafos especialistas en cotilleos, proveniente del nombre de un personaje de la película.
La película marca también un punto de inflexión en la filmografía de Fellini, antes de ella su filme era claramente neorrealista con incursiones en lo poético, pero a partir de La dolce vita se hace más libre, más inclasificable, más onírico y para algunos críticos también más discutible. La historia del periodista nocturno que se mueve entre las celebridades de la Roma de comienzos de los 60 es el filme más recordado de Marcello Mastroianni y ha dejado escenas memorables como el baño de la Fontana de Anita Eckberg, el viaje en helicóptero de la estatua de Jesucristo o la fiesta final. Por supuesto, fue prohibido por la censura franquista, tanta sensualidad y la escena del Cristo que consideraron blasfema era demasiado para el régimen franquista. Entre los secundarios, se puede observar al cantante y actor Adriano Celentano en una de sus primeras apariciones en cine.
La intención de Fellini era no incluir música original, sino un conjunto de canciones populares en la época, pero no pudo obtener los derechos, por lo que recurrió como siempre a Nino Rota, El maestro volvió a dar lo mejor de sí para Fellini, su música es maravillosa y uno de los trabajos más icónicos de la colaboración entre ambos.
Y si se me permite, le tengo mucho cariño a la banda sonora de Rota. El último espectáculo de nuestra compañía Teatro de pacotilla acababa con un número musical con la banda sonora de La dolce vita. No lo reproduciré aquí el número, pero claro, está dentro de mi carrera como actor amateur.
Hammer era una productora creada en los años 30, pero es a partir de El experimento del Dr. Quatermass en 1955 cuando se convierte en un nombre clave dentro del género fantástico. Y aunque la que he comentado y La maldición de Frankenstein son títulos de culto, la más popular y la más icónica es su versión de Drácula de 1958, convierte a Terence Fisher en un director fundamental en el género y a Christopher Lee en los para mí más memorables Conde Drácula y Van Helsing de la historia del cine.
Producida por Michael Hinds y escrita por Jimmy Sangster, dotó al Conde de una sexualidad insinuada en versiones anteriores pero no tan manifiesta como aquí. Drácula Lee no acabo de saber nunca si lo que quiere es sangre, sexo, o las dos cosas, Aunque Lee se quejaba de malos guiones y de no ser fiel al libro de Stoker, no ha habido mejor chupasangres que el gran Christopher Lee. Tampoco ha tenido mejor oponente que Peter Cushing, y eso que eran grandes amigos fuera de la pantalla. Juntos o por separado han hecho varias de las mejores películas de vampiros de la historia, como este Drácula, Las novias de Drácula o Drácula príncipe de las tinieblas.
Y es la consagración del director Terence Fisher. Llevaba dirigiendo un buen puñado de películas desde 1948, que o no he visto o no recuerdo bien, pero son La maldición de Frankenstein, Drácula, El perro de los Baskerville, La momia, Las novias de Drácula, Drácula príncipe de las tinieblas y otras las que lo encumbran como maestro del cine del terror y el más famoso de la Hammer, por mucho que directores como Val Guest, Freddie Francis y otros hicieran también muy buenos filmes para el estudio.
El compositor James Bernard no es un compositor muy conocido para el gran público, pero es el que le da el gran toque siniestro a la música del cine de la Hammer, la mayoría de filmes que he nombrado tienen banda sonora suya. Su música para Drácula es uno de los mejores trabajos para el estudio.
A finales de los 50, y con el lento declive del musical, Stanley Donen comienza a dejar de lado el género que le ha hecho famoso, a partir de Página en blanco solo volverá en una ocasión con El principito. Es entonces cuando se hará un grande de la comedia con títulos como Indiscreta o La escalera.
De este segundo periodo, mi favorita es la comedia policíaca Charada. Partiendo de un guión de Peter Stone, que el escritor había convertido en novela porque nadie lo había querido en Hollywood en un primer momento, Stanley Donen hace un gran filme sobre una mujer (Audrey Hepburn) que en unas vacaciones en los Alpes conoce a un misterioso hombre (Cary Grant) y que al volver descubre que han matado a su marido y que solo tiene como pistas, unos pasaportes, un pasaje de barco y una carta. Es perseguida o ayudada por Grant, tres matones y un empleado de la embajada estadounidense en París. A partir de ahí, mejor no contar nada para quien vea por primera vez la película, tiene unos cuantos giros sorpresa.
Aparte del enrevesado guión, la película se apoya en un gran reparto. Aunque la diferencia de edad entre Grant y Hepburn es muy notoria, bordan sus papeles, y están muy bien acompañados por Walter Matthau como el empleado de la embajada y George Kennedy, James Coburn y Vitrio Ned como los tres perseguidores de Hepburn. Estrenada a final de 1963, el asesinato de Kennedy provocó en un primer momento un pequeño cambio de diálogo que en reestrenos posteriores se arrreglaría: Hepburn dice en cierto momento "todos podemos ser asesinados" y se cambió por "todos podemos ser eliminados".
La banda sonora es una obra maestra de Henry Mancini en el que para mí es el mejor momento de su carrera, donde está haciendo Desayuno con diamantes, Días de vino y rosas, La pantera rosa y Dos en la carretera. Su tema principal es memorable y uno de los más recordados del compositor, tanto en versión instrumental como en canción.
Tras los éxitos de Una habituación con vistas y Maurice, el director estadounidense, su pareja el productor Ismail Merchant y la guionista Ruth Prawler Jhabvala hacen una tercera adaptación de una novela de E. M. Forster en 1992: Regreso a Howards End.
En ella, dos hermanas entablan una relación de amor/odio con los miembros de una familia adinerada con una herencia de por medio. Tiene la exquisita reconstrucción de época y el gusto por el detallismo habituales en Ivory y grandes interpretaciones de Anthony Hopkins, Emma Thompson, Vanessa Redgrave y Helena Bonham Carter. Thompson ganó el único Oscar como actriz hasta el momento de su carrera (tiene otro como guionista de Sentido y sensibilidad) y Redgrave fue nominada al Oscar como actriz secundaria, el año en que las malas lenguas dijeron que Jack Palance se había equivocado al darle el Oscar a Marisa Tomei. Me parece una notable película, aunque mi favorita de Ivory sigue siendo Lo que queda del día.
La banda sonora, como casi siempre en esta época de Ivory, corrió a cargo del compositor estadounidense Richard Robbins. Como es habitual, Robbins hizo un excelente trabajo, su tema principal de piano es muy bueno.
Es curioso que una de las sagas televisivas y cinematográficas más longevas tuviese unos resultados de taquilla y de audiencia tan discretos al principio, ni la serie de 1966 ni la película de 1979 acabaron de funcionar , el gran éxito creo que comienza a partir de 1982. Es posible que más adelante incluya otras entregas de Star Trek con estupenda banda sonora, pero hoy me centro en la primera y segunda entregas, con música de dos grandes que parece ser que no se llevaban bien (algo he oído decir de que Horner salió un tiempo con una hija de Goldsmith.
En 1979, y en pleno boom galáctico, Paramount decide hacer un largometraje sobre Star Trek, la serie que había cancelado por floja audiencia diez años antes. Dirigida por el veterano Robert Wise (sería su penúltima película), no recaudó lo que se esperaba, aunque sin ser un desastre; dado el alto coste, para seguir la saga Paramount decidiría rebajar costos.
Personalmente, no es de las que me gustan de la saga. El reparto original sigue cumpliendo, y Persis Kahambatta en ese momento fue todo un descubrimiento, pero Stephen Collins no me convence, y en el equilibrio que sigue la serie entre filosofía y acción, la trama me parece bastante ladrillo. Entretiene, pero posteriormente habría entregas mucho mejores.
Lo mejor para mí, la banda sonora. Jerry Goldsmith hizo una bellísima y misteriosa banda sonora, muy acorde, además de crear un tema para la nave Enterprise. Para mí, una obra maestra del gran compositor.
Como he dicho, Paramount rebajò gastos para la secuela. Contrató a un director y guionista más barato, el estupendo guionista Nicholas Meyer, el creado de la serie Gene Rodenberry se desentendió del proyecto y se cambió hasta a Goldsmith por un compositor menos conocido procedente de la Factoría Corman.y que comenzaba en Hollywood. Hubo que convencer a Leonard Nimoy para continuar en la saga.
Y saltó la sorpresa, el público respondíó mucho mejor a la secuela que a la primera película. Meyer le dio un ritmo mucho más ágil que Wise y mucho más entretenido, y recuperó a un gran villano de la serie original. El actor mexicano Ricardo Montalbán bordó al siniestro Khan, obsesionado con vengarse de James Tiberius Kirk por desterrarlo en un inhóspito planeta.
La decisión de Nimoy de dejar la serie también fue un punto a favor. Su muerte en el climax final es contundente y un mazazo de giro final; no todos los fans estuvieron de acuerdo, pasó lo mismo que con Conan Doyle y Sherlock Holmes, y se vieron obligados a resucitar al personaje en la tercera entrega, conformando una trilogía con la cuarta. A mí la muerte de Spock me parece uno de los mejores momentos de la saga,. El éxito de La ira de Khan fue el que confirmó que había saga para largo, aún con vaivenes en la aceptación del público y crítica, Star Trek sigue con nuevos proyectos actualmente para cine y televisión..
El "principiante" James Horner no se llevaría bien con Goldsmith, pero mantuvo el nivel musical a gran altura. Ya empieza a aparecer su obsesión con la primera sinfonía de Rachmaninoff (el famoso parabará), pero el resto es muy bueno, me parece uno de los mejores trabajos de la primera época del compositor
Por muy criminal que pueda ser su reinado, ningún rey, emperador, dictador o déspota creo que merece el final de Nicolás II de Rusia, por terribles que sean sus crímenes merece un juicio justo y una condena de cárcel, no el asesinato a él y a toda su familia el 17 de mayo de 1918 en plena guerra civil rusa..
Que no aparecieran los cuerpos provocó una leyenda urbana o lo que hoy llamaríamos una fake new, la aparición de varias mujeres en los años 20 que afirmaban ser la hija Anastasia del zar, que había escapado del asesinato. Cuando muchos años después se desenterraron los cadáveres se comprobó que la verdadera Anastasia había muerto con el resto de su familia y que todas las que habían aparecido después eran impostoras.
La más famosa fue Anna Anderson, cuyo caso comenzó en 1920. Dicen que el parecido con la Anastasia real era asombroso, pero evidentemente habían cosas que no coincidían. Fue objeto de polémica durante más de una década entre los que defendían que era la auténtica Anastasia y los que no. A su muerte en 1984 se comprobó por el ADN que era una campesina polaca.
A partir de la historia de Anderson, Hollywood hace una película en 1956 en plena Guerra fría sobre su historia. Hace años que no la he visto y lo poco que recuerdo de ella es que era bastante partidista a favor de que Anderson era Anastasia, no me pareció una película especialmente destacable, salvo por ser el segundo Oscar para Ingrid Bergman en su regreso a Hollywood tras el escándalo y el matrimonio con Rossellini. Dirigida por el ucraniano Anatole Litvak, acompañan a Bergman Yul Brynner, Helen Hayes, Akim Tamirof y Martita Hunt.
En 1997, Don Bluth hizo otra versión animada, mucho menos respetuosa con lo que ocurrió y con el fantasma de Rasputín de villano. Aunque tuvo mucho éxito yse haya convertido en musical, lo que me parece más destacable es su banda sonora.
La banda sonora del filme de 1956 es un gran trabajo del maestro Alfred Newman, donde destaca un bellísimo vals. Su hijo David se encargó de la banda sonora de la película de animación, también con muy buenos resultados.
Ayer murió la actriz ganadora de un Oscar Olimpia Dukakis. Proveniente del teatro, y aunque había hecho bastante cine y televisión, era casi una desconocida cuando se llevó la estatuilla por interpretar a la madre de Cher en Hechizo de luna. Tuvo unos años destacables después con éxitos como Mira quién habla y Magnolias de acero, pero la fama no le duró mucho tiempo, no recuerdo ninguna interpretación destacable en décadas posteriores. Descanse en paz
Bernardo Bertolucci pocas veces ha escapado a la polémica entre sus admiradores y detractores. Lo hizo con El conformista, con El último tango en París, con este Novecento y lo haría posteriormente con La luna. Es probablemente el director europeo más polémico con permiso de Lars von Trier.
Novecento tiene posturas muy encontradas. Sus detractores la ven poco menos que como un panfleto comunista, como una película larguísima (lo es, sus más de 5 horas la convierten en la película más larga que he visto en una sala de cine, y eso que la ví en dos partes) y consideran gratuitas las escenas de desnudos y de sexo y el brutal asesinato cometido por el fascista Donald Sutherland.
Pero los admiradores nos caemos rendidos ante la maestría narrativa y el atrevimiento de Bertolucci, el enorme fresco histórico de la convulsa primera mitad del siglo XX y la enorme interpretación de Donald Sutherland, creo que la más desagradable de toda su carrera y eso que tiene unos cuantos villanos memorables; Sutherland hace que el resto del reparto empalidezca, y eso que están Robert de Niro, Gerard Depardieu, Burt Lancaster, Sterling Hayden, Dominique Sanda, Alida Valli y Stefania Sandrelli entre muchos otros. La polémica y la larga duración hicieron que el filme no fuese un gran éxito de público en 1976, hoy está considerado un filme de culto por muchos.
Quien no tiene demasiadas discusiones es Ennio Morricone. Su banda sonora es una genialidad dentro de las que hizo para el cine político italiano, su tema principal es todo un icono de la filmografía del maestro.
