A Brian de Palma le cayó durante demasiado tiempo el sambenito de "homenajeador-copiador" de Hitchcock. Da la impresión de que sus detractores pasasen por alto que no era el único director que había hecho homenajes al maestro, y desde luego olvidaron que de Palma no es un vulgar "homenajeador", tiene una personalidad muy definida en sus obsesiones con el voyeurismo (casi incluso más que Hitchcok) y sus delirios visuales no vienen de Hitchcock. los filmes que se pueden considerar homenaje (Hermanas, Fascinación, Doble cuerpo) tienen personalidad propia, son puro de Palma.
Vestida para matar tiene homenajes claros a Psicosis, especialmente en matar a la estrella a mitad de película y en el giro sorpresa final, pero no es un burdo homenaje como decían sus detractores. La historia de un asesinato y de la prostituta que accidentalmente lo observa contiene todas las obsesiones del director. Tiene un gran reparto con Michael Caine, Nancy Allen, Angie Dickinson y Dennis Franz y es mi película favorita de de Palma junto con Fascinación (pendiente todavía de poner artículo aquí, ya llegará).
Y es una de las mejores creaciones del compositor Pino Donaggio para Brian de Palma. El tema principal es uno de los más bellos del italiano, y los secundarios con cuchilladas estilo Herrmann no le van a la zaga.
Menos famosa que El jovencito Frankenstein o Sillas de montar calientes, Mel Brooks hizo otra de sus grandes películas paródicas con Máxima ansiedad, homenaje paródico a todo el cine de Hitchcock. No se puede comparar con la degradación que han supuesto parodias más o menos recientes como Casi 300, el género hace tiempo que no hay por donde pillarlo.
En Máxima ansiedad, Brooks homenajea a gusto al maestro británico, en ocasiones de forma brillante y otras de manera más escatológica, pero casi siempre consigue una sonrisa. La historia principal suena a Recuerda, con un médico con problemas de vértigo que tiene que sustituir a un doctor de un instituto psiquiátrico que ha muerto misteriosamente. Además de Recuerda y Vértigo, hay parodias de Psicosis, Los pájaros, Crimen perfecto, 39 escalones, Enviado especial, Sabotaje, La ventana indiscreta, Rebeca y Marnie la ladrona: también incluye homenajes no hitichckonianos a filmes como El diablo sobre ruedas y El mago de Oz. En el reparto, además de Brooks destacan sus dos cómicas fetiche, Madeline Kahn y Cloris Leachman.
Como casi siempre, John Morris puso una música pata negra a las películas de Mel Brooks, era un hombre que sabía demasiado de música. Aún teniendo algún homenaje a Bernard Herrmann, su tema principal es festivo y excelente, con una divertida canción.
Aún habiendo algún precedente como la versión de 1966 de Batman, hay que considerar a Supermán 1978 la película pionera del género de superhéroes. Me sigue pareciendo una de las mejores junto con los Batman de Tim Burton, los dos primeros de Nolan y los dos primeros X-Men.
Y curiosamente, el proyecto no lo levantaron los estadounidenses sino tres productores europeos, los hermanos Salkind y Pierre Spengler. Los Salkind tenían una larga experiencia en el cine europeo desde 1946 con filmes de todo tipo y Spengler solo tenía dos filmes anteriores en su haber (la ya comentada aquí El príncipe y el mendigo). Tuvieron muy buen olfato en estrenarla en un momento en que acababa de nacer el blockbuster con Tiburón y Star wars, y lo mezclaron en la parte final de la película con el cine de catástrofes. También acertaron con el director y el reparto.
Richard Donner llevaba mucho tiempo haciendo televisión y sus primeros filmes habían pasado desapercibidos (creo que Sal y pimienta y Twinky no los he visto). Ya había tenido un gran éxito con La profecía, pero es Supermán el filme que cambia su carrera, convirtiéndose en director de grandes taquillazos como Los Goonies y Arma letal. Y eso que lo despidieron a medio rodar la segunda entrega de Supermán, aún después hizo un montaje nuevo de Supermán 2 que se nota que no está terminado, no pega que tenga el mismo final que la primera parte con Supermán volviendo el tiempo para atrás, aunque se planteasen como dos partes de una misma película como habían hecho los Salkind en Los tres mosqueteros
Y encontró al protagonista perfecto. Se rumorea que se tanteó a Sylvester Stallone tras el éxito de Rocky, pero Donner quería a un desconocido, y encontró a Christopher Reeve, físicamente muy parecido al personaje, y que bordó tanto la parte heroica de Supermán como la cómica de Clark Kent. Aunque fuese solo para pasar por caja como hizo a partir de entonces salvo Apocalypse now y pocas más, Marlon Brando demostró ser el padre de Supermán perfecto, y no hay mejor antagonista que Gene Hackman y mejor novia que Margot Kidder. El reparto, como toda superproducción de la época contó con un buen número de caras conocidas en papeles más o menos secundarios: Ned Beatty, Jackie Cooper, Glenn Ford, Valerie Perrine, Maria Schell, Terence Stamp y Sussanah York entre muchos otros.
La banda sonora no necesita presentación, John Williams subió al Olimpo con Tiburón, La guerra de las galaxias y Supermán, lugar del que sigue sin bajarse. Desde el nacimiento del héroe en Krypton hasta el terremoto en California, su trabajo es una obra maestra, sigue siendo uno de sus trabajos más icónicos.
Hoy sigo mi ciclo de cine y gastronomía con ¿Pero quién mata a los grandes chefs?. una comedia negra algo olvidada de 1978, donde un crítico gastronómico trata de encontrar al asesino de varios chefs de renombre europeos. La recuerdo con cariño, aunque hace tiempo que no la veo, y tiene un gran reparto: George Segal, Jacqueline Bisset, Robert Morley, Jean-Pierre Cassel, Philippe Noiret y Jean Rochefort.
Su director el canadiense Ted Kotcheff es un veterano director de cine y televisión vivo pero creo que ya retirado. Su película más conocida es Acorralado, la primera película de John Rambo, del resto de su filmografía destacan Billy Dos sombreros, Roba bien sin mirar a quién, Más allá del valor, Interferencias y Este muerto está muy vivo.
La banda sonora corrió a cargo del gran Henry Mancini, tiene un divertido tema principal bufo excelente como casi siempre en el maestro.
Tras el éxito de Asesinato en el Orient Exprés, los productores John Brabourne y Richard B. Goodwyn tardaron cuatro años en hacer otra adaptación de una novela de Agatha Christie, en este caso Muerte en el Nilo. En ella, Poirot está de viaje en un crucero por el Nilo y se encuentra con otro asesinato que tiene que resolver. No tuvo tanto éxito como la anterior, aunque ahora es un pequeño clásico de las adaptaciones de la escritora.
Se decidió sustituir a Albert Finney, quizás demasiado joven para hacer a Poirot (37 en Asesinato en el Orient Exprés) por el más veterano Peter Ustinov (57 en Muerte en el Nilo). Hasta la llegada de David Suchet en las adaptaciones televisivas, Ustinov quedó como el Poirot más icónico, con varias películas y telefilmes más en los 80. Al igual que en Asesinato en el Orient Exprés, le acompaña un gran reparto de grandes actores y actrices, tanto viejas glorias como actores de actualidad en 1978: Por orden alfabético, Jane Birkin, Lois Chiles, Bette Davis, Mia Farrow, Jon Finch, Olivia Husey, George Kennedy, Angela Lansbury, Simon MacCorkindale, David Niven, Maggie Smith y Jack Warden. Evidentemente, no voy a decir quién de ellos y ellas es el asesino o asesina para quien no haya visto o no recuerde la película, y más teniendo en cuenta que está pendiente de estreno el remake.
La dirigió el notable artesano John Guillermin, que se había especializado en los 70 en superproducciones como El coloso en llamas o King Kong. Su trabajo es bueno, aunque no llegue al nivel del de Sidney Lumet en 1974.
Como he dicho, está pendiente de estreno el remake dirigido por Kenneth Branagh. Se ha aplazado sin fecha por la pandemia, si es que llega a las salas, después de la que ha liado Armie Hammer con sus presuntas prácticas sexuales caníbales y de otra índole, lo mismo la retiran o pasa directamente a streaming.
La banda sonora es uno de los últimos trabajos del maestro Nino Rota, fallecido un año después de la realización de la película. Como es habitual en el músico italiano, el tema principal de tono nostálgico es muy bueno.
Desde que hizo El árbol de la vida, Terrence Malick ha sido objeto de todo tipo de burlas e improperios por parte de cierto sector del público y la crítica. Entiendo que no es del gusto de todo el mundo, siempre ha sido un director raro hasta cuando tenía el beneplácito de la crítica, pero a mí no me parecen tan desastrosas como se dice To the wonder, Knight of cups o Song to song y Vida oculta me parece muy buena (Voyage of time no la he visto todavía), tienen en mí una extraña e hipnótica fascinación.
Ya en 1998, La delgada línea roja tuvo cierta discusión. Recibió el Oso de Oro de Berlín y siete nominaciones a los Oscars (no ganó ninguno), pero ya algunos detractores la calificaron de tostón y afirmaban que la primera versión de la novela era mucho mejor (El ataque duró siete días, reconozco que no la he visto). El filme de Malick personalmente me parece su mejor película junto con Malas tierras, rodó con maestría la batalla de Guadalcanal con su personal estilo, desde luego no es "la típica película bélica. Tiene un gran reparto, siempre expuesto a los cortes en edición de Malick, siempre proclive a recortar tanto las escenas que los actores que en principio iban a tener personajes clave parecía que hacían cameos: Sean Penn, Adrien Brody (el protagonista de la novela), Jim Caviezel, Ben Chaplin, George Clooney, John Cusack, Woody Harrelson, Elias Koteas, Nick Nolte, John C. Reilly y John Travolta; actores como Bill Pullman, Lukas Haas y Mickey Rourke no pasaron corte y desaparecieron de la versión estrenada en cine, se les puede ver en alguna edición en DVD.
El compositor Hans Zimmer es otro con un buen puñado de haters a sus espaldas. Su banda sonora es muy densa, no es de fácil digestión para muchos, pero a mí me parece muy buena.
Un año después de debutar como coguionista en El imperio contraataca y el mismo año que firmó el guión de En busca del arca perdida, Lawrence Kasdan hizo un gran debut en el largometraje con Fuego en el cuerpo. Sigue siendo un gran clásico del cine negro y una de las mejores películas de Kasdan, realizador un tanto irregular, muy bueno cuando está inspirado (Reencuentro, Silverado, El turista accidental, Gran Canyon) pero con varias películas también mediocres en su haber (French kiss, El cazador de sueños).
Fuego en el cuerpo tiene una historia clásica en el género, la de un abogado que se enamora de una mujer y planea el asesinato del marido, es el mismo punto de partida de clásicos como Perdición. Lo que la hace distinta es su alto contenido sexual, insólito en el cine clásico y no tantas veces en el más modeno, está a la altura en erotismo a Instinto básico y solo se le acerca la versión de El cartero siempre llama dos veces Lanzó a la fama a su pareja protagonista, William Hurt está muy bien como abogado panoli llevado a la perdición, pero quien se lleva la mejor parte es una majestuosa Kathleen Turner como mujer fatal, convertida con toda justicia en un icono del cine negro, es una lástima que no la veamos actualmente más a menudo y en papeles más jugosos, su carrera en los 80 fue tremenda. Acompañan muy bien a Turner y Hurt Richard Crenna, Ted Danson y Mickey Rourke en uno de sus primeros papeles importantes.
Quienes acusan a John Barry de ser un tanto empalagoso y edulcorado con sus películas más románticas, desde luego poco conocen su filmografía. Aquí se ocupó de calentar el ambiente y de qué manera con un espléndido tema central muy acorde con el erotismo de la película, me parece un gran trabajo de Barry.
Cuando Clive Barker debutó en el largometraje en 1987 (ya había hecho un cortometraje y un mediometraje en los 70), ya tenía cierta fama en la literatura fantástica en su faceta como escritor, pero es con Hellraiser cuando hace uno de los personajes más icónicos de las últimas décadas del cine de terror. Se ha prodigado poco en el cine desde entonces, que yo recuerde solo dos películas más. Razas de noche y El señor de las ilusiones, y no ha vuelto a dirigir desde 1995.
Hellraiser es la historia de una caja capaz de mandar a su dueño a un terrorífico mundo monstruoso aficionado al sadomasoquismo.. Se ha convertido en un clásico del cine de terror y el inicio de una larga saga de la que hay prevista nueva entrega próximamente. Su personaje Pinhead lleno de pinchos en la cabeza es ya todo un emblema del cine de terror.
La banda sonora corre a cargo de un gran compositor estadounidense del que no había hablado todavía en esta sección, no será la última vez que aparezca aquí. Christopher Young es todo un especialista en el género de terror y cine políciaco capaz de conseguir en sus mejores momentos las atmósferas más inquietantes y malsanas de las últimas décadas. De su amplia filmografía, de las que más recuerdo son Pesadilla en Elm Street 2. Invasores de Marte, Flores en el ático, Jennifer 8, La mitad oscura, Homicidio en primer grado, Species, Virtuosity, Copycat, Rounders, Leyenda urbana, Huracán Carter, Jóvenes prodigiosos, Atando cabos, El núcleo, El grito, Spider-man 3 y Arrástrame al infierno.
Y de todas esas, creo que Hellraiser y su primera secuela son sus obras maestras. Su tema principal es ua especie de vals siniestro completamente terrorífico, pone los pelos o los pinchos de punta
Sinuhé el egipcio la tengo más en la memoria por mi madre que la recuerda de vez en cuando que por la película en sí, las veces que la he visto me parece bastante tostón la historia del médico del Antiguo Egipto que tras perderlo todo por su relación con una prostituta entra en relación con el faraón monoteista Akenatón. Creo que ha envejecido mal y es una de las películas que menos me interesan de Michael Curtiz, fue un relativo fracaso comercial, salvo en algunos lugares como España por lo atrevido para los 50 de algunas propuestas.
El principal problema creo que es el protagonista, probablemente si la película hubiese tenido al inicialmente previsto Marlon Brando hubiese mejorado. El británico Edmund Purdom las películas que le recuerdo me parece peor actor que el siempre vilipendiado y aquí también presente Victor Mature, este era inexpresivo, pero tenía lo que menos tenía Purdom: carisma, básico en géneros como el peplum. A Purdom lo recuerdo mucho más en su etapa italiana y española que en este Sinuhé. La película destaca por un gran reparto de secundarios, lo mejor de la película: además de Mature, Jean Simmons, Bella Darvi, Gene Tierney, Peter Ustinov, Michael Wilding y John Carradine.
Y destaca por ser la única colaboración entre dos de los más geniales compositores de la historia del cine. Alfred Newman, jefe musical entonces de 20th Century Fox, no disponía de tiempo suficiente para componer toda la banda sonora, y encargó parte de ella a Bernard Herrmann. Newman se encargó de la parte más mística y Herrmann de la más ceremonial. El resultado como podía esperarse de dos grandes genios es muy bueno.
Aunque pueda parecer cosa del Hollywood de las últimas décadas, hay más casos de películas anteriores que coinciden con una historia igual o similar en el mismo año. Es el caso de La carrera del siglo y Aquellos chalados en sus locos cacharros.
Ambas comedias de 1965 transcurren a principios del siglo XX, las dos cuentan una alocada carrera internacional (una de coches y otra de aviones) y en ambas hay un villano humorístico que intenta sabotear la carrera de los demás participantes. Ambas creo que influyeron en la serie de animación de Hannah Barbera Autos locos, siempre se ha dicho que la serie del icónico villano Pierre Nodoyuna se inspiró en La carrera del siglo, pero yo veo cosas de Aquellos chalados, sobre todo la secuela Escuadrón diabólico.
Otro día hablaré de La carrera del siglo, tiene también una excelente banda sonora de Henry Mancini y hay más cosas que contar. Hoy me centro en Aquellos chalados en sus locos cacharros.
Aunque ha quedado hoy relativamente olvidada (no recuerdo pases por televisión recientes, y no se si está en streaming, yo la vi en los 80 en cine en programa doble con Veredicto final), fue uno de los grandes éxitos del cine británico de los 60. Está dirigida por Ken Annakin, el "padre" de Darth Vader (el nombre del villano de Star Wars es un homenaje a su apellido por parte de Lucas), que había servido en la RAF durante la Segunda Guerra Mundial y que fue un buen artesano británico con títulos como Miranda, Los arqueros del rey, Los robinsones de los mares del Sur, El dia más largo, La batalla de las Ardenas, La leyenda de un valiente y Los piratas,
La película narra la historia de una carrera aérea organizada por un empresario británico que quiere mostrar el dominio británico en el aire. Tiene un gran y amplio reparto: Stuart Whitman, Sarah Miles, Robert Morley, James Fox, Alberto Sordi, Gert Fröbe, Jean-Pierre Cassel, Red Skelton y Terry Thomas como el cartoonesco villano. Es uno de los primeros papeles del cómico televisivo Benny Hill.
Es una de las mejores bandas sonoras fuera del género bélico del gran compositor Ron Goodwyn. Tiene temas musicales homenaje a la época de la película que son muy divertidos, y una divertida canción cuyas primeras estrofas se dice que las escribió la mujer del jefe de 20Th Fox en Europa. Salvo que la película tenga más de una canción, creo que la cambiaron en España, yo la recuerdo con otra letra y otra música.
En 1980, el semiólogo Umberto Eco sorprendió a todo el mundo con su primera novela de ficción El nombre de la rosa, pasó de ser casi un desconocido para el gran público a ser el autor de la que es quizás la novela más vendida de la primera mitad de la década de los 80. Aunque sus siguientes novelas no se vendieron tan bien como la historia de un monje franciscano que investiga una serie de asesinatos en una abadía italiana del norte de Italia, nunca dejó de ser un personaje mediático hasta su muerte en 2016.
La adaptación de la novela no llegó de la mano de Hollywood, sino de varios productores europeos, entre ellos el alemán Bernd Eichinger. que había destacado produciendo grandes éxitos en su país como Yo, Cristina F y La historia interminable, y que desde El nombre de la rosa se especializó en producciones europeas que intentaban imitar a Hollywood con más o menos fortuna: Fuego nieve y dinamita, El cuerpo del delito, La casa de los espíritus, Smila misterio en la nieve o Resident evil entre otras.
Su director Jean-Jacques Annaud no era hasta entonces un especialista en producciones comerciales, aún teniendo un Oscar por La victoria en Chantant y habiendo tenido buenos éxitos como El cabezazo o En busca del fuego. Desde El nombre de la rosa se ha especializado en superproducciones como El oso, El amante, Siete años en el Tibet o Enemigo a las puertas.
El nombre de la rosa no llega al nivel de la novela, pero me parece una muy buena película comercial. Se beneficia de un gran reparto: Sean Connery, F. Murray Abraham, Michael Lonsdale, Ron Perlman y Feodor Chaliapin Jr entre otros. Fue el primer papel importante para el actor Christian Slater, intérprete después de irregular carrera debido a sus problemas con las drogas. Recientemente se ha hecho una serie para televisión de la novela, pero creo que está por debajo de la película, además John Turturro no me parece el actor adecuado para hacer el papel de Guillermo de Baskerville
Y se beneficia de que James Horner ya se estaba consolidando como gran compositor y no como promesa. El nombre de la rosa me parece su primer gran trabajo fuera del cine fantástico, su música de estilo medieval y con homenajes al gregoriano es espléndida, Horner muchas veces era irregular y algo acomodaticio, pero cuando estaba inspirado acertaba de lleno.
La novela de Mark Twain El principe y el mendigo, sobre un mendigo que intercambia su personalidad con la del príncipe Eduardo VI, ha dado lugar que yo recuerde a dos versiones destacadas, una de 1937 y otra de 1977.
La protagonizada por Errol Flynn me es casi desconocida, si la he visto alguna vez es hace décadas y no recuerdo nada de ella. Dirigida por William Kighley, tiene banda sonora del gran Erich Wolfgang Korngold.
La otra me es mucho más conocida, aunque hace años que no he visto. Pertenece a la época de mi niñez en que mi padre me llevaba a ver programas dobles. Este fue en el viejo y ya desaparecido Avenida de la Luz que estaba debajo de la Plaza Cataluña, y la vi en programa doble con la estupenda Simbad y el ojo del tigre, es uno de los programas dobles que recuerdo con más cariño.
El filme pertenece a la época de decadencia artística de Richard Fleischer. Tras la polémica Mandingo, sus últimos filmes son recibidos con frialdad o malas críticas, aún siendo entretenidas Ashanti, El cantor de jazz, El pozo del infierno, Conan el bárbaro y El guerrero rojo están lejos de la maestría del director que nos dio clásicos como la primera versión de Testigo accidental, 20000 lenguas de viaje submarino, Los vikingos, Viaje alucinante, El estrangulador de Rillington Place o Cuando el destino nos alcance. Su versión de El príncipe y el mendigo fue un estrepitoso fracaso comercial, acabó con la carrera del niño prodigio Mark Lester (Oliver) y tiene eso sí un gran reparto: Oliver Reed, Charlton Heston, Raquel Welch, George C. Scott, Rex Harrison, David Hemmings, Ernest Borgnine y Harry Andrews.
Lo más recordado por los cinéfilos es la banda sonora de Maurice Jarre, con un excelente tema central de época muy en la línea del gran compositor francés.
Hace unos pocos días publiqué una película relacionada con la comida (La gran comilona) y ahora otra, Muslo o pechuga. No es casualidad, estos días estamos preparando una entrevista en nuestro programa de radio, y estaba preparando cuatro películas sobre el tema. En el momento de escribir este artículo, la entrevista está en el aire por temas que aquí no se comentan, pero he decidido que las películas pasen por esta sección, en próximos días pondré las otras dos.
Hoy toca Muslo o pechuga, ´sátira francesa sobre el enfrentamiento entre alta cocina y comida basura, sobre un crítico gastronómico que reniega de la comida basura y que descubre que su hijo quiere ser payaso. También podría decir que en el terreno de la comedia hay quien duda entre exagerar el gesto o poner cara de palo, y dado que el filme es el enfrentamiento entre un gran actor de exagerado gesto y un gran payaso, también me gustaría reivindicar a los dos.
Cierto sector de cinéfilos fruncen el ceño ante los cómicos de gesto exagerado como Jim Carrey o Louis de Funes. No soy yo de los que están en contra ni mucho menos, aunque haya algún actor de gesto exagerado que no me guste como Will Ferrell. Aunque en la comedia haya algún gran cómico de cara de palo (Buster Keaton), la mayoría de grandes sobreactúan según los críticos más reticentes.es lógico teniendo en cuenta que la comedia viene del teatro, de la pantomima (no en vano el mejor momento del cine cómico fue el mudo) y el payaso de circo. en todas las disciplinas nombradas es habitual exagerar el gesto y la voz.
Con permiso de Jim Carrey, Louis de Funés fue el rey de la exageración. Hijo de padre sevillano, comienza a hacer teatro en el colegio a los 12 años con un personaje que decían "ya se parecía a un gendarme". Durante la Segunda Guerra Mundial, comienza su carrera como cómico y músíco de jazz, y tras primeros papeles, en los 60 explota como actor cómico de gran éxito con la saga del Gendarme de Saint-Tropez y La gran juerga. Su papel siempre era más o menos el del eterno cascarrabias enfrentado a todo el mundo y sigue siendo adorado en Francia (menos en otros países, salvo Rusia), lo pude comprobar en mi viaje a Normandía y Calais en 2018, todavía se pueden ver en unos cuantos restaurantes fotos de sus películas solo o con el actor Bourvil. No quiero olvidar en este artículo a su doblador habitual en España, el gran Josep Maria Angelat. Aunque no soy en principio partidario del doblaje, Angelat hizo muy buen trabajo con su peculiar y muy reconocible voz doblando a Groucho y de Funes, en el caso del segundo se ajustaba como un guante
Y tampoco entiendo que se siga utilizando como insulto la palabra payaso, y más teniendo yo como buen amigo a un gran profesional como es Marcel Escolano (Los Galindos). Sea de cara blanca, augusto o contraaugusto, maquillado o sin maquillar, no hay más noble arte que hacer reir a una persona. Jamás utilizo el término payaso como despectivo, les tengo el mayor respeto.
Coluche fue un gran payaso, murió demasiado joven a los 41 años en un accidente de moto, pero no se ha olvidado en Francia. Fue muy políticamente incorrecto y llegó a presentarse a las elecciones presidenciales.
Aunque en principio el papel de Coluche estaba destinado a otro gran cómico francés como Pierre Richard, de Funès y Coluche acabaron haciendo Muslo o pechuga. El resultado es una típica comedia de enredo con dos actores en su salsa, que fue la película francesa más vista en 1976, y la más vista en tiempo de pandemia en la televisión francesa. Acabo de ver el gag del restaurante japonés y sigue funcionando muy bien, mal que le pese a los haters de de Funès.
La banda sonora corre a cargo de un excelente compositor rumano afincado en Francia. Vladimir Cosma es un habitual de las películas de de Funès, Richard y Depardieu entre otros, y casi siempre tiene más que notables resultados, es un músico muy respetado en el país galo. El tema principal de Muslo o pechuga es de aire pop y muy divertido. con unos coros muy dabadabada.
Hoy es San Valentín, y es día de película romántica. Supongo que muchos pondrán alguna película moñas, pero ya dice una película española que El amor perjudica seriamente la salud (algún día pasará por aquí, me encanta la banda sonora de Bernardo Bonezzi), soy más del cine romántico al estilo de los escritores románticos del siglo XIX: grandilocuente, excesivo, que a veces hace daño y que puede acabar mal. Y si hay una película romántica grandilocuente, excesiva, con amor dañino y donde no acaban comiendo perdices es Duelo al sol.
Estamos siete años después de Lo que el viento se llevó y su productor David O. Selznick busca otro colosal éxito. Decide adaptar una novela del escritor Niven Busch, sobre una mestiza india que tras ser ejecutado su padre por asesinato se va a vivir a casa de un terrateniente, donde entablará una relación de amor-odio con el hijo pequeño. La historia de fuerte carga sexual tenía evidentes problemas con el Código Hays, pero acabó sorteándolos, salvo una escena de un baile eliminada de la película.
Al igual que Duelo al sol, no podemos decir con exactitud quiénes son los directores que intervinieron en la película. Selznick era proclive a despedir en cuanto había el menor problema al director que llevaba la película, y aquí queda claro, se calcula que pudieron intervenir hasta nueve directores. Está firmada por King Vidor, pero se piensa que pudieron estar como directores el propio Selznick, Joseph von Sternberg, William Dieterle, William Cameron Menzies, Otto Brower Sidney Franklin, Glenn Cook y William MacGarry. La firmase quien la firmase, el resultado es uno de los mejores western de la historia, con uno de los grandes finales de la historia del cine. No repitió el colosal éxito de Lo que el viento se llevó, pero a pesar de algunas críticas negativas al principio, obtuvo un buen éxito y se ha convertido en un gran clásico.
Es la película más famosa que Jennifer Jones firmó con su marido David O. Selznick. A priori, no era la actriz más adecuada para interpretar a Perla Chávez, demasiado "blanca", pero pocas veces he visto una interpretación más animal en una pantalla, saltan chispas en la relación con su amado-odiado Gregory Peck desde el principio hasta el fin. Acompañan a ambos un gran reparto: Joseph Cottem, Lyonel Barrymore, Herbert Marshall, Lillian Gish, Walter Huston y Charles Bickford.
La banda sonora es una joya de Dimitri Tiomkin. El compositor ucraniano muchas veces ha sido un grande del western, pero en pocas ocasiones ha estado tan intensamente romántico, lo que requiere el filme.
Un puente lejano está basada en una novela del escritor irlandés Cornelius Ryan, autor también de la novela El día más largo. El filme de 1977, aunque tenga un equipo diferente salvo algún caso en concreto (Sean Connery y no recuerdo si algún actor más) se puede considerar el contrapunto del de 1962, si El día más largo narraba la mayor de las victorias aliadas (desembarco de Normandía), Un puente muy lejano cuenta uno de los mayores desastres del ejército aliado, la fallida operación Market Garden para atacar Alemania desde Holanda.
Está dirigida por el especialista en biopics y filmes basados en hechos reales Richard Attemborough, y como El día más largo tiene un gran reparto con papeles más o menos largos: Dick Bogarde,, James Caan, Michael Caine, Sean Connery, Edward Fox, Elliot Gould, Gene Hackman, Anthony Hopkins, Hardy Kruger, Laurence Olivier, Ryan O'Neal, Robert Redford, Maximiliam Schell y Liv Ullman. Sin ser un fracaso (fue la sexta película más taquillera de 1977), recaudó menos de lo esperado, hay que tener en cuenta que La guerra de las galaxias, Encuentros en la tercera fase y Fiebre del sábado noche eclipsaron la mayoría de estrenos de aquel año. La considero la última gran superproducción clásica sobre la Segunda Guerra Mundial, al año siguiente entraría como un torbellino el cine sobre Vietnam, y Salvar al soldado Ryan y La delgada línea roja son muy posteriores, no se pueden considerar clásicas.
Es una de las mejores bandas sonoras de John Addison. El autor de Tom Jones, Cortina rasgada y La huella compuso un épico tema principal, pero también un bellísimo tema para piano.
Ayer falleció a consecuencia del coronavirus el director español Antonio Giménez-Rico. De lo que recuerdo de él me ha parecido siempre un cineasta irregular, capaz de muy notables películas como Retrato de familia, El disputado voto del Sr Cayo, Jarrapellejos, Las ratas o el documental sobre la comunidad trans Vestida de azul, pero también capaz de alguno de los mayores tostones del cine español de las últimas décadas como Tres palabras o Catorce estaciones. Fue tertuliano habitual del programa de su amigo José Luis Garci Qué grande es el cine y presidente de la Academia del Cine español. Descanse en paz.
En 1973, William Friedkin está en lo más alto de su carrera tras el Oscar por French connection y realiza su siguiente proyecto. una adaptación de una novela de terror de gran éxito del escritor William Peter Blatty llamada El exorcista, sobre una niña que empieza a tener comportamientos extraños, los médicos no encuentran explicación, y tras comprobarse que está poseída por un demonio de origen iraquí recibe un exorcismo por parte de dos sacerdotes. Es curioso que Blatty alcanzase la fama con una novela de terror teniendo en cuenta sus antecedentes como guionista, fue autor de dos libretos cómicos para Blake Edwards, El nuevo caso del Inspector Clouseau y ¿Qué hiciste en la guerra, papi?
El resultado no hace falta decir cuál fue: La película de terror más taquillera de la historia del cine, la más icónica de la segunda mitad del siglo XX, la más reverenciada por la mayoría de los aficionados y también la más parodiada. Contó con un gran reparto: Max von Sydow, Ellen Burstyn, Jason Miller, Lee J. Cobb, Jack McGowran (fallecido repentinamente durante el rodaje, la película tiene fama de maldita en parte por el) y Linda Blair, que saltó a la fama como la niña poseída. El filme estuvo nominado a diez Oscars, ganando 2, guión adaptado para Blatty y sonido.
Y aquí se va a llevar alguno las manos a la cabeza, voy a ser sacrílego (nunca mejor dicho en una película), no está entre mis películas favoritas del cine de terror, incluso dentro de la trinidad del cine diabólico (La semilla del diablo, El exorcista y La profecía), prefiero las otras dos películas. No me la voy a cargar, la considero notable, y quizás sea deformación de conocer la carrera previa de William Peter Blatty, pero la considero más un filme de grand guignol con mucho humor negro que una película de terror. Cada vez que la niña monta el número diabólico me entra la risa tonta (no la incómoda) y los chistes malos cinéfilos de Lee J. Cobb me parecen fuera de lugar. Quizás por el exceso de grand guignol siempre ha sido más parodiable que La semilla del diablo o La profecía, filmes mucho menos propensos a tomárselos a broma. Como filme de grand guignol, sigo prefiriendo Psicosis, ¿Qué fue de Baby Jane? o Canción de cuna para un cadáver, me parecen superiores a El exorcista.
Quizás mi opinión habría variado si Friedkin hubiese utilizado al primer compositor previsto. Lalo Schifrin entregó aproximadamente seis minutos de música terrorífica, empleados en parte para un trailer. Dicen que Friedkin y los ejecutivos de Warner salieron espantados con el trailer, que temían que la gente acabase vomitando en los lavabos por efecto de la música (viendo el trailer, más bien hubiesen sido las imágenes estroboscópicas que utilizaba las causantes de los vómitos, no son muy reocmendables para algunos colectivos y no voy a poner el trailer aquí). Schifrin fue fulminantemente despedido, su música se ha recuperado posteriormente, me parece notable y muy terrorífica, muy en la línea de Bernard Herrmann.
Finalmente Friedkin optó por música previa, y por la música de un músico británico considerado como comercial hasta entonces y que había compuesto un disco llamado Tubular bells. El resultado todos lo conocemos: Mike Oldfield salta a la fama por El exorcista y su composición se convierte en una de las más icónicas de la historia del cine. El resultado también es muy bueno, aunque muy diferente del de Schifrin.
Rafael Azcona es probablemente el mejor guionista de la historia del cine español, y lo solemos relacionar con Berlanga y otros grandes del cine español, pero olvidamos a veces que empezó con un italiano bastante peculiar y que continuó su relación bastante tiempo.
Yo no se cómo a un italiano en plenos años 50 le da por venirse a vender a España lentes de Cinemascope, pero es el caso de Marco Ferreri. Aquí conoce Azcona, hasta entonces escritor y humorista, y ambos entran por la puerta grande en la historia del cine español con dos obras maestras que aún hoy sorprenden que pasen censura: El pisito y El cochecito. Cuando Ferreri abandonó el cine español, no acabaría la relación: Controsesso, Marcha nupcial, L'uomo dei cinque palloni, La audiencia, No tocar a la mujer blanca, La última mujer, Adiós al macho y no se si me dejo alguna tienen guión de Azcona. Y la más famosa y controvertida de todas, La gran comilona.
Marco Ferreri siempre fue un maestro del exceso, si podía pasarse tres pueblos, se pasaba cuatro, y en La gran comilona yo creo que se pasa cinco. La película de 1973 es soez, gamberra y una de las mayores sátiras sobre la sociedad de consumo y la burguesía que se han hecho. En ella, cuatro amigos deciden reunirse un fin de semana para matarse a base de comer, y de paso darse una alegría al cuerpo con unas prostitutas. El resultado no es apto para estómagos delicados y no recomendable para amantes del bufet libre, pero fue un gran éxito, por supuesto prohibida por Franco por su carga sexual. Tiene un gran reparto con Marcello Mastroianni, Philippe Noiret, Michel Piccoli, Ugo Tognazzi y Andrea Ferreol, los personajes tienen los nombres de pila de los actores.
La película fue polémica desde su lanzamiento en Cannes. Fue presentada en la misma edición que otra obra maestra que no tenía pelos en la lengua, La mamá y la puta, y dicen que la presidenta del jurado Ingrid Bergman se llevó las manos a la cabeza ante tales groserías. Por lo que parece se negó a premiar a Ferreri, si le dio el Gran Premio del jurado a La mámá y la puta (ambas si ganaron el premio de la FIPRESCI, dado por los críticos) y le dieron la Palma de Oro a la también excelente El espantapájaros y a la olvidada El equívoco (creo que es de las pocas ganadoras de Cannes que no he visto. La gran comilona sigue provocando hoy en día comentarios extremos, tiene casi tantos admiradores como detractores.
La banda sonora corre a cargo del excelente compositor francés Philippe Sarde. Tiene un divertido tema principal muy acorde con la película.
Con motivo del fallecimiento de Jean-Claude Carrière he variado ligeramente mi plan previsto para hoy. Tenía pensado hablar solo de Las amistades peligrosas, la versión de Stephen Frears, pero el fallecimiento de Carriére hace también que comente como homenaje Valmont, que tiene guión de Carrieère.
En 1988 y 1989, dos excelentes directores europeos hacen dos versiones de la novela Chordelos de Laclos, sobre las maquinaciones amorosas que perpetran los siniestros Marquesa de Merteuil y Vizconde de Valmont. Los resultados de ambas películas me parecen muy buenos, pero como suele pasar en coincidencias de este tipo, una pasa más desapercibida que la otra.
Frears se había ganado un nombre en el cine de autor a principios de los 80, con Mi hermosa lavandería y Ábrete de orejas, pero aún no tenía una película comercial de renombre. Lo consigue con Las amistades peligrosas. Su guionista Christopher Hampton hace un gran trabajo trasladando la estructura epistolar de la novela al lenguaje cinematográfico. Y sobre todo cuenta con un gran reparto; empiezan a destacar Uma Thurman y Keanu Reeves, y Michelle Pfeiffer está muy bien como en casi todos los 80, pero quienes se llevan la palma son Glenn Close y John Malkovich, pocas interpretaciones ha habido más retorcidamente perversas. Nominada a siete Oscars, ganó tres: guión adaptado, dirección artística y vestuario. Es una de las derrotas que más duelen de Close, Jodie Foster en Acusados está a años luz de Close en Las amistades peligrosas. Me sigue pareciendo la mejor película de la etapa comercial de Frears, por encima de Los timadores, Alta fidelidad y la reina
Tiene una notable banda sonora de George Fenton. Fue un año raro en los Oscars, siendo los favoritos Jarre y él, ganó por sorpresa Dave Grusin por Un lugar llamado milagro, quizás pesó que Fenton utilizó en parte música no original, lo que es su partitura original me parece muy reomendable.
Milos Forman optó por un tono menos retorcido en Valmont. El guión de Carrière es más distendido y ligero, y aunque esté un poco por debajo de la versión de Frears, me parece una versión notable, Lanzó a la fama a sus dos protagonistas, Annette Bening y Colin Firth, tienen muy buenas interpretaciones en un tono distinto a los de Close y Malkovich.
Desde el punto de vista musical, es menos interesante, la mayor parte de su banda sonora no es original, sino de la época barroca y neoclásica.
Hoy ha muerto uno de los mejores guionistas de la historia del cine y también uno de los más prolíficos (153 trabajos según IMDB, siendo muy selectivo he escogido 24 para la galería de fotos, pero podía haber puesto muchos más). Jean-Claude Carrière comenzó a trabajar con Buñuel en Diario de una camarera y a partir de ahí creo que hizo todos sus guiones en su última etapa francesa. Aparte de su colaboración con el maestro trabajó con una buena parte de los mejores directores europeos hasta Un hombre fiel, el último filme importante que le conozco, y estuvo muchas veces a gran altura en la escritura, con clásicos como La piscina, Borsalino, Tamaño natural, El tambor de hojalata, Danton, Valmont, Cyrano de Bergerac, El húsar en el tejado y muchas más. Descanse en paz un grande sin duda.
Entre 1983 y 1985 en plena era Reagan, llegan cuatro películas sobre periodismo sobre reporteros en zona de guerra que logran un gran éxito y Oscars o nominaciones: El año que vivimos peligrosamente, Los gritos del silencio, Salvador y la que hoy ocupa este artículo, Bajo el fuego.
Bajo el fuego es una película de 1983 sobre los últimos días de la dictadura en Nicaragua del siniestro Anastasio Somoza, desde la perspectiva de tres periodistas, interpretados por Nick Nolte , Joanna Cassidy y Gene Hackman, completando el gran reparto Jean-Louis Trintignant y Ed Harris en uno de sus primeros papeles importantes. Tuvo un gran éxito en España, bastante menos en EEUU y no tengo datos de otros países.
Su director es el canadiense Roger Spottiswoode, anteriormente montador de filmes de Sam Peckinpah (Perros de paja y Pat Garrett and Billy the Kid) y guionista de las dos entregas de Límite 48 horas de Walter Hill. Spottiswoode comenzó muy bien su carrera como director con un clásico del slayer como es El tren del terror y con Bajo el fuego, pero nunca volvió a estar a ese nivel, no pasando de la corrección en sus mejores momentos y de la mediocridad en muchos otros. Destacan como títulos más populares Dispara a matar, Socios y sabuesos, Air América, ¡Alto! o mi madre dispara, El mañana nunca muere y El sexto día. Bajo el fuego sigue siendo su mejor película de las que recuerdo.
La banda sonora es otra maravilla de Jerry Goldsmith. Aunque la flauta de pan no es un instrumento de la zona donde se desarrolla la película, el resultado de mezclarla con la guitarra de Pat Metheny es un portento. Fue nominada al Oscar el año que ganó Elegidos para la gloria, personalmente creo que lo merecía más Goldsmith.
Ayer tuvo un día con muchas actividades y no pude homenajear al director de fotografía italiano Giuseppe Rotunno fallecido el pasado domingo. Hoy sí que puedo hacerle el recuerdo que merece uno de los mejores directores de fotografía de la historia del cine.
La filmografía de Rotunno es impresionante y justifica la fama de maestro de la dirección de fotografía. Trabajó con Visconti en Rocco y sus hermanos y El gatopardo, con de Sica en Los girasoles y con Fellini en varios trabajos impresionantes de fotografía: Satyricon, Roma, Amarcord, Casanova, E la nave va y varias otras. No se acercó demasiado a menudo a Hollywood pero lo hizo con gran tino: All that jazz es una maravilla (no en vano Fosse está muy cerca de Fellin)i, y sus trabajos para La hora final. Conocimiento carnal, El hombre de la Mancha o Lobo son magníficos. Salvo descuido mío, soprendentemente solo estuvo nominado una vez al Oscar por All that jazz, no ganó porque estaba otro genio que también lo merecía, Vittorio Storaro por Apocalypse now. Descanse en paz
