El 21 de octubre de 1984, los cinéfilos nos quedábamos helados: François Truffaut fallecía con solo 52 años a causa de un cáncer, se iba demasiado pronto el director más icónico de la Nouvelle vague con permiso de Godard y que estaba en uno de los mejores momentos de su carrera con obras maestras como El último metro y La mujer de al lado.
Y al igual que su adorado Hitchcock, se despidió con un divertimento "menor". Vivamente el domingo es una comedia policíaca muy divertida con dos excepcionales protagonistas como Jean-Louis Trintignant y Fanny Ardant y con una gran fotografía de Néstor Almendros. No sé si Truffaut era ya consciente de su estado de salud y si fue buscado a propósito, pero aunque no sea una de sus obras maestras sí es una hermosa y desenfadada hermosa manera de despedida. Una curiosidad desde mi punto de vista personaL: la ví en programa doble la primera vez con la primera película que pude ver por cuestión de prohibición de edad de las anteriores de un director español que ya empezaba a ser más que una promesa: Pedro Almodóvar, la película que acompañaba a Vivamente el domingo era Entre tinieblas.
Como casi siempre, George Delerue hizo una estupenda banda sonora para Truffaut, el tema principal es un scherzo muy divertido y muy acorde con el tono del canto del cisne del director francés.
Dentro del montón de películas con psicópata que hubo en Hollywood en los años 80 y los 90, encuentro Jennifer 8 en un punto medio, ni me parece de las mejores ni de las peores. La historia del policía que busca a un asesino en serie que ha asesinado a varias mujeres ciegas entretiene pero tampoco emociona, el director Bruce Robinson se quejó de las injerencias del estudio, aunque lo que conozco del resto de su filmografía no es para tirar cohetes. Lo mejor, la banda sonora y el reparto: Andy García (aunque Robinson quería a alguien más mayor), Uma Thurman, John Malkovich, Lance Henriksen, Kathy Baker y John Malkovich.
Si la he incluido en esta sección hoy es por su banda sonora. No conozco la de Maurice Jarrre que fue rechazada, la he buscado y no la he encontrado, pero Christopher Young me parece que hizo un trabajo más que notable al piano y muy superior a una película simplemente entretenida.
El productor Pedro Costa comenzó en la revista El caso y se había hecho famoso en los años 80 con la excelente serie La huella del crimen, basada en varios crímenes famosos de la historia de España. Además de los que se vieron en la serie, le quedó uno que decidió convertir en la película Amantes.
La película está basada en el llamado Crimen de La Canal, ocurrido en mayo de 1948 en Burgos. Vicente Aranda ya había realizado algún episodio de la serie, y cambió algunas cosas importantes del crimen: el lugar del asesinato (un arroyo de un barrio de Burgos debe ser menos "glamourosoª que la catedral) y la época del asesinato (mayo en Burgos es menos terrible que Navidad, supongo), pero hizo su película más premiada y uno de sus mejores filmes, el maestro del trhiller y el erotismo español se encontró muy en su salsa en esta historia de bajas pasiones, pañuelos y navajas, con excelentes interpretaciones de Jorge Sanz, Victoria Abril y Maribel Verdú. Abril ganó el Oso de plata en Berlín y la película el Goya a mejor película y dirección.
La banda sonora de José Nieto no es uno de los trabajos más reconocidos del gran compositor español, pero a mí me parece notable en su uso del piano y del villanicico que acompaña a la tremenda escena final.
Tombstone tuvo desde el punto de vista de los críticos la mala pata de estrenarse casi al mismo tiempo que la versión de Lawrence Kasdan sobre el Duelo en el OK Corral y la posterior vendetta de Wyatt Earp (creo que con La hora de las pistolas son las únicas que la han mostrado, desde luego Pasión de los fuertes y Duelo de titanes acaban en el OK Corral). La crítica más sesuda frunció el ceño ante la película dirigida por el director italiano George P. Cosmatos y recibió mejor la de Kasdan, pero la de Cosmatos funcionó mucho mejor en taquilla.
A mí no me parece tan mala película. Es imperfecta e inferior a Pasión de los fuertes, Duelo de titanes y La hora de las pistolas, pero es un muy entretenido western, que no aburre en ningún momento (el de Kasdan sí que me aburre en algunos momentos, sus tres horas me pesan a veces mucho) y que tiene un gran reparto de tipos duros: Kurt Russell, Sam Elliott, Bill Paxton, Powers Boothe, Michael Biehn,Stephen Lang, Thomas Haden Church, Charton Heston en un breve papel y por encima de todos un sorprendente Val Kilmer en el que es probablemente el mejor papel de su carrera.
Y tiene una portentosa banda sonora de Bruce Broughton, Ya hizo grandes resultados con su otro gran western Silverado, pero aquí creo que los supera, su épico tema principal y su vals son una maravilla.
La novela de Ken Kesey Alguien voló sobre el nido del cuco (el título tengo entendido que hace referencia a una rima infantil que comenta el personaje del indio en la novela, sobre un ganso de una bandada que voló sobre el nido de un cuco) había sido publicada en 1962 y protagonizada en versión teatral poco después por Kirk Douglas. El actor compró los derechos para producir y protagonizar la película, pero no encontró financiación durante años, cediéndole los derechos a Michael Douglas y dejando de protagonizarla por ser demasiado mayor.
El resultado ya los sabemos: gran éxito internacional, la segunda película que obtuvo los cinco grandes Oscars (película, director, actor y actriz principal y guión, en este caso adaptado), el primer gran éxito fuera de su país del checo Milos Forma. la consagración en los Oscars de Jack Nicholson que ya había rozado el premio el año anterior con Chinatown y el descubrimiento de una actriz llamada Louise Fletcher que salvo momentos puntuales no volvería a tener un momento de tanta relevancia. Sigue siendo un clásico, aunque algunos le discutan como siempre el histrionismo a Nicholson y siempre es un placer volver a verla de vez en cuando. En el reparto comenzaron a destacar una serie de actores que harían importantes carreras posteriormente como Brad Dourif, Danny de Vito y Christopher Lloyd, y destacan también Will Sampson y Vincent Schiavelli, actor posteriormente habitual en la filmografía de Forman.
Es la mejor banda sonora que le recuerdo a Jack Nitzsche, con permiso de otros clásicos como Cuenta conmigo, El filo de la navaja u Oficial y caballero. Su icónico tema de estilo indio fue nominado al Oscar, pero lo tenía imposible el año de Tiburón.
Lo que pasó en el yate The splendor el 29 de noviembre de 1981 sigue siendo una incógnita, en su momento la caída al agua y muerte por ahogamiento de Natalie Wood se tomó como accidental, pero de vez en cuando se reabre el caso ante las sospechas de posible asesinato con su marido Robert Wagner como principal sospechoso; no veo probable que alguna vez se resuelva el caso con toda claridad. Se perdía con Wood una gran estrella con solo 43 años, que dejaba grandes clásicos como West side story, Esplendor en la hierba o Centauros del desierto, aunque no atravesaba un buen momento profesional en el momento de su muerte, después de El candidato las películas que estrenó en vida están casi olvidadas o son muy flojas.
Wood dejó un último trabajo sin acabar, una película que tardaría casi dos años en estrenarse tras su muerte. Proyecto Braistorm, se dice que lo ocurrido con Wood provocó cambios en el guión y que Metro Goldwyn Mayer no tenía excesivo interés en terminarla por sus problemas económicos. No funcionó en taquilla y creo que solo la he visto una vez y la recuerdo como un filme extraño con un gran trío protagonista: Wood, Christopher Walken y Louise Fletcher. Fue el segundo y último filme dirigido por el genio de los efectos especiales Douglas Trumbull.
El fracaso de la película hace que actualmente sea una de las bandas sonoras menos conocidas de la primera época de James Horner, aunque ganase algunos premios. Aún siendo un trabajo primerizo, me parece más que notable.
En 1982, un joven letrista y un joven músico crearon para el Off-Broadway un musical a partir de La tienda de los horrores, una de las múltiples joyas de bajo presupuesto de la larga filmografía de Roger Corman. La historia es de todos sabida: el musical alcanzaría un gran éxito, y aquella pareja de músico y letrista eran Howard Ashman y Alan Menken, que a partir de 1989 serían dos de los responsables de la resurrección de Disney, ganando 8 Oscars Menken (solo le supera Alfred Newman con 9) y Ashman 2. La historia del apocado empleado que encuentra una peligrosa planta carnívora extraterrestre es todo un clásico del teatro musical.
Warner hizo la versión en cine en 1986, y fue la primera película que dirigió en solitario otro grande. Franz Oz había hecho estupendas joyas de la televisión y el cine como Barrio Sésamo, Los Muppets y su interpretación de Yoda en El imperio contraataca, y había codirigido con Jim Henson Cristal oscuro, y a partir de La tienda de los horrores se convirtió en un excelente director de ciomedias como Un par de seductores e In & out. La película tuvo muy buenas críticas y una buena taquilla.
Y eso que sufrió cambios en el final que no acabo de entender. Parece ser que en las pruebas de espectadores no les gustó que la planta triunfase y decidieron cambiarlo por un final feliz. Desde 2012 están disponibles los dos finales, a mí me parece mucho mejor el que se eliminó en 1986. Tiene un gran reparto con Rick Moranis, Vincent Gardenia, Steve Martin y Bill Murray entre otros
La banda sonora fue adaptada por Miles Goodman y mantiene casi todas las canciones del musical; aunque echo de menos el tango Mushnik and son entre los personajes de Moranis y Gardenia, el resultado es magnífico, con clásicos como la canción inicial, Suddenly Seymour o Somewhre that's green.
Probablemente uno de los mayores tópicos que utilizamos los que hacemos crítica de cine (me incluyo, no me libro de tirar en este caso de lugar común) es decir cuando no nos acaba de gustar una película que le sobran minutos y que le habría ido bien algo de tijera en la sala de montaje. Desgraciadamente, conozco más casos que, por censura o por productores a los que alarmaba la larga duración de una pelicula, una película ha sido destrozada en la sala de montaje que a los que les ha ido bien la tijera viendo la versión íntegra. Notables casos de películas masacradas en la sala de montaje me parecen El cuarto mandamiento, Cleopatra, La puerta del cielo, el Hamlet de Kenneth Branagh (la de Orson Welles desgraciadamente irrecuperable) y la que hoy ocupa mi artículo: Carga maldita.
Carga maldita es uno de los mayores fracasos comerciales del cine estadounidense de los 70, y el mayor de la filmografía de un William Friedkin que había arrasado con French connection. El remake de El salario del miedo no interesó prácticamente a nadie y fue el anticipo de los desastres que les vendrían a los directores de la generación de los 70: La puerta del cielo, Corazonada, New York New York, 1941 o La hoguuera de las vanidades, casi ningún director se libró del desastre y algunos no levantaron cabeza. Recuerdo mal mi reacción al ver el filme en televisión posteriormente, lo recuerdo como algo caótico y más después de ver el filme de Clouzot.
Cuando se ha recuperado la versión íntegra y restaurada (vista aquí en Phenomena y Festival de Sitges, creo que está también en streaming, pero no puedo asegurar que sea la versión íntegra) mi opinión ha cambiado radicalmente. Sigue siendo un filme imperfecto, se toma demasiado tiempo en la presentaci´´on de personajes, el final no acaba de convencerme y es inferior al filme de Clouzot. Pero no es el desastre que vimos en 1977, me parece un filme muy notable especialmente en la segunda mitad, pocas escenas tienen tanta fuerza como la escena del cruce del río; ha ganado con más minutos, se entiende mejor y ha ganado en suspense. Probablemente no habría tenido tampoco éxito en taquilla, pero creo que habría tenido muchas mejores crítica.
Tanto en 1977 como ahora lo más recordado es la banda sonora del grupo alemán Tangerine dream. Habitual en los primeros filmes de Michael Mann (Ladrón, El torreón) y en algunas películas comerciales de los 80 (Risky business, Ojos de fuego), de los que les recuerdo, Carga maldita me parece su mejor trabajo, su tema principal de música electrónica es muy potente.
Ya que hoy viernes comienzan los Juegos Olímpicos de Tokio, he pensado en poner una película deportiva, y la he puesto más por el interés de la banda sonora que por el de la película, que la volví a ver hace pocos meses en Phenomena, que me dejó frío en su estreno y que creo que ha envenjecido mal salvo en la banda sonora y en parte en las interpretaciones: Hoosiers, más que ídolos
Si en este milenio, el género deportivo estadounidense se ha convertido en tópico, con historias fotocopiadas muchas dicen que basadas en hechos reales, sobre equipos de medio pelo que de forma milagrosa resucitan gracias a un entrenador con más o menos mala leche y que siempre ganan el trofeo en la última canasta, carrera o touchdown, considero a Hoosiers la precursora, o no recuerdo películas anteriores con tantos tópicos o eran más disimulados. Cuando la vi hace poco me aburrí como una ostra de tanto tópico que veía, y solo salvaba las interpretaciones de Gene Hackman y Dennis Hopper, y creo que ambos han tenido días mejores. La dirigió el estadounidense David Anspaugh, proveniente de la televisión (Miami Vice, Canción de Hill Street), el resto de su filmografía me parece insignificante, las que he visto las he olvidado rápidamente.
Lo mejor es la banda sonora. Reconozco que como casi siempre Jerry Goldsmith hace muy bien su trabajo, y el tema principal es magnífico, pero no es una de mis bandas sonoras preferidas del maestro, la insignificancia del resto de la película me hace tener menos aprecio que otras obras suyas.
Fascinación es uno de los filmes de Brian de Palma que quizás tiene más posturas encontradas entre los admiradores del director y sus detractores, basta con ver las opiniones en algunas webs de Filmaffinity. Para mí es su obra maestra con permiso de otras como El fantasma del paraíso, Carrie, Vestida para matar o Atrapado por su pasado, pero los que no soportan a de Palma solo ven una copia de Vértigo (como si Hitchcock hubiese inventado el thriller, él también homenajeaba a otros cineastas y escritorees), la ven inverosímil (como si el thriller fuera siempre neorrealismo) y creen que Clift Robertson solo pone cara de palo en la película (yo creo que es lo que necesita un personaje anímicamente muerto).
Vuelta a ver recientemente en Phenomena por primera vez en pantalla grande, vuelvo a admirar el excelente guión de Paul Schrader aunque no sea creible o se vea venir la resolución del enigma (poner las cartas sobre la mesa desde el prinicipio no es algo que criticar si se hace bien, el propio Hitchcock lo hizo en más de una ocasión), la precisa puesta en escena de un de Palma más barroco y recargado que nunca, la hermosa dirección de fotografía de Vilmos Zsigmod (pocas veces he visto más hermosa y a la vez decadente Florencia) y la excelente interpretación de Clift Robertson, Genevieve Bujold y de John Lithgow en uno de sus primeros papeles importantes. No me importa que de Palma "copiase" a Hitchcock, muy pocos lo han homenajeado como él y Fascinación me parece que tiene mucha personalidad por sí sola.
Fue la penúltima banda sonora de Bernard Herrmann y la primera de las dos que se estrenaron de manera póstuma. Como solía ser habitual en el genial compositor, se llevó a matar con de Palma, pero el resultado es majestuoso, con esta y Taxi driver Herrmann no pudo tener un mejor final artístico.
La comedia española más popular, menospreciada a menudo llamándola españolada, ha tenido grandes actores cómicos (José Luis López Vázquez, Gracita Morales, Alfredo Landa, Paco Martínez Soria, Pajares y Esteso, etc) y grandes músicos (García Abril, Algueró, etc) y era lógico que algún día saliesen aquí algunas de sus películas, más allá de que las películas sean mejores o peores forman parte de mi memoria cinéfila que es lo que más trata esta sección. Abre el fuego Sor Citroen, pero no será la última vez que aparezcan por aquí los ya mencionados y otros actores no exactamente cómicos como Sara Montiel , Marisol u otros. El único problema es que a veces son difíciles de encontrar grabaciones decentes.
Y empecemos con una película muy conocida como Sor Citroen. Es uno de los grandes clásicos de la vertiente de comedia más blanca, con un director clásico del género como es Pedro Lazaga, director habitual de las comedias más populares (La ciudad no es para mí, Vente a Alemania Pepe, y con alguna película muy notable como es Los tramposos). Cuenta la historia de una comunidad de monjas que decide modernizarse comprando un Citroen 2 caballos del que se encargará de su conducción la un tanto torpe hermana Tomasa. Es probablemente la película más conocida de Gracita Morales y tiene un gran reparto con Mari Carmen Prendes, Rafaela Aparicio, Rafael Alonso, José Luis López Vázquez y un largo etcétera.
De la banda sonora se encargó un grande de la música española como es Antón García Abril. Cogió el dabadaba que había popularizado un año antes Francis Lai y le dio un tono mucho más desenfadado y en mi opinión mejor (no fue el único, en algunos momentos el dabadaba pareció el leivmotiv de la comedia española), me parece una excelente banda sonora.
Aún siendo una de las primeras novelas importantes de la literatura de EEUU y siendo precursora de lo que sería después el western, es extraño que El último mohicano tenga tan pocas adaptaciones al cine, que me conste una protagonizada por Randolph Scott en los 30, un western español y uno alemán ambos en los 60 (sin estar seguro al 100 %, creo que no he visto ninguna de las tres) y la de 1992, sin duda la más conocida y la que hoy ocupa mi artículo.
Reconozco que la he apreciado más con el tiempo. A Michael Mann antes del estreno del filme lo conocía más como productor de Corrupción en Miami, Ladrón la recordaba mal y El torreón y Hunter aún no las había visto, tendrían que llegar posteriormente Heat, El dilema y Collateral para que lo admirase. En 1992 el filme me entretuvo, pero no estaba entre mis películas favoritas de aquel año, tuvo que pasar un tiempo para que lo apreciase como un notable filme de aventuras (yo no lo considero exactamente western), aún así prefiero El dilema y los trhillers de Mann. El filme tuvo un gran éxito, sobre todo por la interpretación de Daniel Day-Lewis y por la banda sonora, aunque tuvo cierta división de opiniones entre la crítica, que aquí incluso le dio el Yoga al peor director.
La banda sonora se convirtió en seguida en una de las más icónicas de comienzos de los años 90. Compuesta por Trevor Jones y Randy Edelman, me parece maravillosa y un clásico.
Brazil fue la segunda película de Terry Gilliam fuera de Monthy Python y para mí la mejor junto con Doce monos. Homenajeando a 1984, y gustándome también el filme de Michael Radford, creo que captó mejor el espíritu de la distopía de George Orwell, aunque se fuese por las ramas a veces con su tendencia al caos habitual y tuviese problemas con los productores en el montaje. Fue un gran fracaso comercial en EEUU, pero funcionó mucho mejor en Europa y actualmente es un título de culto con uno de los finales más demoledores de la historia del cine. La historia de un empleado de poca monta que en un mundo burócrata sueña con huir de ese mundo y convertirse en un guerrero es un gran clásico.
Para muchos fue el descubrimiento de un formidable actor galés. La filmografía en cine y televisión de Jonathan Pryce antes de Brazil me es casi desconocida salvo El carnaval de las tinieblas, el filme le lanzó a la fama y sigue siendo uno de los mejores actores británicos en activo. Y aunque Robert de Niro, Bob Hoskins, Michael Palin, Ian Richardson y Peter Vaughan estén muy bien, el personaje para mí más icónico junto con Pryce es el de Katherine Helmond como madre del protagonista obsesionada con la cirugía plástica.
La banda sonora de Michael Kamen no se puede considerar original, puesto que usa como leitmotiv el mítico tema de Ary Barroso Acuarela do Brasil. Pero la adaptación la hace perfecta, se ajusta como un guante a los sueños de libertad del protagonista, y resulta un tanto irónica sabiendo lo que va a pasar finalmente. Me parece muy buena banda sonora aún no siendo original.
De momento, la Fase 4 de Marvel arranca mucho mejor en televisión que en cine, Viuda negra no es ni mucho menos un desastre, pero tiene muchas cosas por mejorar.
Está claro que si se hubiese hecho antes como dicen los fans hubiese sido distinta, la escena final habría tenido otro tono y la escena poscréditos no tendría sentido antes de Vengadores End game. Lo mejor, me parecen los homenajes a filmes paranoicos de la Guerra Fría como El mensajero del miedo, Teléfono y dos Bond como Al servicio de Su Majestad y Octopussy. También el reparto está a buen nivel, Scarlett Johansson está notable en su despedida? (el final de Loki pone en duda ya cualquier despedida de Marvel), Rachel Weisz y David Harbour están bien y la que se lleva la palma es Florence Pugh.
En lo negativo, una historia floja (mejorables los planes con las Viudas negras), un flojo villano (aunque tenga un excelente actor como Ray Winstone, el personaje no da la talla), y un Taskmaster desaprovechado, como sospechaba tiene sorpresa (no la que pensaba, creía antes del estreno que era Pugh o Weisz, es otro u otra intérprete muy conocido) pero es muy mejorable desde el punto de vista de guión. El filme es entretenido, pero los puntos negativos me pesan demasiado, le doy un poco más que el aprobado, Espero que la fase 4 mejore en cine en próximos estrenos.
Tiene escena poscréditos. No sé si era la prevista antes del retraso de un año por la pandemia, hubiese quedado rara si no se conoce al personaje nuevo por una de las series, habría que haber dado en 2020 muchas más explicaciones; con ser interesante, de lo que entreveo de la Fase 4, me apetece más lo que propone el final de Loki.
Lo que empezó como un plagio de Le llaman Bodhi hace tiempo que se convirtió en un sosias de Misión imposible con ladrones calvos, pero en esta novena entrega a los guionistas se les ha ido ya completamente la olla: ahí es nada ver superimanes atrayendo y destrozando coches o un coche tuneado en el espacio más digno de un comic de Mortadelo que de una costosa saga de acción. No es que me parezca mal el delirio, de hecho me entretuvo, pero no le puedo dar el aprobado, se le ha ido la mano el minutaje, es muy previsible habiendo visto las anteriores películas de la saga pero Vin Diesel cada vez es peor actor (tampoco es mucho mejor su oponente John Cena) y le da poco juego a actores más competentes como Charlize Theron, Helen Mirren o Kurt Russell. Para pasar el rato y solo recomendable a los fans de la saga.
El Sur de EEUU siempre ha sido un lugar muy cinematográfico, tanto si ha tratado temas sobre la Guerra de Secesión como posteriores, ahí están para demostrarlo todo tipo de clásicos: El nacimiento de una nación, Jezabel, Lo que el viento se llevó, El árbol de la vida o unos cuantos melodramas basados en obras de Tennessee Williams para demostrarlo. Varios de ellos han cargado con el sambenito de compararlos con Lo que el viento se llevó por similitudes artísticas o por reparto, con lo que no siempre estoy de acuerdo.
Una de las más denostadas en el momento de su estreno por ese motivo fue La esclava libre, basada en una novela de 1955 de Robert Penn Warren, el autor de El político. La puedo considerar una obra menor dentro de la filmografía de Raoul Walsh, pero a mí me parece un más que sólido melodrama sobre la hija mulata de un terrateniente que al morir su padre es vendida como esclava. Tiene además dos grandes estrellas como Clark Gable e Yvonne de Carlo, secundadas por un joven Sidney Poitier. Le tengo más que cariño a este filme, no me parece tan copia de Lo que el viento se llevó.
Comparte con el filme de 1939 compositor, el gran Max Steiner. No es de sus trabajos más reconocidos y apreciados por crítica y público, pero me parece excelente como la mayor parte de su filmografía
Hoy ha fallecido Pilar Bardem, gran actriz, hermana de Juan Antonio Bardem y madre de Javier Bardem. Comenzó con una obra maestra como el mundo sigue y siguió con papeles más o menos importantes en clásicos de nuestro cine como El puente o Carne apaleada, pero es a partir de los años 90 cuando llegan sus inteprretaciones más conocidas: Goya por nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto. Las edades de Lulú, Todo por la pasta, Vacas, Airbag, Carne trémula o María querida. Descanse en paz.
Por mucho que me guste Elvis presley cantante tengo que reconocer que Elvis Presley actor era muy flojo y que hizo demasiadas tonterías en su carrera solo por la pasta. Aún así, le sigo teniendo cariño por los ratos entrañables que me hicieron que me hicieron pasar sus películas en las sesiones de televisión de niño y algunas como El rock de la cárcel y El barrio contra mí no están tan mal; poco antes de la pandemia pude ver El trotamundos en Phenomena y Presley mantiene el carisma y me hizo pasar un buen rato; no será la última vez que ponga a Elvis en este blog.
De las que he visto, mi favorita es Viva Las Vegas, incomprensiblemente traducida aquí como Cita en Las Vegas, ya que el título original era en español, no necesitaba otra traducción. El guión sigue siendo flojito y Presley cuando no canta sigue siendo flojo como siempre, pero el gran director de musicales y películas George Sidney saca muy buen partido de Presley cantante y tiene números musicales más que notables. Tiene además una estupenda coprotagonista como es la actriz sueca Ann-Margret con la que Elvis tiene una excelente química en la película. Y tiene dos peazo canciones como son Viva Las Vegas y C'mon everibody que justifican por sí solas ver la película y hacerle un artículo.
Cuando hizo su primera película American beauty, el británico Sam Mendes ya era un respetado director teatral desde principios de los 90 con La habitación azul y la renovación que hizo de musicales clásicos como Cabaret. Con su primer filme ganó el Oscar a la mejor película y paso a ser uno de los pocos directores que ganan el Oscar con su primer largometraje, sorry si me olvido alguno: Delbert Mann, Jerome Robbins, Robert Redford y Kevin Costner. Mendes sigue siendo uno de los más prestigiosos directores del siglo XXI, con clásicos como Camino a la perdición,Revolutionary road, dos Bond y la para mi sobrevalorada 1917.
American beauty parte de un excelente guión del también debutante Alan Ball, conocido más adelante por sus trabajos en televisión 2 metros bajo tierra y True blood. La historia del ejecutivo de revistas obsesionado con su joven vecina y con problemas familiares y vecinales es un gran clásico aunque tenga detractores, y destaca por la gran interpretación de Kevin Spacey, muy bien secundado por Annette Bening y Chris Cooper, y con un reparto joven que visto ahora parece gafado: de Mena Suvari, Thora Birch y Wes Bentley o hace tiempo que no se nada o están haciendo papeles secundarios muy lejanos al estrellato que prometían con esta película.
La banda sonora me parece uno de los grandes clásicos del compositor Thomas Newman, que ni ganando la película el Oscar ni habiendo claro favorito en 1999 pudo hacerse con la estatuilla. Su tema principal me parece excelente y todo un icono de finales de los 90-
En 1966, Sergio Leone cerró la trilogía que le dio fama con El bueno, el feo y el malo, y también su relación con Clint Eastwood. Sus tres películas posteriores tendrían otro tono que el humorístico y en parte amoral de la Trilogía del dólar, serían más trágicas, románticas y en parte sombrías.
Aunque en España la más taquillera de la trilogía fue La muerte tenía un precio, la más conocida a nivel internacional creo que fue El bueno, el feo y el malo. Sus tres forajidos y pícaros protagonistas en busca de un botín de la Guerra de Secesión se convirtieron en los más icónicos de la historia del western europeo. Eastwood continúo con su personaje del Hombre sin nombre, Lee van Cleef bordó el papel del malvado Sentenza y Eli Walach completó el trío con su memorable Tuco. Toda la película es magnífica, pero el duelo final es la cima de la Trilogía del dólar. Rodado en Burgos (allí se puede visitar el cementerio, lleva hasta el paroxismo el duelo de miradas antes de que desenfunden las pistolas. Recomiendo la versión larga de 3 horas, no sé si está publicada en España o si se puede ver en streaming, yo la he visto en Phenomena
La banda sonora no necesita presentación. Aunque es difícil saber cuál es la mejor banda sonora de Morricone o la más icónica, junto con La misión y Hasta que llegó su hora son mi top 3 del maestro, el aullido inicial y The ecstasy of gold son insuperables.
Estando la filmografía de John Huston llena de grandes perdedores buscando tesoros o botines (El halcón Maltés, El tesoro de Sierra Madre, La jungla de asfalto, etc), era lógico que se interesase en la novela de Ruyard Kipling El hombre que pudo reinar sobre dos soldados del ejército británico buscando fortuna y reino en tierras afganas presuntamente visitadas por Alejandro Magno. Ya se sabe en Huston cuál es el material del que están hechos los sueños y cómo suelen acabar, aunque no haré spoiler por si hay algún lector que no haya visto la película. El resultado fue una de las mejores películas de Huston y una de las mejores películas de aventuras de la historia del cine
Huston tenía el proyecto en mente desde los 50, pero no encontraba la pareja protagonista. Por lo visto, pensó entre otros en Humphrey Bogart, Spencer Tracy, Burt Lancaster, Kirk Douglas, Paul Newman y Robert Redford, fue Newman el que le hizo ver con muy buen tino que lo lógico es que lo interpretasen dos actores británicos, y le sugirió a Sean Connery y Michael Caine. Visto el resultado, resulta imposible pensar en otros dos actores, ambos están perfectos, con un gran complemento con un actor Commonwealth como el canadiense Christopher Plummer como Kipling, y un reparto de actores desconocidos, entre ellos Shakira Caine, la esposa de Michael; pocas parejas de intérpretes masculinos han tenido tanta química como Connery y Caine en este filme.
La banda sonora es un gran trabajo de otro grande como es Maurice Jarre, a mí me parece una maravilla.
Lola y Los paraguas de Cherburgo habían convertido en grande a Jacques Demy, y Las señoritas de Rochefort confirmó que era un extraordinario director de musicales, en un principio las críticas fueron algo más tibias que sus dos filmes anteriores que he nombrado, pero hace tiempo ya que el filme de 1967 es un clásico del cine francés.
Fue la última película que protagonizó Françoise Dorleac (la última, Un cerebro de un billón de dólares, tiene un papel algo más secundario). Un accidente de tráfico se llevó a los 25 años a la hermana de Catherine Deneuve, por lo que había hecho (especialmete Cul de sac y la que comento hoy) apuntaba tan alto como su herman. Está coprotagonizada por Deneuve y tiene un gran reparto de secundarios: Danielle Darrieux, Miichel Piccoli, George Chakiris y Gene Kelly en uno de sus últimos papeles para musicales.
Michel Legrand volvió a hacer otra joya de banda sonora para Demy. En su momento se le calificó de cursi, pero le va perfecta al tono desenfadado del filme, varias de sus canciones son ya clásicos.
En los años 70, la Hammer entró en declive, la productora que había hecho maravillosos filmes de terror durante los años 50 ya no era la misma, se repetía mucho y aunque dio alguna obra maestra como El Dr. Jeckyll y su hermana Hyde, no levantaría cabeza hasta el fracaso del remake de Alarma en el expreso de Hitchcock.
Y entre repeticiones, también hizo mezcla de géneros. Una de las más descabelladas fue The legend of the seven golden vampires, donde en pleno éxito de las películas de artes marciales se juntó con el productor de Hong Kong Run Run Shaw para hacer un filme donde Van Helsing (Peter Cushing una vez más) viajaba a China para enfrentarse a siete vampiros que aterrorizaban un poblado. El resultado es muy disparatado, pero muy divertido, encima la distribuidora en España en pleno auge de la serie Kung fu la rebautizó como Kung fu contra los siete vampiros de oro por si no se había pillado la coña. Fue la penúltima película de terror de Hammer de su período clásico (la última fue La monja poseida que no recuerdo si he visto)
De la banda sonora se encargó un clásico de Hammer como es James Bernard. No siendo de sus mejores trabajos, sí que mantiene un notable nivel.
Empecé a oir del director alemán Roland Emmerich en los 80 con dos películas en su país que me parecieron mediocres, El principio del arca de Noé y El secreto de Joey. Seguí sin verle la gracia en su llegada a EEUU, Soldado universal, Independence day 1 y 2, Godzilla, 10000 y 2012 me parecen un espanto y salvo de la quema en parte a Estación lunar 44, El patriota y El día de mañana, por lo menos filmes más aceptables y sensatos que otros delirios catastrofistas suyos; para mí, y digan lo que digan sus defensores, el declive actual del blockbuster hollywoodiense comienza con Emmerich.
Hace tiempo que no la veo, pero en su estreno en 1994 Stargate (bautizada en su momento en tono irónico por algunos como Stargay por el tono, personaje de Jaye Davidson y la orientación sexual de Emmerich) me pareció el filme más interesante de Emmerich- Era tan delirante y por momentos risible como otros títulos de su filmografía, pero era mucho más divertida y entretenida, tenía un excelente villano como el ambiguo Jaye Davidson (hace tiempo que no sé nada de él, ignoro si sigue en activo) y el carisma de Kurt Russell y James Spader. No era la octava maravilla, pero sí un buen filme comercial.
También se benefició de una extraordinaria banda sonora de un excelente compositor británico que prácticamente comenzaba su carrera en este filme, su filme anterior Los jóvenes americanos no recuerdo si lo he visto. David Arnold ha seguido en varias ocasiones con Emmerich (sus bandas sonoras son lo mejor de Independence day y Godzilla) , ha compuesto con muy buenos resultados los tres últimos filmes Bond de Pierce Brosnan y los dos primeros de Daniel Craig, y tiene títulos muy destacados como Los últimos guerreros, Zoolander,The Stepford wives y Cuatro hermanos, pero para mí Stargate sigue siendo de momento su obra maestra, su tema principal es uno de mis preferidos de los años 90.
Con unos días de retraso ha llegado la noticia del fallecimiento del actor estadounidense William Smitn. Especializado en papeles de tipos duros y villanos, ha participado en muchas películas y series de televisión, pero para mí los más recordados son el del padre de Conan en la película de John Milius y sobre todo uno de los más icónicos villanos de la televisión estadounidense de los 70, Falconeti en la serie Hombre rico, hombre pobre. Descanse en paz este buen secundario
El "heroico" duelo a muerte en el OK Corral en la ciudad de Tombstone entre por un lado los Earp y Doc Hollyday y por otro los Clanton (lo de las comillas es porque según muchos historiadores los Earp eran otro grupo de forajidos con estrella de sheriff) es uno de los hechos de la historia del Oeste más versionados en el cine, la mejor para mí Pasión de los fuertes de John Ford. Desde el punto de vista musical, ha dado lugar a grandes bandas sonoras de Jerry Goldsmith, Bruce Broughton y James Newton Howard, y volveré en otras ocasiones a ellas, pero hoy me apetecía empezar con Duelo de titanes, la versión de 1957.
Es la versión más clásica del duelo después de la de Ford. Tiene muchas inexactitudes históricas como la mayoría del cine clásico y es uno de los primeros grandes westerns de John Surges, tras Fort Bravo y el western moderno Conspiración de silencio, y tiene una pareja protagonista de gran altura. Burt Lancaster y Kirk Douglas, muy bien acompañados por Rhonda Flemig, Jo van Fleet, John Ireland, Jack Elam, y Lee van Cleef entre otros. Aunque prefiero la versión de John Ford, me parece un excelente western,
La banda sonora es otra obra maestra de un maestro del género como es Dimitri Tiomkin, la canción interpretada por Frankie Lane es todo un icono del cine de los años 50.
Cuando se anunció el rodaje de La pasión de Cristo, casi todo el mundo pensó que a Mel Gibson se le había ido definitivamente la olla: parecía un proyecto delirante un proyecto sobre las últimas horas de Cristo, estrellas, gore y hablado en lenguas muertas (arameo, latín y no recuerdo si alguna más). Todos pensaron que se la pegaría.
Las críticas y la polémica se ensañaron con él en el estreno, desde el punto de vista no cinematográfico le tacharon de ultraconservador y antisemita (como siempre se ha hecho con Gibson personaje público, yo personalmente no me iría de cañas con él), y la crítica de cine en general lo puso a caer de un burro, le acusaron de sádico y de montar un show gore gratuito a costa de Cristo. La sorpresa fue en taquilla, contra todo pronóstico arrasó especialmente en EEUU, donde se convirtió en uno de los filmes más taquilleros del año; en relación taquilla-presupuesto, estoy casi por decir que es el filme más rentable de la historia del cine junto con El proyecto de la bruja de Blair.
Desde mi punto de vista como crítico, no soy de los que se ensañaron con la película, aunque me parece inferior a los otros filmes de Gibson director, a mí me parece una película interesante, Gibson hace un buen trabajo de dirección, el trabajo de fotografía de Caleb Deschanel es muy bueno y tiene una notable interpretación de Jim Caviezel, la mejor de su carrera junto con La delgada línea roja. No es de mis películas favoritas sobre Cristo (mi preferida sigue siendo El evangelio según San Mateo de Pasolini), pero es un filme notable
De lo que conozco del compositor John Debney, me parece un artista notable, a menudo infravalorado por hacer cine comercial: Los supersónicos, El retorno de las brujas, Muerte súbita, La isla de las cabezas cortadas, The relic, Mentiroso compulsivo, Se lo que hicistéis el último verano, Inspector Gadget, El fin de los días, Spy kids, Princesa por sorpresa, Zathura, Historias de San Valentín, Iron man 2, Jobs, El libro de la selva (2016) y un larguísimo etcétera desde el punto de vista musical en muchas ocasiones más que interesante. Hijo de un productor de Disney y creo que he leído en algún sitio ultraconservador, La pasión de Cristo es la obra más personal de Debney, su única nominación hasta ahora al Oscar y de las que conozco su obra maestra, su música es magnífica.
Es sorprendente que, siendo en mi opinión Henry Fonda uno de los mejores actores de la historia de Hollywood, solo tuviese tres nominaciones al Oscar, dos como actor (Las uvas de la ira y En el estanque dorado) y una como productor (12 hombres sin piedad), la razón del ninguneo a Fonda me es inexplicable. Lo acabaría ganando por su última película, En el estanque dorado; muy enfermo, ya no lo recogería en persona, falleció pocos meses de ganarlo.
En el estanque dorado es ya un clásico del cine de los 80. Basada en una obra de teatro de Ernest Thompson (aquí la interpretaron también maravillosamente Héctor Alterio y Lola Herrera hace unos años), narra la historia de un matrimonio anciano que recibe la visita de su nieto y su hija, con la que el padre siempre ha tenido una tensa relación. Además del Oscar para Fonda, fue el cuarto y último para Katherine Hepburn, que sigue manteniendo el record de Oscar de interpretación, no igualado de momento aunque Daniel Day-Lewis, Meryl Streep y Frances McDormand estén cerca. Ganó también el Oscar a guión adaptado y el terceto protagonista se completa con Jane Fonda.
Es la película más recordada y premiada del director estadounidense Mark Rydell, que creo que sigue vivo con 92 años de edad, en su filmografía destacan La zorra, Los cowboys, Permiso para amar a medianoche y Cuando el río crece; de las que he visto o recuerdo, En el estanque dorado me parece su mejor filme.
También fue nominado Dave Grusin por la banda sonora. Lo tenía complicado ganar el año de Carros de fuego, pero me parece un trabajo bellísimo, uno de los mejores del gran compositor.
Durante varias décadas, el cine de piratas estuvo maldito para la taquilla hasta la llegada de Piratas del Caribe, creo que la última serie o película que funcionó fue Sandokán. Después, la lista de fracasos es extensa, las más sonadas La isla, Piratas de Polanski y La isla de las cabezas cortadas.
La primera víctima de la maldición fue El corsario escarlata. Está muy olvidado actualmente este filme de 1976, diría que no está disponible en streaming, y eso que tenía un reparto atractivo: Robert Shaw, Genevieve Bujold, James Earl Jones, Peter Boyle y Anjelica Huston entre otros, Dirigida por un director poco conocido llamado James Goldstone (su filme más conocido es Montaña rusa), tuvo una acogida crítica y fría, y una mala taquilla. Le tengo cariño de mi época de programas dobles que veía de niño, pero hace tiempo que no la veo, no se cómo la habrá tratado el tiempo.
Si la he puesto aquí es porque la banda sonora de John Addison me parece más que notable, el autor de Un puente muy lejano, La huella y Tom Jones hizo un tema principal de aire aventurero y bufo muy divertido.
El fallecimiento de Richard Donner me ha hecho cambiar la banda sonora prevista para hoy (llegará mañana si no hay más noticias tristes hoy después del tremendo día ayer) para hacerle un homenaje. Desde mi punto de vista, hay cuatro bandas sonoras que destaco en su filmografía; dos ya han pasado por esta sección, La profecía y Supermán, por lo que no las voy a repetir.
Me quedaba la duda entre Los Goonies y Arma letal, y aquí ha influido mi opinión personal sobre ambos filmes. No me disgusta ni mucho menos Los Goonies, pero no soy fan del filme, para mí no está al nivel en la filmografía de Donner de La profecía, Supermán, Lady Halcón (aún siendo muy discutible su banda sonora) y Arma letal, por lo tanto me inclino por el filme de 1987 para el homenaje.
Aún habiendo tenido taquillazos anteriores como Límite 48 horas y Commando, Arma letal marca junto con Depredador el comienzo del máximo esplendor del productor Joel Silver, aquel que le hizo dominar la taquilla con sagas como las dos mencionadas, Jungla de cristal y títulos como Demolition man. Creo que aparte de la comercialidad de sus propuestas, Silver tenía muy buen ojo para elegir los directores adecuados y de eso se beneficia Arma letal.
Sobre el papel, Arma letal era otra buddy movie más, sobre una pareja de policías investigando un asesinato y un contrabando de drogas. Si se puso por encima de la media fue por la personalidad de su director, su guionista y sus actores principales.
Richard Donner era muy bueno haciendo filme de acción, todas las set pieces del filme, las cómicas y las de acción están a gran altura, especialmente ese climax en plena ciudad de Los Ángeles. Seguiría a muy buen nivel en la segunda y un poco menos en la tercera y cuarta, por unos guiones inferiores.
Fue el primer guión de Shane Black. El tipo me da la impresión de que está tan loco como Martin Riggs y es sumamente irregular, pero tiene mucho talento para el cine de acción como demuestran El último boy scout, El último gran héroe, Memoria letal, Kiss kiss bang bang. Arma letal sigue siendo uno de sus mejores guiones.
Y tiene dos actores con gran química y carisma. Mel Gibson ya había demostrado ser más que una promesa con Mad Max y los filmes con Peter Weir, pero el filme que lo consagra como estrella de Hollywood es Arma letal. A ello contribuyó un estupendo actor como es Danny Glover, sin química entre los dos protagonistas es difícil hacer una buena película, entre ellos fue brutal y la siguieron manteniendo en sucesivas entregas. El filme de 1987 tiene además dos excelentes villanos como son Mitchell Ryan y Gary Busey.
La banda sonora corre a cargo de dos grandes como Michael Kamen y Eric Clapton. El contraste entre la guitarra para Gibson y el saxo para Glover es muy bueno, se ha convertido con justicia en un clásico de las bandas sonoras de los 80.
Sin ser exagerado, creo que Richard Donner es uno de los directores que mejor cine y televisión omercial ha hecho en Hollywood en los últimos 50 años, creo que la única que no me ha gustado nada de las que fue Timeline. Reconozco que no he visto o no recuerdo haber visto sus tres filmes anteriores a La profecía (X-15, Sal y pimienta y Twinky), pero a partir del filme sobre la llegada del Anticristo: nos ha dejado unos cuantos filmes que son ya clásicos. Supermán, Lady Halcón, Los goonies, la saga Arma letal, Los fantasmas atacan al jefe, Asesinos y Conspiración. Descanse en paz este director a menudo infravalorado por la crítica más sesuda.
Hoy ha sido un día de tristes fallecimientos relacionados con el cine. Creo recordar que el periodista Tico Medina había hecho alguna cosa de cotilleo y en ella había hablado de cine, pero no estoy muy seguro, por eso lo menciono de pasada.
Sí que tengo que hacer un pequeño homenaje a Raffaella Carra como actriz, aunque no haya visto demasiado de ella. Me constan algunos peplum de Maciste y de Hércules, pero son tantos los que hizo Italia en los 50 y los 60 que no recuerdo si los de Carra los he visto o no. El único filme de Carra que estoy seguro de haber visto es El coronel von Ryan, filme bélico de Mark Robson protagonizado por Frank Sinatra y en el que Carra tenía un papel secundario, Descanse en paz una cantante y presentadora icono de la televisión italiana y española y cuyas pegadizas canciones siempre recuerdo con cariño.
Es una pena que Chicho Ibáñez Serrador dirigiese solo dos películas por su dedicación a la televisión, Tanto esta como La residencia Quien puede matar a un niño son dos clásicos del cine de terror hispano y dos filmes de culto de un grande de la televisión y el cine en España.
Basada en una novela de Juan José Plans, era una película atípica por ser un filme de terror rodado en su mayor parte de día y por lo truculento de la trama sufrió cortes en algunos países. Narra la historia de dos turistas extranjeros que llegan a una isla ficticia que solo está habitada por niños. Es una obra maestra perturbadora que ha influido en muchos directores posteriores.
El compositor argentino Waldo de los Ríos se nos fue demasiado pronto por su suicidio a los 44 años, pero lo que dejó es muy bueno. En televisión, lo más conocido es la sintonía de Curro Jiménez y en cine; La vida sigue igual, La residencia, El hombre de Río Malo, En un mundo nuevo, La corrupción de Chris Miller y La menor. De lo que conozco o recuerdo, ¿Quién puede matar a un niño? es su obra maestra, su "dulce" tema principal resulta terrorífico como es tradición en el cine de terror.
El director británico Jonathan Glazer tiene hasta el momento una filmografía breve de culto, aunque con división de opiniones. Sexy beast tuvo buena aceptación y se recuerda por la interpretación de Ben Kingsley,Reencarnación tuvo mala acogida en un principio de crítica y público aunque tuvo mejor recibimiento en el Festival de Sitges y Under the skin se convirtió en título de culto con el tiempo tras una acogida fría.
La que ocupa hoy este artículo es Reencarnación, Birth en su título original. Para algunos resulta ridícula y muy políticamente incorrecta actualmente la historia de una mujer que conoce a un niño que quiere casarse con ella por ser la reencarnación de su marido muerto. Destaca por la gran interpretación de Nicole Kidman y Cameron Bright y no es plato del gusto de todos, las veces que la he visto me parece un filme más que notable.
Es junto con La joven de la perla la banda sonora que lanza a la fama fuera de Francia a Alexandre Desplat, Me parece un trabajo bellísimo y uno de los mejores de su primera época..
Con una película bélica en muchas ocasiones hay reacciones encontradas, hay quienes consideran un filme pacifista y quienes un panfleto militarista, ha pasado con El cazador, con El puente sobre el Rio Kwai (alucino con los que la consideran imperialista, no han entendido las intenciones de dos comunistas como los guionistas Carl Foreman y Michael Wilson con los personajes de Guiness, Holden, Hawayaka y Hawkins, no se hace una película imperialista que protagonicen tres sádicos y un cobarde, entras ganas de desertar de cualquier ejército, aparte de que la brújula moral es James Donald, aunque sobre el innecesario subrayado final del personaje) y con Patton.
Patton camina sobre la cuerda floja, es la más ambigua ideológicamente de las tres; por un lado admira a Patton como estratega, pero el magnífico guión de Coppola y Edmund H Nortelo está cuestionando en cada momento sus delirios de grandeza y su comportamiento público y privado (la brújula moral o Pepito Grillo aquí es el personaje de Karl Marlden, mucho más sensato que Patton); tampoco cuadra en una película militarista que comience con la arenga más famosa de la historia y justo después se muestre en los títulos de crédito una masacre, le pareció raro hasta a George C. Scott que pidió poner la arenga en otra parte del filme. Acabó de liarla un imperialista como Richard Nixon que la consideraba una de sus películas favoritas. Vista recientemente en pantalla grande, me sigue pareciendo uno de los mejores biopics de la historia del cine, el mejor filme de Franklin J. Schaffner después de El planeta de los simios y una de las mejores interpretaciones de la historia del cine con un colosal George C. Scott, Ganó siete Oscars, entre ellos película, director, guión y actor para Scott, que salvo despiste mío fue la primera persona que rechazó el premio porque no estaba de acuerdo con los galardones, no le gustaba que aquello pareciese una carrera de caballos a ver quién llegaba primero.
No ganó el de banda sonora, fue para la más popular y más discutible Love story, pero ha quedado como una de las más grandes creaciones de Jerry Goldsmith, su fanfarria principal es mítica y uno de los temas más famosos de su discografía.
En sus primeros filmes como director, Clint Eastwood ya había demostrado ser un cineasta muy a tener en cuenta, Escalofrío en la noche, Infierno de cobardes y Licencia para matar son muy notables películas de género; para mi la menos interesante de sus primeros años es Primavera en otoño, la volví a ver en el confinamiento y creo que ha envejecido bastante mal.
Y gustándome mucho las ya mencionadas, creo que la primera obra maestra de Eastwood como director es El fuera de la ley. Mil veces se ha visto el caos que fue en el Sur el final de la Guerra de Secesión, con los norteños no tan amigables como parecía, y muchos sureños pasándose al bandidaje (el más famoso, Jesse James), pero pocos cineastas lo han mostrado con la crudeza y la ambigüedad de Eastwood, su personaje es un antihéroe y pocos personajes hay agradables en este duro western; aquí ya empieza a mostrar la maestría en el género que confirmaría con creces en El jinete pálido y Sin perdón (Infierno de cobardes está muy bien, pero me parece un peldaño por debajo de las otras tres). Fue la primera película que hizo con la actriz Sondra Locke, pareja romántica y artística suya a partir de entonces y cuya relación según Locke fue muy tormentosa, si lo que dice es cierto lo considero violencia de género. Les acompañan muy bien Howard Vernon y Chief Dan George.
Junto con Grupo salvaje, es la mejor banda sonora en el western del injustamente olvidado por muchos Jerry Fielding. Su fanfarria con instrumento de viento de viento de acompañamiento es una obra maestra.
