Hace tiempo que voy de decepción en decepción con Julio Medem, su último filme de ficción que me resulta interesante es Lucía y el sexo y los documentales La pelota vasca y Uno por ciento esquizofrenia ya tienen unos cuantos años. Desde luego, me cuesta encontrar en las mediocres Ma ma y El árbol de la sangre al director que me fascinó en Vacas, La ardilla roja, Tierra y la que ocupa hoy el artículo de bandas sonoras.
Los amantes del círculo polar es una de sus mejores películas, una de las de más éxito y de las que mejor refleja su particular estilo poético: La historia de dos enamorados con nombres palíndromos desde la infancia es un clásico del cine español de los últimos 30 años y tiene un excelente reparto con Najwa Nimri, Fele Martínez y Nancho Novo.
Fue nominada a cuatro Goyas, solo ganando el de montaje y banda sonora. Me parece una de las mejores creaciones de Alberto Iglesias.
Jonathan Demme era casi un desconocido en España antes del éxito de Algo salvaje y el posterior Oscar de El silencio de los corderos. Sus películas o se habían estrenado mal o no se habían visto en cines, y eso que Melvin y Howard tenía dos Oscars a guión y actriz secundaria. Algunas como Tres mujeres peligrosas, Luchando por mis derechos y Tratar con cuidado reconozco que no las he visto o no las recuerdo.
Sí que ví con varios años de retraso The last embrace, mal titulada aquí El eslabón del Niágara (el título en España y el cartel original son dos groseros spoilers viendo el final); se estrenó de tapadillo casi a mediados de los 80 siendo del 79 y de tapadillo, yo la ví en programa doble los primeros días de estreno, no recuerdo si se vio en cines de estreno en Barcelona.
No siendo de lo mejor de un Demme que aún estaba un tanto verde, me parece un buen trhiller. Mejor no contar nada de la intrincada trama sobre un agente secreto que pierde a su mujer en un atentado y empieza a recibir misteriosos mensajes; trama que se desvela a lo Vértigo unos minutos antes del final del filme. Tiene un gran reparto con Roy Scheider, Janet Margolin, Charles Napier y Christopher Walken.
En este filme de aire hitchcockniano, Demme recurrió a un genial compositor que había trabajado con el director compositor. Me parece una de las grandes creaciones de la etapa final de Miklos Rozsa, su tema principal es inquietante e imponente.
Las historias de viajes en el tiempo tuvieron su máximo esplendor en cine a finales de los 70 y en los 80. Algunas como Los pasajeros del tiempo o Regreso al futuro ya han pasado por esta sección, hoy toca un filme que quizás ha quedado más olvidado actualmente, pero al que le tengo mucho cariño. Es además la primera banda sonora que pongo de un gran compositor británico injustamente poco conocido por el gran público, prometo poner más obras de él
El final de la cuenta atrás fue un pequeño éxito sorpresa en 1980. Producida por uno de los hijos de Kirk Douglas y por Lloyd Kauffman, posteriormente creador de la psicotrónica productora Troma, era un notable filme sobre un portaviones que en 1980 se ve trasladado por un agujero en el tiempo a 1941 en las horas previas a Pearl Harbor. Se convirtió para mí en película de culto y le tengo mucho cariño, aunque hace tiempo que no la veo, no se como la ha tratado el tiempo. Me parece una de las mejores películas del artesano Don Taylor, especialista en secuelas y remakes como La profecía 2, Huida del planeta de los simios y La isla del Dr. Moreau (1977); tiene un gran reparto con Kirk Douglas, Martin Sheen, Katharine Ross, James Farentino y Charles Durning.
Es una de las grandes creaciones del compositor John Scott, Sorprende que sea tan desconocido para muchos alguien que ha trabajado en muchos proyectos con Jacques Cousteau y en películas como Billy dos sombreros, La leyenda de un valiente, Dispara a matar, Bala blindada, Marco Antonio y Cleopatra, King Kong 2 o Greystoke; sorprendentemente, nunca ha estado nominado al Oscar. De los trabajos que conozco o recuerdo de Scott, El final de la cuenta atrás me parece uno de sus mejores bandas sonoras, su fanfarria es majestuosa.
Terminó L'altre festival, el festival de teatro que se organiza desde 2015 dedicado a la salud mental y en el que participan compañías de todo el mundo, tanto profesionales como amateurs. Se nos han ido las cabras que eran el símbolo de la edición de este año y nos han dejado con muchas ganas de que llegue la próxima edición.
Es un gran placer participar como actor, espectador y voluntario. Este año de pandemia, L'altre festival ha demostrado que está más que consolidado como evento cultural, que ha podido con las dificultades que ha llevado la pandemia y que ha hecho una edición tan buena como las ediciones que transcurrían en circunstancias normales. Solo he echado de menos a mi buen amigo el gran clown Marcel Escolano, que no ha podido asistir y hacer de maestro de ceremonias por estar actuando en Praga. Su sustituto, el clown y showman Pep Callau, ha estado también a gran altura, el festival no se ha resentido ni mucho menos por la ausencia de Marcel, mi deseo es que en próximas ediciones puedan estar los dos si sus otras actuaciones se lo permiten a ambos.
Ha sido la presentación de El viaje, la nueva obra de nuestra compañía Teatro de pacotilla. Espero que haya gustado a nuestro público, por las primeras reacciones al acabar la representación creo que sí. Nacida de nuestras experiencias, escritos y trabajos audiovisuales durante la pandemia, era una delirante, surrealista y muy divertida visión de lo que ha pasado durante el confinamiento. No sé si a Fernando Simón y a los responsables sanitarios les haría mucha gracia lo que hemos llegado a hacer con las EPIs durante la función, pero nos lo hemos pasado en grande. Tenemos otra función el 8 de julio, ya hablaré de ella entonces.
Y en cuanto a mi valoración a mi actuación... Ayer repasaba todo lo que he hecho como actor teatral desde que empecé en 2015 a los 49 años, cuando ni se ocurría pensar en ponerme delante de un público a actuar. Da vértigo ver lo que he hecho desde entonces: si no me he dejado nada, de momento van diez espectáculos o perfomances diferentes en 6 años, más de uno representados en varias ocasiones. Añadir a Teodorico, mi personaje alter ego facha que nació como broma en una reunión on line de nuestro programa de radio y que sigue como mosca cojonera en el programa de radio y en alguna actuación. Son muchas cosas las que he hecho como actor, y espero que vengan muchas más, no sé como lo verán los espectadores y los directores de los diversos espectáculos, pero cada vez me siento más seguro, tranquilo y a gusto en un escenario, espero seguir haciéndolo durante mucho tiempo.
En próximos días haré otro artículo con una antología de las fotos que me lleguen del festival, todavía falta mucho material oficial que no se ha publicado
El director británico John Badham ha tenido grandes éxitos en su carrera como Fiebre del sábado noche o Juegos de guerra, pero su versión de Drácula pasó más desaapercibida. Actualmente para muchos es un filme de culto, y algunos aspectos románticos del Drácula de Coppola ya están aquí.
Como el primer filme de Bela Lugosi, esta basada en la obra de teatro y no directamente en la novela de Bram Stoker, y tiene un excelente reparto con Frank Langella repitiendo el papel que ya había hecho en teatro, Laurence Olivier y Kate Nelligan. Por discusión sobre el aspecto visual del filme existen dos versiones con grandes cambios en la dirección de fotografía, una con colores vivos y otras con colores más fuertes.
Es una enorme creación de Johnn Williams, No demasiado habitual en el género de terror, la dotó de un tono memorable de romanticismo y terror con un gran tema principal.
Como siempre, los "origiinales" que se quejan de la "poca originalidad" reciente de Pixar dirán que es demasiado infantil o que es una nueva versión disimulada de La sirenita (yo añadiría que también Coco y Ratatouille están en la misma onda, y lo digo como un piropo a Luca que sea la historia de un incomprendido en su mundo que quiere hacer cosas nuevas en otro, para mí es mantener un estilo propio, no falta de originalidad), para mí Luca es una nueva obra maestra, y lo único que critico a Disney y Pixar es que no se pueda ver en cine.
Luca es un espléndido debut en el largometraje del director italiano Enrico Casarosa, además de un prodigio de animación y del sentido del gag un cariñoso homenaje a su tierra la Liguria (por lo que veo es genovés) con dos personajes "monstruosos" encantadores (no entraré en lo del posible mensaje LGTBI, aquí no toca y no la veo clara la relación que ven algunos con Llámame por tu nombre, este filme es otra cosa diferente), más algunos excelentes personajes como la abuela (¿otra mención a Coco?) o el gato. Que siga así Pixar, pero mejor que le dejen estrenar también en cines.
Tres años después de su estreno, sigo sin explicarme el éxito y las buenas críticas de una película como Un lugar tranquilo, me pareció aburrida y tópica. La segunda parte es más de lo mismo, incluso tiene más erroeres.
El prólogo sobra, lo que nos cuenta no hacía falta conocerlo porque ya estaba implícito en la primera, solo sirve para presentar un personaje nuevo que se podía presentar de otra manera. Lo demás, no hay guión nuevo, es una repetición de situaciones de la primera y encima hay una incongruencia que a mí me chirría: si en el prólogo los monstruos han atacado por el aire no tiene sentido el punto débil que se dice posteriormente. Puede entretener si no se es muy exigente, pero me parece una película muy sobrevalorada. La banda sonora, como la primera, también sobra, sería más efectiva y lógica la película sin música.
Le salga mejor o peor la película, Álex de la Iglesia es uno de los directores más personales del cine español. Su estilo mezclando el esperpento más grotesco y la acción creo que no tiene otro cineasta que lo haga así, y aunque a veces no acabe de estar en la altura, pocas películas suyas me han disgustado.
Mis preferidas son El día de la bestia. La primera no la pongo aquí en principio por ser una banda sonora principalmente de canciones, pero la segunda me parece uno de los mejores trabajos de un compositor murciano que, sorry, no había pasado por aquí todavía y que intentaré que no sea la última vez que aparezca.
La comunidad es una muy divertida comedia negra sobre una empleada de una inmobiliaria que esconde el dinero que encuentra en un piso y que es perseguida por la delirante comunidad de vecinos que anda detrás del botín. Tiene un gran reparto: Carmen Maura, Emilio Gutiérrez Caba, Terele Pávez, Sancho Gracia, María Asquetino, Jesús Bonilla, Manuel Tejada, Eduardo Antuña y Kiti Mánver entre otros. Está inspirada claramente en la Rue 13 del Percebe, y desde luego me parece mucho mejor que las series Aquí no hay quien viva y La que se avecina inspiradas en el mismo comic.
Roque Baños había empezado a destacar con el primer Torrente , y desde entonces sigue siendo uno de los más destacados compositores españoles actuales. La comunidad me parece una excelente banda sonora con una buena mezcla en el tema principal entre lo grotesco y lo misterioso. Primera aparición de Baños aquí, prometo que no será la única.
David Lynch ya había dado suficientes muestras de lo peculiar que era como director en Cabeza borradora, pero después había hecho dos películas "convencionales" (si es que podemos considerar convencional algo del maestro) como la estupenda El hombre elefante y la fallida Dune. En 1986, vuelve a la rareza con una obra maestra como es Terciopelo azul. Premiada en Sitges, es admirada por muchos, pero sus detractores le dicen también de todo, había la broma de "linchar a Lynch".
Vista ahora, Terciopelo azul es incluso de comprensión normal comparada con Mullholland Drive, Carretera perdida, Inland Empire o las últimas temporadas de Twin Peaks. Lynch narra con maestría y con su inconfundible estilo la historia de un estudiante que a partir de encontrar una oreja humana inicia una investigación y una relación con diversos personajes muy lynchianos. Tiene un gran reparto: Kyle Maclachlan, Isabella Rossellini, Denis Hopper, Laura Dern, Dean Stockwell, Hope Lange y Brand Dourif.
Es la primera colaboración entre Lynch y el que será después su compositor habitual Angelo Badalamenti. Posee la sensualidad y el misterio perfectos para la película, a mí me parece excelente aunque sea menos conocida que la mítica canción que da título a la película y que interpreta Isabella Rossellini en el filme.
Aún siendo considerado por muchos un director comercial, Jean-Jacques Annaud siempre me ha parecido cuando está inspirado un director bastante extraño, a mí no me parecen tan descaradamente comerciales películas como La victoria en chantant, En busca del fuego, El nombre de la rosa, El amante o Enemigo a las puertas, siempre tienen algún elemento extraño o peculiar.
El oso tuvo un gran éxito en el mundo entero y es una de sus mejores películas, pero no me parece una película convencional, Annaud se la jugó con una historia con muy pocas palabras, dos intérpretes como son dos osos que no es muy habitual en el cine que no es de animación (Benji y otros animalitos célebres no son lo mismo que aquí, tienen más apoyo "humano" en la historia) y dos personajes humanos desagradables aunque se acaben redimiendo en parte. A mí me pareció una gran película, aunque tuviese sus detractores.
También tuvo detractores la banda sonora de Philippe Sarde por usar mucha banda sonora no original, especialmente de Chaikovsky. A mí me parece una excelente adaptación en las partes no originales y uno de los mejores trabajos del francés en las partes originales.
Lo había hecho más a menudo en el otro blog (recordad que aunque lo cerré en 2015, www.carlosmartinez.blogia.com todavía se puede visitar), pero no lo había hecho tan a menudo en mi blog lo de comentar mis actuaciones como actor en teatro y otros medios audiovisuales. Con vuestro permiso, lo vuelvo a hacer a partir de esta Nit de crims si no créeis que os doy demasiado la brasa con mis temas personales.
Para los que lo vean por primera vez en mi blog, Nit de crims es una obra teatral organizada por el Centre Cívic del Carmel, donde se representa cada año una obra original y distinta de los años pasados, y en donde al estilo de las novelas de Agatha Christie y el juego del Cluedo se produce un asesinato y el público tiene que averiguar quién es el asesino o asesina con las pistas que dan los personajes en distintas escenas. Está protagonizada por actrices y actores no profesionales y aunque llevaba haciéndose algunos años antes, yo me incorporé al proyecto en la edición de 2019.
Esta vez y debido a la situación de la pandemia, la preparación de Nit de crims fue diferente a la de otros años, tres de los actores previstos comenzamos en marzo a hacer un video previo con vistas a un posible estreno en junio. No recuerdo si lo había puesto antes en este blog, lo vuelvo a poner por si acaso no lo hice:
No sé si a mis compañeras de vídeo que hacen el primer y último personaje que salen en él les pasó lo mismo o si sabían algo más que yo (el resto de personajes no vuelve a salir en la obra, sí algún actor o actriz interpretando personajes distintos), en mi caso tenía muy poca información sobre el personaje, solo lo que se ve en el vídeo, ni por dónde iba a ir la trama, solo que se ambientaba en África en un safari.
Al empezar a ensayar ya empecé a ver por dónde iban los tiros: antropóloga asesinada en 1912, objeto perdido (una piedra mágica) y muy pocas pistas: una placa sobre información de alergias, un mono de peluche y un mapa de una constelación. Clásico y muy divertido enredo policíaco, con un macguffin en toda regla (dos si contamos al mono) y varios personajes en la actualidad buscando el macguffin, el objeto del deseo, el tesoro, el material del que se hacen los sueños o como lo queramos llamar. Espero que el público se lo pasase muy bien con este enredo, por las reacciones creo que sí, y como casi siempre la mayoría descubrió en este caso a la culpable.
Y descubrí qué tipo de personaje era aquel abogado, un tipo de personaje nuevo para mí, muy jugoso y muy divertido de hacer.
Además de saber que tenía otro personaje en la obra, más cómico, más secundario pero no menos caramelo para un actor con ganas de pasárselo bien: un vigilante que más bien vigilaba poco, que estaba todo el rato dormido y que se enteraba poco de lo que pasaba por alrededor. Muy divertido de hacer también.
El abogado tenía más jugo como he dicho. Aparte del lado cómico en el vídeo con sus desventuras con el bául y la escalera, lo que le pasaba en la obra no tenía desperdicio: combate de esgrima, duelo dialéctico con uno de los malos por la piedra dichosa (había más estocadas con la lengua que con el florete), aceptación de soborno y traición por un cheque en blanco y finalmente redención al salvar a la chica de morir a manos de los malos. Comedia, acción, drama y finalmente heroicidad, todo en uno y menos mal que no llegó a la tragedia porque llegó la autoridad antes, lo dicho, una juerga para interpretar. Aparte de lo complicado de interpretar tanto giro en cuestión de pocos minutos, destacar mi "momento Errol Flynn" jugando con la espada, no tiene desperdicio aunque evidentemente no me voy a ganar la vida con la esgrima.
Y como novedad respecto a otros años, el actuar en un espacio abierto como la montaña del carmelo y con mascarillas. Lo primero es una gran experiencia que ya había hecho en alguna otra ocasión y que da un tono distinto a la actuación muy diferente de hacerlo en un sitio cerrado como una sala teatral o un centro cívico. Lo de la mascarilla espero que no tengamos que volver a hacerlo salvo que lo exija el guión como el caso de los coladores para la esgrima.
Y llega el momento de los agradecimientos. Gracias al equipo del Centre Cívic por ofrecernos hacer esta obra un año más, y por confiar en mí como actor, como siempre, podéis contar conmigo para nuevas Nits de crims y otros proyectos.
Gracias a mi directora y director Gemma y Marius. Segunda vez que me dirigen cada uno de ellos (Gemma no participó en mi primera Nit y Marius solo preparó la segunda sin llegar a dirigirme) y primera vez que me dirigen los dos juntos. Además de estupendos directores, los considero también mis amigos, y me han ayudado mucho en los momentos que más dudas pudiese tener de cómo interpretar a los dos personajes. Espero seguir trabajando con los dos en nuevas Nits de crims.
Y finalmente, gracias a mis compañeras y compañeros de reparto: Terry, Sara, Antonio, Mercedes, Graciela,, Isabel, Raúl, Samara, Laura y Elías. Salvo si haces un monólogo, la actuación es un trabajo de equipo y compenetración con el resto del reparto, y no he podido estar en mejor compañía en esta obra. Excepto con Isabel que era la primera vez que estaba en una Nit de crims con los demás ya he coincididoo en otros trabajos. y siempre es un placer volver a repetir con ellas y ellos, ojalá repitamos todo el reparto en la próxima edición.
En los próximos días haré una selección de fotos de la actuación y las publicaré aquí con el habitual vídeo resumen que hará otro crack como Jordi Romero al que no había mencionado todavía.
El tormento y el éxtasis es otra gran prueba de que Carol Reed era mucho más que el director de El tercer hombre. La historia de la construcción de la Capilla Sixtina por parte de Miguel Ángel y su conflicto con el papa Julio II en la tardanza en acabar tuvo una acogida relativamente tibia en el momento de su estreno, pero se ha convertido en un clásico, y tiene dos excelentes interpretaciones de Charlton Heston, aún no siendo las primeras opciones cuesta pensar en las anteriores aún siendo muy buenas, Burt Lancaster como Miguel Ángel y Spencer Tracy y Laurence Olivier como Julio II.
Tuvo 5 nominaciones a los Oscars, pero no en las categorías principales. Como siempre, Alex North se fue de vacío (Dr. Zhivago era demasiado contendiente aunque seas muy bueno), pero me sigue pareciendo una de sus más bellas e imprescindibles partituras; en algunas partes de la banda sonora también colaboró otro genio, Jerry Goldsmith.
Hoy es por fin el día en que hacemos la primera actuación de Nit de crims, el espectáculo teatral que h prepara cada año el Centre Cívic del Carmel de Barcelona, que estábamos preparando desde el pasado marzo y en el que colaboro como actor por tercer año consecutivo. Dado que que el tema de este año era un safari en África, había hecho un miniciclo africano compuesto por Los demonios de la noche, Hatari! y la que comento hoy, Las minas del Rey Salomón en la versión de 1985 (he utilizado en otro blog y radio Congo, la comentaré más adelante por aquí ya fuera de ciclo.)
Las minas del Rey Salomón es una de las más conocidas novelas de aventuras africanas, creada por el escritor británico H. Riders Haggard. Su popularidad convirtió en icono a su personaje principal Alan Quatermain, tanto que se convertiría en personaje de comic en La liga de los hombres extraordinarios, comic que adaptado al cine se convirtió en la lamentable despedida del cine de Sean Connery.
Me constan cuatro versiones en cine de la novela. Creo que no he visto la de 1937 y la de animación de 1986, la de 1950 es un clásico del cine de aventuras protagonizado por Stewart Granger y Deborah Kerr. Podría haber sido la película elegida para la sección hoy, pero me apetecía hoy ser un poco más gamberro e iconoclasta y hablar de la versión de 1985.
En medio de sus delirios de grandeza de querer convertirse en una major y en medio de sus disparatadas y muy divertidad películas de acción con Chuck Norris, Charles Bronson y ninjas varios, Cannon no se corta un pelo y produce una versión de la novela de Haggard, que es más una copia descarada de Indiana Jones que una adaptación fiel de la novela. Evidentemente, no está a la altura de la película de Spielberg (está más o menos al nivel de alguna que hizo el rey de la serie Z italiana Antonio Margueritti), tiene los problemas habituales de presupuesto de Cannon y no se la puede tomar en serio. Pero como cachondeo grindhouse no tiene precio, tiene momentos "inolvidables" como un enorme caldero caníbal de cartón piedra y un reparto que no tiene precio ni aunque se tomen en broma: Richard Chamberlain, una casi debutante Sharon Stone, Herbert Lom y el actor de Indiana Jones y El señor de los anillos John Rhys-Davies. Para bien y para mal, es un perfecto ejemplo de cómo se las gastó Cannon en los 80, la ví de nuevo en cine el año pasado y sigue siendo una juerga.
Lo mejor, la banda sonora. Vale que Jerry Goldsmith no dudó en copiar el estilo de En busca del arca perdida, pero hasta copiando es mejor que la mayoría de los otros músicos para cine cuando son originales, su fanfarria para Las minas del Rey Salomón me parece muy buena.
En el spaguetti western nos acordamos sobre todo de los que hicieron los tres Sergios (Leone, Corbucci y Sollima) y algo menos de los que dirigieron otros directores. El día de la ira de los que conozco o recuerdo me parece uno de los mejores. Es de argumento y desarrollo un tanto atípico, en la medida en que lo protagoniza un bastardo convertido en héroe, en que casi ningún personaje es de fiar o se comporta de manera poco honorable en algún momento (el único que no tiene aspectos negativos diría que es el de José Calvo) y que tiene un duelo a caballo pocas veces visto en la historia del western. Está protagonizado por dos iconos del spaguetti western como son Giulanno Gemma y Lee van Cleef.
Es el western más conocido junto con Mi nombre es ninguno y Una razón para vivir y otra para morir del director Tonino Valerii, antiguo ayudant de dirección de Leone y que aquí se mostró como un buen discípulo, aunque el filme tiene un tono distinto de los de Leone.
La bandas sonora corrió a cargo de otro grande como es Riz Ortolani. Me parece una de sus mejores obras y su soberbio tema principal ha sido utilizado por Tarantino en más de un filme.
Gigante era la gran producción de Warner para 1956, pero lo que pasó después del rodaje convirtió a uno de sus actores en leyenda. Antes de que se estrenara, James Dean falleció en un accidente automovilístico. El actor conseguiría una nominación al Oscar por su interpretación.
Aparte de lo sucedido con Dean, Gigante es una excelente película. Basada en una novela de Edna Feber, autora también de Cimarrón y Magnolia (la que versionaron James Whale y George Sidney, no la de Paul Thomas Anderson), se centra en el matrimonio entre el dueño de un enorme rancho en Texas y una joven del Norte, y cuenta los conflictos con un joven rebelde que se hará rico al encontrar petróleo y los conflictos racistas que provocará el matrimonio del hijo de la pareja con una india. Está muy bien dirigida por George Stevens y tiene grandes interpretaciones de Dean, Rock Hudson, Elizabeth Taylor y Mercedes McCambridge. Aún ganando el Oscar al mejor director George Stevens, fue la gran derrotada de los Oscars, fue la única estatuilla del filme un año en que se repartieron el pastel La vuelta al mundo en 80 días y El rey y yo.
1956 fue un año de nominaciones y Oscars póstumos. Dean no ganó frente a Yul Brynner, pero Victor Young sí que logro la estatuilla de manera póstuma por La vuelta al mundo en 80 días, ya comentada aquí. No ganó Dimitri Tiomkin por Gigante, pero me parece uno de sus mejores trabajos épicos.
Cannon hizo mucho delirio en los 80 y principios de los 90 (de hecho, esta semana pasará por aquí una muy trash, no la desvelo de momento), pero entre tanto disparate hubo perlas como El tren del infierno y las películas que hizo Tobe Hooper para la productora, sin ser perfectas La matanza de Texas 2 y el remake de Invasores de marte, me parecen destacables y la mejor, Lifeforce.
Lifeforce tiene un argumento muy serie B, una nave extraterrestre que llega al planeta Tierra escondida en el Cometa Halley y la lía. Hooper exhibe toda su maestría en el género y tiene un gran acierto de casting en la inquietante Mathilda May No tuvo buena acogida de crítica y público, pero ha quedado como filme de culto entre los aficionados al terror y los fans de Cannon.
No es muy habitual ver a Henry Mancini haciendo filmes de terror y es una pena oyendo el resultado que obtuvo con Lifeforce, a mí me parece una banda sonora muy buena y su tema principal es imponente.
Hoy ha fallecido uno de los mejores actores secundarios estadounidenses de los últimos 50 años. A Ned Beatty se le debe estar recordando ahora en muchas partes como el simpático sicario de Lex Luthor en Supermán, pero quedarnos solo con esa interpretación sería quedarnos muy cortos. Empezó por todo lo alto desnudo y violado en Deliverance y su década de los 70 fue casi perfecta con El juez de la horca, Los traficantes, Nashville, Todos los hombres del presidente Network (su única nominación al Oscar) y Sangre sabia. En el resto de su filmografía quizás hay demasiada televisión y películas olvidables, pero siempre aportaba buen hacer hasta en la peor película. En su último gran papel no le vimos, puso su voz al "oso amoroso" de Toy story 3. Descanse en paz un grande.
Dentro de los peplum que Hollywood produjo en los años 50 y 60. no es El cáliz de plata precisamente uno de los más destacados. Habría caído en el olvido de no ser porque Paul Newman hizo su debut en cine con este filme (llegó a pedir perdón años después por su actuación) y porque artistas como Scorsese reivindicaron posteriormente algunos aspectos como el trabajo de decorados de Rolfe Gerard. La he visto muy pocas veces y siempre me ha parecido bastante ridícula la historia del artesano que quiere hacer un cáliz de plata con el Santo Grial y del falso Mesias que aparece (figura histórica por lo que parece ser). Tiene un gran reparto con Newman, Virginia Mayo, Pier Angeli, Jack Palance, Joseph Wiseman y Lorne Greene, pero me parece una de los peores peplum que hizo Hollywood.
Lo mejor junto con los decorados es sin duda la banda sonora. Franz Waxman era muy grande y su mezcla entre espectáculo, romanticismo y misticismo es muy superior al resto de la película.
El personaje del Zorro fue creado por el escritor Johnston McCulley en 1919, y al año siguiente ya protagonizaría el primer clásico de sus aventuras, en la piel del gran Douglas Fairbanks, dirigida por el injustamente olvidado por las nuevas generaciones Fred Niblo. Ha conocido muchas versiones en cine y televisión, pero creo que los que más han quedado en la memoria son Alain Delon, Anthony Hopkins, Antonio Banderas (algún día hablaré de ellos por aquí) y por encima de todas la que hoy ocupa mi artículo: El signo del Zorro
En 1940, Tyrone Power está en su mejor momento como galán y héroe de aventuras, acaba de hacer Tierra de audaces y vendrán posteriormente entre otras Sangre y arena, El hijo de la furia, El cisne negro y El filo de la navaja. Dado que el proyecto era de 20th Fox y era una estrella del estudio parecía el actor perfecto para interpretar a Don Diego de la Vega y lo fue, borda tanto el aspecto más aventurero, granuja y humorístico como el más "cobarde". Le acompañan muy bien Linda Darnell y Basil Rathbone
Todo ello gracias a la dirección de Rouben Mamoulian. Como Niblo, ha sido injustamente olvidado y ninguneado por algunos durante mucho tiempo, pero los que hemos visto El hombre y el monstruo, La Reina Cristina, Sueño dorado, Sangre y arena o La bella de Moscú sabemos que era un director más que notable y sobresaliente en ocasiones como en esta versión del Zorro, para mí la mejor de las que conozco.
La banda sonora corrió a cargo de otro grande. Alfred Newman hizo un gran tema de aires españoles, es otra joya del genio.
Siendo uno de los hechos más famosos de la segunda mitad del siglo XX, el asesinato de Kennedy en la Elm Street de Texas está como referencia más directa o indirecta en numerosas películas, pero hay dos que la han tratado directamente. La primera, Acción ejecutiva, no es demasiado recordada salvo por los muy cinéfilos, las veces que la he visto me parece más que notable.
La segunda es uno de los filmes más conocidos de Oliver Stone. JFK parte de la investigación del fiscal Jim Garrison sobre el magnicidio, destaca por su magistral uso del montaje, por el trabajo de fotografía de Robert Richardson (Oscar en ambas categorías) y por un gran reparto: destacan Kevin Costner, Tommy Lee Jones y Sissy Spacek, pero también están en papeles más o menos importantes Gary Oldman, Kevin Bacon, Donald Sutherland, Jack Lemmon, Michael Rooker, Ed Asner, Walter Matthau, John Candy y un largo etcétera. Fue recibida en su momento con algo de división de opiniones como suele pasar con el cine de Oliver Stone, actualmente ya es un clásico del cine.
Y tiene una hermosa banda sonora de John Williams con un gran tema elegíaco principal como homenaje al presidente asesinado.
Aunque había escrito o coescrito antes guiones para otros géneros (el más famoso, Hasta que llegó su hora), Dario Argento debutó con un filme de terror, El pájaro de las plumas de crsital, giallo donde un escritor estadounidense observa un intento de asesinato sin que pueda hacer nada para intervenir. Con él comenzaría la carrera que se convertiría en uno de los directores más icónicos del giallo, y comenzaría una trilogía "animal" completada por Cuatro moscas sobre terciopelo gris y El gato de nueve colas.
He vuelto a ver el filme durante la pandemia y creo que ha envejecido mal. Reconozco a Argento en el uso truculento del crimen y las retorcidas tramas, pero me gustan más los otros filmes de la trilogía "animal", y está lejos de mis películas preferidas de Argento, Rojo oscuro, Suspiria, Inferno, Tenebre y Phenomena. La intriga me parece un poco floja y el asesino o asesina se ve venir. Encabezan el reparto Tony Musante, Suzy Kendall, Enrico Maria Salerno y Eva Renzi.
Lo que se ha mantenido mejor es el trabajo de dos maestros, la fotografía de Vittorio Storaro y la banda sonora de Morricone. Su tema principal en forma de nana parece tierno, pero resulta muy inquietante, aún no estando entre lo mejor del maestro me parece muy bueno.
El director Manuel Gómez Pereira tuvo su momento más interesante en los años 90, con comedias de gran éxito como ¿Por qué le llaman amor cuando quieren decir sexo? o Boca a Boca. Perdió fuelle con el inicio del milenio, sus películas cada vez tuvieron menos éxito y tras el desastroso thriller La ignorancia de la sangre solo ha hecho televisión. No es mal director, pero es muy irregular..
Junto con Boca a boca, para mí la mejor suya es El amor perjudica seriamente la salud., divertida comedia narrada en dos épocas sobre los amores entre un escolta real y una mujer habitual de la prensa rosa. Tiene un gran reparto con Juanjo Puigcorbé, Ana Belén, Gabino Diego y Penélope Cruz. La recuerdo con cariño, aunque hace tiempo que no la veo, no se cómo ha resistido el paso del tiempo.
Es una de las bandas sonoras más conocidas del compositor Bernardo Bonezzi, autor proveniente del pop y habitual en la primera parte de la filmografía de Almodóvar (Laberinto de pasiones, ¿Qué he hecho yo para merecer esto!) Gómez Pereira y Agustín Díaz Yanes. El amor perjudica seriamente la salud es una de sus bandas sonoras a las que tengo más cariño, me la regalaron en el preestreno de Barcelona y todavía conservo el disco en casa.
Aunque la Nouvelle vague comienza oficialmente con El bello Sergio de Chabrol, la primera película que tiene reconocimiento mundial del movimiento es Los cuatrocientos golpes, el primer filme de François Truffaut. Sigue siendo una de las mejores, más conocidas y premiadas películas del gran director francés. Cuenta en tono semiautobiográfico la historia de Antoine Doinel, adolescente hijo de madre soltera con problemas con su progenitora y con su padrastro, y que emprende una huida de su colegio. El título tiene doble significado, hace referencia a los golpes que le da la vida al protagonista y a una expresión francesa "faire les quatre cent coups", traducible más o menos como hacer mil y una travesuras, gamberradas o transgresiones. El éxito del filme llevó a Truffaut a una especie de saga sobre Doinel, a lo largo de su carrera hizo creo que tres largometraje y un corto más sobre el personaje, con otras dos joyas como El amor en fuga y Besos robados.
Es la banda sonora más conocida del compositor Jean Constantin, hombre de corta carrera en el cine (me constan solo dos películas más como compositor que yo no conozco), pero de larga carrera en la composición de canciones para mitos como Edith Piaff o Yves Montand. La banda sonora de Los cuatrocientos golpes es un clásico y me parece muy buena.
En 1964 la salud de John Wayne se agrava con un cáncer de pulmón, probablemente a causa del rodaje de El conquistador de Mongolia, ya comentado en esta sección. Sobrevivió, a costa de un pulmón y dos costillas. Posteriormente fallecería a causa de un cáncer de estómago a los pocos días de entregar el Oscar a El cazador.
Su última película El último pistolero tiene mucho que ver con su estado de salud, ya empieza a estar muy deteriorado físicamente aunque mantiene todo el carisma. Cuenta la historia de un legendario pistolero muy enfermo que se ve obligado a enfrentarse con unos forajidos, arranca con un hermoso homenaje con imágenes de varios de los mejores westerns de Wayne, y es un gran western crepuscular dirigido por Don Siegel, que parece que tuvo muchos roces con Wayne por su concepción del personaje, pero que no se notan demasiado en pantalla. Acompañan a Wayne un gran reparto: James Stewart, Lauren Bacall, Richard Boone, John Carradine, Scatman Crothers, Harry Morgan y el posteriormente director Ron Howard.
La banda sonora corre a cargo del especialista en el western Elmer Bernstein, como casi siempre en el maestro está a un gran nivel.
Una vez cerrado el periodo digamos neorrealista con La dolce vita, Fellini se embarcó en un proyecto extraño, sobre un director en horas bajas que en busca de creatividad repasa toda su actividad anterior y las mujeres con las que convivió. Le llamó 8 y medio, ya que según el genio de Rímini entre largometrajes y películas de episodios llevaba hechas 8 películas y media.
La obra cumbre para muchos de Fellini me desoncertó la primera vez que la ví, es anárquica, a ratos incoherente y siempre fascinatnte. Creo que esa es la intención del maestro, de mostrar el desconcierto del creador, y lo que hace 8 y medio una obra genial muchos lo han intentado hacer después con a veces muy buenos resultados como Fosse (All that jazz), los Coen (Barton fink) o Almodóvar (Dolor y gloria), pero nadie ha superado a Fellini. Ganó numerosos premio, entre ellos el Oscar a la mejor película, y abre su periodo de madurez, más libertad creativa y ausencia casi total de realismo del director.
Es difícil decir cuál es la mejor interpretación de Marcello Mastroianni, el actor italiano nos dio tan grandes momentos en su filmografía que a mí me es imposible elegir una. 8 y medio desde luego está en mi top 5, quizás solo superada por su interpretación en La dolce vita, imposible olvidar el personaje de Guido Anselmi y su sombrero. Le acompañan entre muchos otros Claudia Cardinale, Anouk Aimée y Barbara Steele.
También es imposible para mí decir cuál es mi composición favorita de Nino Rota para Fellini, a veces depende del estado de ánimo quedarme con una o con otra. Por lo visto, igual que en La dolce vita Fellini no quería música original, e incluyó en algún momento La cabalgata de las valquirias, pero lo que hace Rota vuelve a ser fuera de este mundo, toda la banda sonora es sublime, pero el tema circense es una de las cumbres del maestro.
Hasta ahora en la saga-universo de Expediente Warren han funcionado mejor las películas del matrimonio Warren que las protagonizadas por los monstruos que han ido surgiendo en la saga, tanto los Warren como la muñeca Annabelle y La monja como personajes tienen carisma, pero las dos criaturas no han encontrado de momento una película adecuada que no sea una mala colección de sustos.
El tercer Expediente Warren creo que está por debajo de los dos primeros, aunque tiene más interés que las películas de los monstruos en solitario. Tiene un potente prólogo con homenaje a dos clásicos del terror, y Vera Farmiga y Patrick Wilson siguen teniendo la potente química de las otras, y se agradece la breve aparición del gran John Noble, pero le falla la historia y los nuevos monstruo, No me acaban de convencer las razones de la nueva posesión y la nueva criatura me parece mucho más sosa que Annabelle o La monga, no me da demasiado miedo. Es una respetable nueva entrega, pero esperaba más, se nota que Michael Chaves es peor director que James Wan.
Hamlet es la obra más famosa de Shakespeare junto con Romeo y Julieta, pero su larguísima duración (creo que hecha al detalle puede pasar de cinco horas) hace que normalmente se haga más abreviada, las películas que recuerdo suelen estar alrededor de las dos horas y cuarto o dos horas y media, salvo la versión de 1996.
Kenneth Branagh optó por hacer dos montajes del filme, uno de dos horas y otro de cuatro horas con intermedio si se veía en cines. He tenido oportunidad de ver los dos y no hay color, el de dos horas le faltan demasiadas cosas y algunos de los actores famosos que hacen cameos o personajes cortos han desaparecido. El de 4 horas es impresionante, más teniendo en cuenta que Branagh cambió la época (de la Edad Media a las Guerras Napoleónicas y se olvidó de la tenebrosidad de algunos montajes e hizo una película mucho más colorida y luminosa en contraste con la tragedia contada. Tiene un gran reparto, en papeles principales Kenneth Branagh, Kate Winslet, Derek Jacobi y Julie Christie, y en cameos o papeles cortos Richard Attenborough, Billy Crystal, Judi Dench, Gerad Depardieu. John Gielgud, Rosemary Harris, Charlton Heston, Jack Lemmon, John Mills y Robin Williams. No funcionó en taquilla y me parece la última gran película de Branagh director aunque me guste también la simpática Trabajos de amor perdidos
Es una gran banda sonora del gran compinche de Branagh Patrick Doyle. Sus coros son bellísimos y el resto de la música no le va detrás.
Brad Pitt consiguió uno de los mayores éxitos de la primera atapa de sus carrera con Leyendas de pasión, melodrama con algunas partes de western sobre un coronel retirado del ejército, sus hijos romances y la época de la Primera Guerra Mundial. Personalmente, no está entre mis filmes favoritos del actor, creo que se le va la mano con el tono de culebrón y con el preciosismo en imágenes, la volví a ver hace poco en una sala de cine y sigo pensando lo mismo que cuando la vi en 1995. Lo mejor, Anthony Hopkins, la fotografía de John Toll ganadora de un Oscar y la banda sonora.
Me parece una de las mejores bandas sonoras de James Horner, en su gran momento como se comprobaría al año siguiente con la ya comentada aquí Braveheart, con Titanic y varias bandas sonoras más. El tema principal de Leyendas de pasión es uno de los más recordados del compositor.
Doctor No fue un muy buen aperitivo, pero la película que sienta definitivamente las bases de la saga de James Bond y la mejor para mí es Desde Rusia con amor: es la primera con prólogo, los títulos de crédito habituales en las películas de Bond, donde se da a conocer más en profundidad a Espectra y a su lider Blofeld aunque no se le vea el rostro y que contiene una canción bondiana aunque sea al final.
Desde Rusia con amor narra el intento de Espectra de hacerse con un codificador de los rusos utilizando a James Bond (también es venganza tras acabar Bond con el agente de Espectra Doctor No). Sean Connery sigue perfecto como 007, tien grandes escenas como la lucha en el tren o la pelea con zapato en una habitación y dos de los mejores villanos de la saga como son Robert Shaw y Lotte Lenya, les acompañan en los principales papeles Daniela Bianchi como chica Bond, Pedro Armendáriz y Vladek Sheybal.
Oficialmente, es la primera banda sonora de la saga que firma John Barry, aunque quede la duda de qué importancia tuvo su colaboración en Doctor No, en la que el juez dictó a favor de Monty Norman. A mí me parece mejor que Doctor No, y me parece excelente aunque el resultado en Goldfinger será aún mejor. Tiene una buena canción interpretada por Matt Monro aunque no sea de mis preferidas de Bond.
El éxito en 1971 de Harry el sucio y French connection provocó en lo años siguientes una marea de tipos duros como no se ha vuelto a ver, es probablemente la época dorada del trhiller estadounidense (que no cine negro, que es otra cosa algo distinta). La mayoría eran policías, detectives privados o maleantes de diverso tipo, pero también destacó un arquitecto con muy malas pulgas y muy vengativo.
No he leído Death wish, la novela de Brian Garfield en que se basa el filme del mismo título de 1974 que aquí se tituló El justiciero de la ciudad. Según tengo entendido, era una crítica al concepto de justiciero y a los peligros de tomar venganza. El director Michael Winner optó por lo contrario, por hacer una glorificación de Paul Kersey, arquitecto que tras el asesinato de su mujer y la violación empieza a cargarse a todo maleante que se le cruza con el camino. Aunque tenga cierta ambiguedad en el tono, es de moralidad discutible, pero como película me parece muy respetable, Michael Winner en los 70 me parece mejor director que lo que la crítica más sesuda considera. Fue uno de los grandes éxitos de los 70 de Charles Bronson, acompañado en el reparto con el gran secundario Vincent Gardenia, Hope Lange y Jeff Goldblum en uno de sus primeros papeles.
Lo que viene después es ya historia del cine de videoclub ochentero más canalla. En 1982, el inefable Menahem Golam y su productora Cannon compra los derechos para hacer la secuela (la primera estaba producida por Dino de Laurenttis, aficionado a veces al trash, pero de filmografía más respetable) y hace Death wish 2, titulada aquí Yo soy la justicia. El resultado es casi una fotocopia, pero hecha con tal desfachatez que vista ahora provoca más risas que la primera (lo pude comprobar en Phenomena antes de la pandemia), la crítica la pone a parir, pero vuelve a ser un gran éxito. Golam se envalentona y hace la tercera entrega, la más delirante, desmadrada y para mí la mejor, Charles Bronson cargándose tribus urbanas varias no tiene precio. Vendrían dos entregas más ya más rutinarias y un tardío remake con Bruce Willis, desde luego son las tres primeras entregas de Death wish las que convierten a Charles Bronson en el rey de los videoclubes y del cine de acción.
La banda sonora del primer filme es obra de un grande del jazz. Herbie Hancock no ha hecho muchas bandas sonoras originales para el cine, su trabajo en Death wish me parece más que notable.
Al director, productor y guionista Pedro Masó le debemos un buen número de grandes éxitos del cine y la televisión españoles como Las chicas de la Cruz Roja, La gran familia, La ciudad no es para mí, Sor Citroen, Las adolescentes, Anillos de oro o Brigada central (volveré en más de una ocasión a su filmografía si encuentro las bandas sonoras, muy complicado a veces en el cine español). Pero si me tengo que quedar con alguna como mi favorita, para mí es Atraco a las 3, producida y coescrita por Masó y dirigida por José María Forqué.
Siempre me ha parecido una de las grandes parodias del género de atraco junto con Oro en barras y Rufufú. De la primera toma la idea de que el atraco sea planeado por un empleado del banco, y de la segunda toda la picaresca y los personajes de mala muerte que planean el robo y como la censura obliga no acabarán de salirse con la suya. El filme es una gran sátira sobre la sociedad franquista más gris que soñaba como fuese por salir de pobre, y contó con un gran reparto, encabezado por José Luis López Vázquez (inolvidable su "un admirador, un amigo, un esclavo, un siervo") y con Cassen, Gracita Morales, Agustín González, Manuel Aleixandre, José Orjas y Alfredo Landa como secundarios. Fue la primera película de Landa, y curiosamente el banco real donde se rodó la película años después fue atracado por el método del butrón, hecho que se muestra en el filme documental Apuntes para una película de atracos.
La banda sonora es un clásico del compositor argentino Adolfo Waitzman, afincado muchos años en España y con larga trayectoria en cine y televisión: Diferente, La gran familia, Las 4 bodas de Marisol, Los que tocan el piano, Una vez al año ser hippy no hace daño y la sintonía del Un dos tres entre muchas otras- De los filmes que le conozco o le recuerdo, Atraco a las 3 me parece uno de sus mejores trabajos.
