Otras bandas sonoras: Heat

 Cuando en 1995 se estrenó Heat, para muchos suponía el primer trabajo juntos de Robert de Niro y Al Pacino, ya que en El padrino II no compartían ninguna escena.. En ese sentido supuso una decepción, ya que solo coinciden en una escena en un restaurante, las malas lenguas incluso soltaron el rumor de que no habían querido rodar la escena juntos y que habían hecho la escena por separado, las fotos que hay de rodaje confirman que el rumor es falso.

Una vez superada la "decepción" de verlos poco juntos, lo que queda es uno de los mejores trhillers de los 90 y la que es para mí obra maestra de Michael Mann con permiso de El dilema y Collateral. El juego entre el gato y el ratón  entre un ladrón de bancos que prepara un gran golpe y el policía que trata de atraparlo está rodada con maestría y en la memoria cinéfila ha dejado grandes momentos como el del atraco final  Está rodada en localizaciones reales y de Niro y Pacino están muy bien aunque actúen por separado, es una lástima que con el cambio de milenio la calidad media de sus interpretaciones haya caído tanto. 

Para mí es una de las mejores creaciones del compositor Elliot Godenthal, No es una música electrónica "fácil" de escuchar, pero es muy efectiva dentro de la película.

Otras bandas sonoras: La ley del silencio

 De todos los maestros del cine que han trabajado en Hollywood, Elia Kazan es el más polémico por razones politicas. Delatar a 9 personas en 1952 en la Caza de brujas por actividades comunistas es algo que está siempre muy mal visto y le acompañó el resto de su carrera, su Oscar honorífico en 1998 levantó ampollas.

Y su película más polémica es La ley del silencio, mucho más que la abiertamente anticomunista Fugitivos del terror rojo. La ley del silencio es desde el punto de vista cinematográfico una obra maestra, el guión de Budd Schulberg es perfecto, Kazan narra con maestría la historia del exboxeador quedelata a su mafioso jefe del sindicato portuario, y tiene un grandísimo Marlon Brando al frente de un reparto donde sobresalen Eva Marie Saint, Lee J. Cobb, Rod Steiger y Karl Malden. Ganó 8 Oscars, entre ellos el segundo como director para Kazan, el primero para Brando y el único para Saint.

Pero como he dicho, es la historia de una delación, y viene justo dos años después de la delación del propio Kazan. Cuesta no pensar que el filme es una autojustificación del director a lo que hizo, comparando a los comunistas con mafiosos. Teniendo en cuenta que muchos de los delatados o no volvieron a trabajar en Hollywood o tardaron en hacerlo en condiciones normales, el filme visto desde este punto de vista es muy reprobable.

Aunque le recordemos por ser el autor de West side story, la única banda sonora que compuso Leonard Bernstein expresamente para una película fue La ley del silencio. Me parece una grandísima banda sonora, y esta sin discusiones políticas.

Ed Asner 1929-2021

 

Hoy ha fallecido el gran actor estadounidense Ed Asner. Fue un extraordinario actor en cine, generalmente en papeles secundarios, salvo en Up, donde puso voz al anciando protagonista. Entre los más destacados que recuerdo, El Dorado, Distrito Apache el Bronx y JFK.

Pero la fama y la popularidad le llegarone en televisión a través del personaje de un periodista. Lou Grant. Primero fue un personaje cómico en la serie The Mary Tyler show, rebautizada aquí ridículamente como La chica de la tele, pero que luego  se convirtió en personaje dramático protagonista en el spin of  Lou Grant, ganando varios Emmys por las dos series, no se si es el único actor que gana premios cómicos y dramáticos por un personaje.

Por lo que veo en IMDB, seguía en activo a los 91 años, temía un buen puñado de películas terminadas o proyectos. Descanse en paz uno de los actores más icónicos de la televisión de los 70 y 80.

Otras bandas sonoras: La leyenda del indomable

 La leyenda del indomable es uno de los mayores éxitos de Paul Newman en los 60. Este drama carcelario narra la historia de un preso condenado por robar parquímetros es todo un clásico del gran actor, y han pasado a la historia varias escenas, especialmente una en que se come por una apuesta cincuenta huevos duros. Fue nominada a cuatro Oscars, actor principal, guión, banda sonora y actor secundario, el único que se llevó para George Kennedy, consagrado como gran actor secundario por este filme.

Es la película más famosa del director Stuart Rosenberg, notable artesano procedente de la televisión y que tiene unos cuantos filmes muy conocidos en su filmografía, entre ellos varios con Newman: El sindicato del crimen, Locos de abril, Los indeseables, San Francisco ciudad desnuda, Con el agua al cuello, El viaje de los malditos,Terror en Amityville y Brubaker.

Varios de ellos tienen banda sonora del gran Lalo Schifrin, entre ellos este espléndido trabajo para La leyenda del indomable, nominado al Oscar y de bellísimo tema principal.

Otras bandas sonoras: Simbad y la princesa

 Aunque el marino Simbad, proveniente de la tradición árabe y de los cuentos de Las mil y una noches, ha dado lugar a un buen puñado de películas, las tres más famosas son las que tienen efectos especiales del maestro Ray Harryhausen. En otros artículos hablaré de El viaje fantástico de Simbad y de Simbad y el ojo del tigre, pero hoy me centro en la primera en orden cronológico: Simbad y la princesa.

Teóricamente y por el título original , la película cuenta el séptimo viaje de Simbad, pero incluye criaturas monstruosas del quinto como el Ave roc. En ella, el marino se tiene que enfrentar a un malvado mago que ha lanzado un maleficio a una princesa, y a criaturas como el cíclope, el dragón y un esqueleto espadachín.. Es uno de mis filmes favoritos de Harryhausen, para mí mucho más autor del filme que el diretor Nathan Juran. y está rodada parcialmente  en España.

Y es una obra maestra de Bernard Herrmann, su tema principal y el de la lucha contra el esqueleto están entre lo mejor del compositor para el género fantástico.

Otras bandas sonoras: El gatopardo

 Aunque ya había hecho una obra maestra de época como Senso, y posteriormente hizo alguna otra en época más o menos actual como Sandra y Confidencias, podemos decir que El gatopardo es la película en que Visconti deja atrás su pasado neorrealista (Roco y sus hermanos todavía lo era) y entra en su periodo final de superproducciones y filmes de época.

Es también una de sus mejores películas y una de las cumbres del cine europeo de todos los tiempos. Basada en la única novela escrita por Giuseppe di Lampedusa, Visconti narró de manera sublime la historia del Príncipe de Salina, envuelto en los cambios que provocó la unificación italiana en Sicilia. Ha dejado una frase inmortal como es "todo debe cambiar para que nada cambie". 

Y tuvo un protagonista perfecto en Burt Lancaster. Parecía un error de casting, teniendo en cuenta el origen estadounidense y en las antipodas de la aristocracia del actor, pero no me imagino ningún otro actor en el papel, es quizás mi interpretación favorita de Lancaster con permiso de Chantaje en Broadway y El fuego y la palabra. Le acompañan muy bien Alain Delon y Claudia Cardinale, y en papeles secundarios están Terence Hill y Giulanno Gemma antes de hacerse famosos en los spaguetti western.

Con Nino Rota es complicado saber cuál de sus obras es mi preferida, unos días me quedo con sus trabajos con Fellini, otros con sus padrinos, otros con Romeo y Julieta, y otros descubro o vuelvo a recordar maravilla que estaban algo ocultas. El gatopardo me sigue pareciendo sublime, una de las cumbres del genial compositor italiano.

Otras bandas sonoras: Los Goonies

 A pesar de la multitud de fans que ha ido acumulando con los años y de convertirse en película de culto para muchos, Los Goonies está lejos de estar entre mis películas favoritas de los 80, y tampoco está entre mis filmes preferidos de Richard Donner (muy por detrás de La profecía, Supermán, Lady Halcón y Arma letal). Tampoco fue el bombazo de taquilla en USA  que se esperaba (no tengo datos de España y otros países), un cuarto puesto durante el verano de 1985 y un octavo al acabar el año saben a muy poco para una producción de Spielberg en aquella época  (Regreso al futuro recaudó aproximadamente  5 veces más según datos de Wikipedia), el impacto entre el público se produjo poco a poco.

Y no es que tenga nada en contra de este filme, es entretenido y tiene un muy buen reparto con el descubrimiento de Josn Brolin y dos grandes secundarios como Anne Ramsay y Joe Pantoliano, pero para alguien como yo que se ha criado con los libros de su referente Enid Blython me sabe a poco y prefiero los otros grandes éxitos de Spielberg de aquella década. la ya citada Regreso, Gremlins y Poltergeist, o su gran fracaso comercial El secreto de la pirámide. Tampoco ayuda el estado de ánimo que tenía aquel 1985 por mi depresión, pero recuerdo con mucho más agrado otro filmes del para mí triste 1985.

Lo que siempre me ha parecido más destacado es su banda sonora. Dave Grusin hizo una maravilla, su tema principal tiene un gran tono aventurero y el resto de la banda sonora no le va detrás.

Otras bandas sonoras: Depredador

 No se si es cierto, o si es una leyenda urbana, pero se dice que tras el estreno de Rocky IV algunos comentaron en broma que en la siguiente entrega se tendría que enfrentar a un extraterrestre. El caso es que en 1987, los guionistas Jim y John Thomas tuvieron la idea de mezclar el cine de acción musculoso de los 80 con el cine de ciencia-ficción variante monstruos extraterrestres, y de ahí nació Depredador.

Y fue el lanzamiento de un director muy dotado para el género. El primer filme de John Mctiernan, Nómadas, había pasado completamente desapercibido (no sé si se ha visto en cines españoles, yo desde luego solo lo he visto en vídeo) y en Depredador demostró una gran habilidad en la puesta en escena y el ritmo para la acción, que luego confirmaría en filmes posteriores. Aunque el filme sería otra cosa sin el carisma de Arnie o Carl Weathers, los mayores logros de la película son en el aspecto visual, en ese misterioso extraterrestre al que no vemos hasta el final al ser invisible o ser contada la película con cámara subjetiva. La película se convirtió en un gran éxito y en un clásico del cine palomitero.

Y sin McTiernan, la saga no ha vuelto a funcionar. La segunda mantiene el tipo gracias al reparto y algunas escenas como la del metro, pero se nota que Stephen Hopkins no es tan bueno como Mctiernan. Los dos cruces con Alien no hay por donde pillarlo, partiendo de un chiste de la segunda parte no se puede hacer una buena película si no tienes guión. Finalmente, las dos entregas de Robert Rodríguez y Shane Black son muy flojas, son estirar un chicle que salvo que alguien demuestre lo contrario.

Alan Silvestri demostró con Depredador que demasiado a menudo es un compositor infravalorado. Su tema principal es uno de los más potentes de su carrera, y uno de los mejores fuera de sus colaboraciones con Robert Zemeckis. Es todo un clásico ochentero como la película

Otras bandas sonoras: Raíces profundas

 De entre las estrellas del Hollywood clásico, no es Alan Ladd uno de los que mejor prensa tiene entre la crítica. Mucho se ha hablado de que era demasiado bajito (un respeto, que yo soy más bajo que él) y de que era algo inexpresivo, pero para mí  me merece un respeto alguien que ha hecho filmes como El cuervo, La llave de cristal, La dalia azul, El gran Gatsby, Rebelión en el fuerte, Tambores de guerra o El rebelde orgulloso.

Y por encima de todas, uno de los mayores clásicos del western: Raices profundas, quizás la mejor película del director George Stevens y una obra maestra que ha influido en grandes westerns posteriores como El jinete pálido. Ladd bordó el papel del misterioso pistolero Shane (título original del filme), que ayuda a una familia acosada por un ganadero que quiere sus tierras. A la historia del cine han pasado escenas como el duelo en la taberna y el memorable final con Shane alejándose en el horizonte, malherido o muerto. Le acompañan muy bien Van Heflin; Jean Arthur, Brandon de Wilde, Ben Johnson y Elisha Cook, pero el más recordado fue Jack Palance como villano, lanzado a la fama con este filme.

Es una de las obras maestras del compositor Victor Young, su banda sonora es también un gran clásico.

Otras bandas sonoras: El corazón del guerrero

 Daniel Monzón pasó de ser un excelente crítico a un más que notable director, aún con alguna irregularidad ( Yucatán, su último filme estrenado hasta ahora, fue una gran decepción) ha conseguido muy buen cine comercial con El corazón del guerrero, El robo más grande jamás contado, Celda 211 y El niño. Pronto estrenará su nuevo filme  Las leyes de la frontera, espero que mantenga el buen nivel de casi siempre.

Comenzó muy bien con El corazón del guerrero, notable primer largometraje sobre un chico fan de los juegos de rol que sueña con los personajes de esos juegos. Tiene un notable nivel de producción y una buena interpretación de Fernando Ramallo, y con un Joel Joan más comedido de lo que nos tiene acostumbrado a los que vemos en sus obras de teatro en Barcelona.

Salvo despiste mío, creo que hasta ahora todas las películas de Monzón tienen banda sonora de Roque Baños. El trabajo del murciano en El corazón del guerrero es magnífico, me parece una de sus mejores bandas sonoras.

Annette

 

Leos Carax ya había demostrado en el resto de su filmografía que era un gran, excesivo e inclasificable director, capaz de dividir como poco a la crítica y al público (la que lió con Holy motors todavía colea). No voy a comentar nada sobre la trama de este extraño musical que es Annette, es mejor llegar "virgen" a verla. Decir que me parece una de sus mejores películas, que mantiene intacto su estilo hipnótico y difícil de catalogar y que tiene dos estupendas interpretaciones de un Adam Driver cada vez más versátil e inclasificable y de una Marion Cotillard que me extraña que la hayan doblado en las escenas de ópera habiéndola visto cantar música clásica hace unos años en el Auditori de Barcelona. De momento, me parece la mejor película que he visto en cine este año, aunque no va a ser gusto de todo el mundo.

Nota sobre 10: 8

Free guy

 

No se sí el proyecto de Fox Free guy era anterior a la compra de Disney, si es así algo de "contaminación" ha tenido, y no solo por cierta escena de cameos que no comentaré más para no hacer spoiler. Siendo entretenida, no es más que una copia light y familiar de El último gran héroe y El show de Truman, sobre un pobre tipo que descubre que es el personaje secundario de un videojuego. La diferencia es que Shawn Levy (Noche en el museo, la primera Pantera rosa de Steve Martin) es mucho peor director que John McTiernan y Peter Weir, el filme me parece muy por debajo de los anteriormente citados. Se pasa un rato agradable y se beneficia del carisma y dotes de comediante de Ryan Reynolds, pero nada más, le doy un aprobado justito.

Nota sobre 10. 5

Otras bandas sonoras: Las aventuras de Rabbi Jacob

 Aunque en Francia fuese más taquillera La gran juerga, con permiso del Gendarme de Saint-Tropez el filme más popular de Louis de Funes fuera de Francia me parece Las aventuras de Rabbi Jacob, muy divertida comedia de enredo sobre un rabino y un empresario que perseguido por unos árabes se hace pasar por judío. Es uno de los gramdes éxitos del actor francés de origen español, mal que le pese a sus detractores, y estuvo nominada al Globo de Oro a mejor película extranjera. Tras ella, de Funes tuvo que tomar un descanso de tres años debido a sus problemas de salud.

Es también uno de los grandes éxitos del compositor rumano afincado en Francia Vladimir Cosma. Su pegadizo tema principal me parece muy bueno y francamente muy divertido.

Otras bandas sonoras: Mi nombre es ninguno

 El spaguetti western comenzó a declinar lentamente durante los 70, aunque todavía dejaría películas importantes como Mi nombre es ninguno, filme del género en su faceta más cómica que surgió a partir del éxito de Le llamaban Trinidad. Cuenta la historia de un veterano pistolero (Henry Fonda) que está decidido a dejar EEUU e irse a Europa, pero que en Nueva Orleans conoce a un misterioso personaje sin nombre (Terence Hill). Fue el último western de su director Tonino Valerii, el último de Fonda, el penúltimo del periodo clásico de Terence Hill (no incluyo las muy posteriores Lucky Luke e Y en Nochebuena se armó el Belén) y el penúltimo producido por Sergio Leone, que por lo visto acabó muy mal en el filme con Valerii.

Como casi siempre en el spaguetti western, la banda sonora de Ennio Morricone es soberbia. Su inolvidable tema principal es uno de los mejores temas bufos del maestro y también se tomó licencias con la cabalgata de las valkirias unos años antes de que la popularizase Coppola

Otras bandas sonoras: Yojimbo

 En uno de sus mejores moemtnos de su larga carrera, e inspirándose en la novela de Dashiell Hammett Cosecha roja, Akira Kurosawa hizo una nueva obra maestra llamada Yojimbo, la historia de un samurái que al llegar a un pueblo con dos bandas enfrentadas ofrecía sus servicios a los dos.  Protagonizada por sus habituales Toshiro Mifune y Takashi Shimura, la película se convirtió en un clásico que ganó el premio de interpretación de Venecia para Mifune.

Y 3 años después, un director italiano cogió el guión de Kurosawa y sin pedir permiso ni pagar derechos de autor la convirtió en un western. La historia de Por un puñado de dólares ya sabemos cómo acabó, con Leone y los productores de Yojimbo en los tribunales por acusación de plagio y ganando los japoneses el pleito, dicen que los productores japoneses ganaron mucho más dinero con el filme de Leone que con el de Kurosawa. Algunos han querido ver en Por un puñado de dólares influencias de Arlequín servidor de dos amos de Goldoni, al menos la vez que he visto representada la obra del escritor italiano no veo la influencia, desde luego el filme de Leone es un remake claro del de Kurosawa, el desarrollo es casi igual. Posteriormente Walter Hill sí hizo un remake con permiso nipón, El último hombre; es una buena película, pero creo que inferior a las dos primeras.

Vistas Yojimbo y Por un puñado de dólares, no sé con cuál quedarme, hay cosas que hace mejor Kurosawa  que Leone y al contrario. De Kurosawa admiro la precisión de la puesta en escena, la interpretación de Mifune y el gran uso de la pantalla panorámica, con detalles en segundo plano a los que hay que estar muy atento. Pero creo que Leone le ganó en dos cosas: prefiero el villano que interpreta Gian Maria Volonté que los de Kuroswa, en general más grotescos y peor desarrollados; por otro lado, Leone es mejor en las escenas de acción, a veces Kurosawa resulta un tanto inverosímil cuando Mifune se carga en dos segundos hasta seis enemigos y Leone es insuperable en el duelo final.

Los dos filmes tienen extraordinarias bandas sonoras. Morricone y Por un puñado de dólares no necesitan presentación (de hecho el filme ya pasó por esta sección),. Menos conocido es el compositor de Yojimbo, Masaru Sató tiene una amplia filmografía con Kurosawa (Barbarroja, Sanjuro, La fortaleza escondida, Trono de sangre, El infierno del odio) y en el cine de mosntruos (varias secuelas de Godzila y otras de otros bichitos). En Yojimbo mezcla con maestría la música nipona y la occidental y a mí me parece una genialidad.

Otras "bandas sonoras": Los pájaros

 Probablemente os habré dejado algo perplejos que hoy ponga en esta sección de bandas sonoras Los pájaros, obra maestra de Hitchcock que destaca por la ausencia casi total de música, solo hay una canción en la escena previa al ataque de los cuervos a los niños a la salida de la escuela. Hay una razón: la intervención de un gran compositor en la creación del sonido, fundamental en este filme. el sonido lo puedo considerar aquí "banda sonora".

Aunque ahora casi todo el mundo considera Los pájaros una obra maestra, fue un relativo fracaso comercial en 1963, probablemente era demasiado apocalíptica, inquietante y avanzada a su tiempo, junto con Psicosis forma parte esencial de la creación del cine de terror moderno y en cierta medida avanza también el cine de catástrofes posterior. Es su obra más enigmática, aparentemente no da explicación alguna a los ataques de las aves (digo aparentemente, porque hay un chiste que da una pista, y el maestro no daba puntadas sin hilo: cuando en el restaurante se preguntan por qué atacan los pájaros y un cliente dice "póngame un plato de pollo"creo que  no hace falta decir nada más),.

También se han visto connotaciones sexuales en los ataques de los pájaros, también es una buena explicación, puesto que los ataques comienzan con la llegada de Tippi Hedren y terminan con su huida del pueblo. En ese sentido, el ataque final a Hedren parece una violación, sabiendo ahora el acoso por parte de Hitchcock a la actriz esa escena tiene connotaciones todavía más terroríficas. El final es el más enigmático de la carrera del maestro; que parece que lo quiso alargar con una persecución al coche pero que creo que lo dejó en el momento preciso: uno no sabe si los pájaros han dejado de atacar porque han conquistado el planeta o porque han "cumplido su misión con Hedren"... Sin duda una obra maestra de Hitchcock, para algunos que aprecian menos sus últimos filmes su última gran creación, no para mí que encuentro soberbias Marnie, Cortina rasgada y Frenesí y muy buena La trama (Topaz me interesa algo menos).

Hitchcock decidió prescindir de la banda sonora para que el filme resultase más inquietante, pero le pidió a Bernard Herrmann que se encargase de la creación del sonido de las aves, hecha electrónicamente. El resultado es perturbador, los graznidos y aleteos hieren como puñales. En manos de Herrmann y del montador George Tomasini, es una genialidad, que se ve y se oye perfectamente en la escena del ataque a la escuela, una de las mejores escenas de la carrera de Hitchcock.

Otras bandas sonoras: El último gran héroe

 Cuando en 1993 El último gran héroe se la pegó en la taquilla de EEUU (en otros países fue algo mejor, pero tampoco fue un taquillazo), muchos lo atribuyeron al riesgo de estrenar justo una semana después de Parque jurásico. Creo que hubo algo más, la crítica se cebó con ella (leo las reseñas en Filmaffinity y lo sigue haciendo, en el mejor de los casos son frías) y el público le dio la espalda. Marcó el comienzo del declive de la generación de Stallone, Arnie, Chuck Norris, Steven Seagal y compañía, aún teniendo unos muy buenos 1993 y 1994 (salvo este filme, Máximo riesgo, Demolition man o Mentiras arriesgadas funcionaron muy bien en taquilla esos dos años), comenzaron abundar los fracasos o las decepciones en taquilla de los musculosos héroes de los 80, hasta quedar reducidos a la nostalgia (Los mercenarios) o a los sucesivos reboots tardíos de las sagas.

Y yo sigo sin entender el ensañamiento de la crítica en 1993, no es que me parezca mala, es que está entre mis películas de culto y mis placeres culpables. La vi en 1993 en Portugal unas semana antes de su estreno en España y estaba alucinado ante la lucidez de la autoparodia que habían hecho el director de Jungla de cristal, el guionista de Arma letal y Sschwarzenegger. El filme era una juerga en que todo el equipo se reía de todos los tópicos que había acumulado en los años 80, de los actores encasillados en papeles de villanos (lo de F. Murray Abraham siendo el actor que mató a Mozart vale su peso en oro) y mandaba un aviso de lo que pasó después, de que si no se evitaban esos tópicos el cine de acción caería en el declive que efectivamente se produjo. Supuso el comienzo del declive de John Mctiernan (solo Jungla de cristal 3 le volvió a funcionar en taquilla) y de Shane Black, de irregular trayectoria después como guionista y director. Del amplio reparto de estrellas destacar a Charles Dance, para mí es uno de sus mejores trabajos como villano, el primero que toma conciencia en el filme de que forma parte de una película.

La banda sonora de Michael Kamen quizás no es de las más reconocidas del director, aunque a mí me parece notable, tiene un potente uso de la guitarra eléctrica.

Otras bandas sonoras: Sospechosos habituales

 Sospechosos habituales llegó en 1995 con poco ruido, tenía un reparto atractivo de excelentes secundarios (Gabriel Byrne, Chazz Palminteri, Peter Postlethwaite, Kevin Pollak), dos actores que prometían mucho (Kevin Spacey, Benicio del Toro) y uno que desentonaba (Stephen Baldwin siempre fue muy mal actor9, pero antes del estreno nada hacía prever que aquel filme sobre la investigación de un incendio con numerosos muertos se iba a convertir en un filme de culto y el lanzamiento de su director, su guionista, su compositor y de Kevin Spacey.

Bryan Singer, igual que Kevin Spacey, dudo que vuelva a estar en primera fila si es que no acaba algún día en la cárcel por las acusaciones de abuso sexual que pesan sobre él, pero como director tiene mucho talento. En su segundo largometraje, llevó a la perfección el enrevesado y magnífico guión de Christopher Mcquarrie, del que es mejor no desvelar nada a quien lo veo por primera vez y no sabe quien es ese Keyser Sozer que trae de cabeza a la policía en el filme y que se convirtió en un personaje icónico de la historia del cine. Singer continuó una notable carrera especialmente en el género de superhéroes hasta su despido de Bohemian Rhapsody y McQuarrie se convirtió también en director con muy buenos resultados en las últimas entregas de Misión imposible, el guionista ganó su único Oscar hasta el momento por el libreto original del filme.

Y Kevin Spacey se convirtió en una estrella hasta que la lió parda en su vida personal, en el caso de singer y Spacey, acabaron convirtiéndose en Sospechosos habituales. Ganó su primer Oscar como actor secundario, aunque visto el filme le cuadraba más estar en la categoría de principal puesto que es el alma de la película. 

 Y fue el lanzamiento de un excelente compositor estadounidense, que además es director y montador, su único Oscar hasta ahora es en este último apartado por Bohemian rhapsody. John Ottmam debutó en el cine con Public access, el pimer filme de Singer, y con él ha tenido algunos de sus mejores trabajos: Verano de corrupción, Valkiria, varias entregas de X-Men o el Supermán de 2006. Sospechosos habituales y su inquietante banda sonora me sigue pareciendo uno de los mejores trabajos de Ottman.

Otras bandas sonoras: Alatriste

Aparte de que el personaje público no es santo de mi devoción en los últimos años, lo que le heído de Arturo Pérez-Reverte no me ha acabado de convencer, solo me ha entretenido en el mejor de los casos. Tampoco las  películas basadas en sus libros me han acabado de convencer, de las que recuerdo la que me pareció mejor era El maestro de esgrima, La tabla de flandes, Territorio comanche y La carta esférica simplemente me entretuvieron y La novena puerta y Cachito los considero dos horrores impropios de dos excelentes directores como Roman Polanski y Enrique Urbizu.

Alatriste, la adaptación de varias novelas sobre el personaje más conocido de Pérez-Reverte. me dejó muy frío en 2006. A pesar de su notable nivel de producción, quiso meter demasiadas cosas en una película de 2 h 20 y provocó una película dispersa, lo lógico era más de una película o centrarse en una sola novela. Tampoco ayudó la extraña interpretación de Viggo Mortensen, es básico tener una estrella para un proyecto de envergadura, pero algo extraño había era en su dicción y su manera de hablar como un susurro, no sé si estaba buscada o era por no dominar del todo Mortensen el idioma. Funcionó en taquilla, pero no entusiasmó, Agustín Díaz-Yanes sigue pareciéndome hombre de una sola película, la primera y notable Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto.

Lo mejor me parece la banda sonora. Roque Baños hizo un trabajo muy hermoso, creo que muy superior al resto de la película.

Cuestión de sangre

 

Tom McCarthy había demostrado cierta irregularidad como director hasta ahora, muy bueno en Vías cruzadas y The visitor y bastante menor en Spotlight (el Oscar a mejor película le venía grande), Magia en los zapatos y Win win. En Cuestión de sangre ha ido a peor, me parece su peor película.

Mientras se mantiene la duda  de quién ha asesinado a la novia del personaje de Abigail Breslin, el filme se mantiene con interés, especialmente en la relación entre padre e hija. Pero cuando las dudas sobre el culpable se empiezan a aclarar el filme se viene abajo, lo hemos visto unas cuantas veces yeces, el primer giro de guión está cogido por pinzas por demasiada casualidad en lo que provoc el giro (y además el homenaje a cierto filme es muy claro, no voy a decir qué filme para evitar el spoiler) y el final es torpe. No puedo darle el aprobado, el techo de la relación entre padre e hija lucía bonito, pero los cimientos del filme estaban podridos, el filme se viene abajo, entretiene por Damon y Breslin, pero no es una buena película.

Luego está lo del título. En condiciones "normales" le habría dado al título en España Cuestión de sangre el antipremio Don Erre que Erre por usar un cliché como poner en el título la palabra Cuestión y por repetir un título ya usado en 1994 en la estupenda Little Odessa, llamada aquí también Cuestión de sangre. Una vez visto el filme en su totalidad, me parece hasta buena la traducción Cuestión de sangre, el título original es un calamitoso autospoiler.

Nota sobre 10: 3

Otras bandas sonoras: Qué noche la de aquel día

 Desde que el cine se convirtió en sonoro, hay decenas de cantantes y grupos que han intentado hacer carrera en el cine con resultados dispares y carreras más o menos afortunadas: Bing Crosby, Sinatra, Elvis Presley, Michael Jackson, Diana Ross, Julio Iglesias, Manolo Escobar y un largo etcétera; pondría aparte a Mick Jagger y David Bowie por tener carreras como actores no demasiado centradas en el terreno de cine musical (Sinatra también, perto tiene muchos musicales).

Entre las películas dedicadas a la mayor gloria de un cantante o grupo, Qué noche la de aquel día, el primer filme protagonizado por los Beatles, creo que es una de las más destacadas, por el éxito en su momento y por lo que supuso posteriormente. Concebida como una especie de falso documental sobre una gira de los Beatles, bebía de free cinema británico y de la nouvelle vague, y fue un soplo de aire fresco en el musical. Siendo notables los cuatro filmes de los Beatles, creo que es la más influyente y la más importante de las cuatro, el filme musical español de los 60 y los 70 la copia mucho e influye con fuerza en lo que después se llamaría videoclip.

Es el segundo largometraje del estadounidense Richard Lester y el que le lanza a la fama. Aún siendo un director muy irregular capaz de lo mejor (Robin y Marian, The knack, Golfus de Roma) y de lo peor (Sipermán III, Cuba,  El regreso de los mosqueteros) le echamos de menos en los 30 años que hace que dejó de dirigir, pocas veces me aburrió aunque la película fuera floja.

La banda sonora de Qué noche la de aquel día dejó unos cuantos clásicos de los Beatles como Can't buy me love o She loves you, pero si tengo que destacar una para poner el punto musical de este artículo obviamente es el tema que da nombre a la película.

Otras bandas sonoras: El otro

 Como dije la semana pasada hablando de El cardenal, su protagonista Tom Tryon acabó dedicándose a la literatura. Que yo sepa o recuerde, dos de sus novelas o relatos han dado lugar a grandes películas: Fedora y El otro. De Fedora hablaré en otra ocasión, hoy dedico mi artículo a El otro.

El otro pasó bastante desapercibida en su estreno por lo que veo en sus datos USA, dado su bajo coste digamos que cubrió costes más o menos. Para los aficionados al género de terror se ha ido convirtiendo en  un filme de culto. Aparentemente es otra historia de niño con gemelo "angelical" y diabólico (mejor no seguir para quien no haya visto la película), pero pocas películas recuerdo con una atmósfera tan malsana e inquietante. Para mí es la segunda obra maestra tras Matar a un ruiseñor del muchas injustamente infravalorado Robert Mulligan, quien ha hecho estas dos películas, Amores con un extraño y Verano del 42 no merece el olvido que le tiene parte de las nuevas generaciones de cinéfilo. Está protagonizada por los gemelos Chris y Martin Urdvarnovsky, no me consta que repitieran en el mundo del cine. 

Cuando escucho música de Jerry Goldsmith no sé cuándo me da más miedo, si cuando se pone truculento o cuando se pone "apacible" (Poltergeist y El otro). El tema principal de El otro es bellísimo, hace un fuerte contraste con el inquietante filme.

Otras bandas sonoras: Encuentros en la tercera fase

 La colaboración entre Steven Spielberg y John Williams ha sido casi siempre sobresaliente, pero creo que donde es más importante es en Encuentros en la tercera fase, ya que la música es clave en la trama de la película, ya que los extraterrestres establecen conversación con los humanos mediante la música. El resultado me parece una de las cumbres de Williams y una de las mejores colaboraciones con Spielberg.

Encuentros en la tercera fase fue el tercer largometraje para cine de Spielberg (El diablo sobre ruedas es un telefilme en origen) y el segundo gran éxito del director tras Tiburón. Spielberg narra con maestría el primer contacto entre humanos y unos extraterrestres pacíficos, y en el recuerdo cinéfilo han quedado escenas memorables como el encuentro en la carretera y el climax final en la montaña llamada Torre del Diablo. Protagonizada por Richard Dreyfuss, Melinda Dillon y Teri Garr, es el único papel importante como actor de François Truffaut fuera de sus filmes como director. La película tuvo un gran éxito, no se vio ensombrecida por el tsunami que supuso La guerra de las galaxias ese mismo año; nominada a 8  Oscars, solo ganó 2, fotografía y efectos de sonido.

Como he dicho, Spielberg tuvo la idea de que los extraterrestres solo tuvieran un mensaje musical. Le pidió a Williams únicamente cinco notas para que no se confundiera con una melodía, y tras hacer dicen hasta 250 pruebas, quedaron las cinco notas que han pasado a la historia del cine. El resto de la banda sonora es también genial, me parece una de las mejores creaciones de Williams dentro del fantástico.

Patricia Hitchcock 1928-2021

 

Hoy ha fallecido Patricia Hitchcock, la única hija del genial director británico. No recuerdo si sus interpretaciones en televsión con su padre son más largas, y el resto de su carrera para la pequeña pantalla me es desconocido, desde luego su filmografía en cine es corta y siempre en papeles secundarios: tres películas con su progenitor (Pánico en la escena, Extraños en un tren y Psicosis), Los diez mandamientos (no la recuerdo dónde salía) y Skateboard. Descanse en paz.

Otras bandas sonoras: Rashomon

 Aunque los maestros Mizoguchi y Ozu tenían una larga trayectoria antes de los 50, y Kurosawa llevaba haciendo cine desde 1944, se considera Rashomon la película que dio a conocer el cine japonés en Occidente. Además de dar a conocer a un gran director y a la filmografía nipona, supuso una revolución en la forma de narrar, puso de moda lo que se llamó el Efecto Rashomon, contar una historia desde las diferentes perspectivas de los personajes que protagonizaban la película, sin dejar claro quién podía tener la razón o no; el Efecto Rashomon me queda bastante claro en filmes como Cautivos del mal, La condesa descalza, Las girls y ha llegado hasta la actualidad en filmes como Reservoir dogs, y también en psicología se habla con otro sentido del Efecto Rashomon, pero no me preguntéis qué significa en psicología, no entiendo de esa rama. Ganó el León de Oro en el Festival de Venecia y el Oscar honorífico a la película extranjera (en 1951 todavía no existía esa categoría en competición).

Con todo, soy un poco sacrílego con Rashomon, aprecio el valor artístico e histórico del filme, y las grandes interpretaciones de dos intérpretes habituales en el cine de Kurosawa como Toshiro Mifune y Takashi Shimura, pero no es de mis filmes favoritos de Kurosawa, encuentro algo pesada la forma repetitiva de contar la historia de un asesinato y una violación. Me parece una película muy notable, pero me quedo con el Kurosawa de la anterior El perro rabioso y de las posteriores Vivir, Los siete samurais, Trono de sangre, Yojimbo, Dersu Urzala y Ran.

 Rashomon también dio a conocer en Occidente al compositor Fumio Hayasaka, fallecido prematuramente poco tras componer Los siete samurais.. No se si Hayasaka conocía el Bolero de Ravel, pero su trabajo para Rashomon me lo recuerda mucho, es obsesiva y repetitiva y le va perfecta a la obsesión de los personajes por descubrir la verdad, me parece una obra maestra del compositor japonés.

Otras bandas sonoras: French connection

 El productor Philip D'Antoni ya había avisado con Bullit que el thirller entraba en otra fase más espectacular y por otro lado más seca y más dura. Con French connection no solo lo refrendó, además de ganar el Oscar a la mejor película, dio lugar a la época dorada del trhiller que fueron los 70. Han quedado en el recuerdo las dos mejores escenas que se han rodado en un metro, tanto dentro como fuera de él, y es un gran clásico del cine.

Fue también la puesta de largo de una generación de cineastas y la consagración de un excelente director. Aunque Coppola, de Palma, y Scorsese ya llevaban algunos años trabajando, y el primero ya tenía algún trabajo notable, no eran todavía directores de primera fila de Hollywood. Tampoco era demasiado conocido el director William Friedkin, solo Los chicos de la banda tenía cierta fama. French connection supuso el Oscar para Friedkin y el primero para esta mítica generación de cineastas.

Fue también la consagración de Gene Hackma, pasó con este filme de ser un gran secundario en Bonnie & Clyde y otros filmes a convertirse en una estrella y en uno de los mejores actores estadounidenses de los últimos 50 años, le echamos de menos desde que se jubiló. Fue su primer Oscar, muy merecido por una interpretación antológica.

No deja de ser curioso que Fernando Rey llegase a French connection por equivocación de los responsables de casting y los productores, William Friedkin había pedido a un actor que trabajaba con Buñuel del que no sabía el nombre, le envíaron a Rey y resulta que el que quería Friedkin era Francisco Rabal, que no quiso hacer la película cuando lo llamaron después. No sé qué caracterización de personaje tenía prevista Friedkin para Rabal, no creo que fuese lo que hizo Fernando Rey como elegante y muy discreto traficante dado que el estilo de Rabal es muy diferente, desde luego  Rey.lo bordó y lo lanzó a la fama mundial. 

La banda sonora de Don Ellis era rara en 1971 y lo sigue siendo en la actualidad, no es del gusto de todo el mundo por su uso del jazz y la atonalidad, a mí me parece más que notable. Ellis tiene una corta carrera en el mundo del cine, destacando las dos entregas de French connectio y Los implacables, el único filme como director de Philip D'Antoni.

Escuadrón suicida

 

Tras los primeros días de estreno, veo opiniones muy encontradas ante la segunda entrega de Escuadrón suicida, amigos que se han ido antes de que acabase porque no la soportaban y espectadores y críticos que la han calificado de la mejor película de superhéroes jamás hecha. En mi opinión, ni lo uno ni lo otro: está muy lejos de ser el desastre de la primera (cosa fácil de conseguir, no había por donde cogerla), pero también está muy lejos de ser la octava maravilla que nos han vendido.

Tengo que reconocer que James Gunn no engaña con su propuesta: nos prometió acción a raudales,  cuando comienzan los títulos de crédito a los diez minutos ya la ha liado parda antes y de ahí no para de matar gente y bichos hasta que acaba el filme. También prometió que no sería un filme tipo Marvel y lo cumple... en parte, porque no es el James Gunn familiar de Guardianes de la galaxia y Scooby-doo, es el psicotrónico de los comienzos de serie Z de Troma, su película es puro caos narrativo y lógico, y con una "cutrez" buscada  a propósito: el villano (salido de los comics, el delirio ya estaba en parte ahí), más que una amenaza a veces parece un peluche.

El resultado: dos horas y cuarto de mamporros, balazos y tentetieso, caos argumental (¿tenía trama?) y delirio visual. Se mantiene en pie porque a uno le ponen las pilas el espíritu grindhouse del filme y Margot Robbie, por lo descabellado de algunas situaciones, por el carisma de Idris Elba y porque John Cena da el pego como héroe de acción aunque no tenga ni idea de actuar, pero el filme está lejos de las mejores películas de superhéroes. Simplemente para pasar el rato, se recomeinda ir con chubasquero por si salpica la sangre. Tiene escena poscréditos, que por lo que dicen enlaza con una futura serie de televisión.

Nota sobre 10: 5

Jungle cruise

 

Jaume Collet-Serra cambia de tercio, pasa del terror y el trhiller al blockbuster familiar y de Liam Neeson a Dwayne Johnson. Creo que ha salido perdiendo en el cambio, Jungle cruise es bastante más flojita que sus anteriores filmes.

Parte de un guión que es un cóctel no muy logrado de Piratas del Caribe, En busca del arca perdida y La reina de África con una científica que busca un árbol milagroso en el Amazonas, un capitán de barco, unos alemanes muy malos, unos españoles malos muy fantasmas y alguna sorpresa en algún personaje que evidentemente no cuento aquí. El filme entretiene eso sí por la habilidad de Collet-Serra en la acción y por el carisma de Emily Blunt y Johnson, pero no convence, solo le doy el aprobado justito porque tengo el día tonto y no me molestó demasiado. Entre los secundarios, Dani Rovira como villano cómico, a Quim Gutiérrez todavía lo estoy buscando entre tanto efecto especial de su personaje.

Nota sobre 10: 5

Otras bandas sonoras: El caso Bourne- El mito de Bourne

 Apenas recuerdo la primera adaptación que ví de las historias de Jason Bourne escritas por Robert Ludlum. sobre un espía que pierde la memoria tras su último trabajo. La miniserie de los 80 tenía un carismático protagonista como Richard Chamberlain, aunque era una adaptación bastante libre del personaje, con un carismático protagonista como Chamberlain, acompañado por la ángel de Charlie Jaclyn Smith y estupendos secundarios como Anthony Quayle, Donald Moffat o Denholm Elliot. La recuerdo con cariño, pero no sé cómo la habrá tratado el tiempo.

El caso Bourne era muy diferente. El primer filme protagonizado por Matt Damon era un muy notable filme de espías, con una buena trama, un gran sentido del ritmo y la acción y un excelente reparto con Damon, Famka Potente, Chris Cooper, Brian Cox y Clive Owen. Aún siendo muy destacable, lo que vendría después sería todavía mejor.

Lo que hizo el director británico Paul Greengrass en 2004 con la segunda entrega El mito de Bourne revolucionó el género de acción. Desde el punto de vista temático; aunque ya se entreveía en el filme de 2002.se aprovechó de la confusión pos 11 S, el amnésico  protagonista no era un héroe, sino también un asesino arrepentido de sus actos cuando los descubre buscando venganza. Por otro lado, Greengrass creó una forma de rodar las escenas de acción como no se había rodado hasta entonces, con mucho más sentido del ritmo, planos más breves y cámara más temblorosa; la persecución en la India y el final en Moscú son dos escenas magistrales. Siendo muy buena la tercera y notable la última entrega con Damon, para mí la mejor de la saga es el mito de Bourne, la etapa de Bond con Daniel Craig le debe mucho gustándome también. 

Las cuatro películas de Jason Bourne protagonizadas por Matt Damon tienen banda sonora del excelente compositor John Powell, solo ha faltado a la cita en la entrega que protagonizó Jeremy Renner (el encargado de la banda sonora fue James Newton Howard). La banda sonora del primer filme es notable, pero igual que el filme es mucho mejor la de la segunda, es una de las grandes creaciones para cine de imagen real de Powell.

Otras bandas sonoras: La gran ruta hacia China

 El actor y director Brian G. Hutton había tenido dos taquillazos a principios de su carrera con El desafío de las águilas y Los violentos de Kelly, pero su carrera como director fue perdiendo fuelle, hasta realizar el último filme de Frank Sinatra El primer pecado mortal y hacer su última película, la que ocupa el artículo hoy: La gran ruta hacia China.

Aunque partía de un proyecto anterior que tenía que dirigir John Huston y protagonizar Roger Moore y Jacqueline Bisset, la novela de 1977 de Jon Cleary se acabó convirtiendo en un intento de copiar En busca del arca perdida, con Tom Selleck, el actor que había estado a punto de interpretar a Indiana Jones. No es de las peores copias, aunque no pasa de entretenida, tuvo una acogida tibia en su estreno y ha quedado relativamente olvidada, la recuerdo con cariño, aunque hace tiempo que no la veo.

Lo mejor, la banda sonora de John Barry. Es cierto que se puede considerar una banda sonora menor, y aunque sus detractores dirán que se repite más que el ajo cuando se pone amoroso (se nota mucho el estilo de John Barry, nadie duda escuchándola quién es el compositor), a mí me parece un más que notable trabajo del maestro.

Otras bandas sonoras: El apartamento

 De todas sus obras maestras, El apartamento es la que más me cuesta encasillar en un género determinado, no la puedo calificar de comedia pura al tener muchos elementos de drama y comedia agridulce. La considero precursora de lo que hoy llamamos dramedia, género "fusión" que tiene elementos de drama y comedia.

Es uno de los mejores guiones de la historia del cine, gentileza de Wilder e I. A. L. Diamond. La historia del empleado trepa que cede su apartamento a sus jefes para que lleven a sus conquistas, y que se enamora de una ascensorista que tiene un lío con uno de sus jefes es formidable, no le sobra una coma o un diálogo, y tiene grandes interpretaciones de Jack Lemmonn, Shirley MacLaine y Fred MacMurray. Para mí es una de las cuatro obras cumbre de Wilder junto con Perdición, El crepúsculo de los dioses y Con faldas y a lo loco (lo que no quiere decir evidentemente que desdeñe las demás). Ganó cinco Oscars: película, dirección, guión original, montaje y dirección artística (memorable el trabajo de Alexandre Trauner para que pareciera inmenso el decorado de una oficina que era más pequeño).

No fue nominado el compositor Adolph Deutsch: Ganador de tres Oscars a mejor banda sonora por Oklahoma, Siete novias para siete hermanos y Annie get your gun, es su banda sonora original más conocida y un clásico, a mí me parece  excelente.

Otras bandas sonoras: El cardenal

 En 1963, justo en pleno Concilio Vaticano II que produciría  cambios en la Iglesia Católica menos importantes que lo parecía en su momento (Juan Pablo II se cargó muchos de esos cambios), Otto Preminger realizó uno de sus filmes más provocadores: El cardenal. En él, y a través de la figura de un sacerdote irlandés que acabará siendo cardenal, se hace un repaso a la historia del siglo XX tratando temas espinosos como la relación amorosa de un futuro sacerdote con una mujer, el aborto, el racismo y los derechos civiles. Me parece una de sus obras maestras de su época de superproducciones. con un gran reparto con John Huston, Romy Schneider, Raf Vallone, John Saxon, Burgess Meredith y un largo etcétera. Huston ganó el Globo de Oro y fue nominado al Oscar por este filme.

Una mención especial quería hacer a su protagonista Tom Tryon. Fue intérprete de corta carrera, cuyo papel más destacado fue este y el de otra película de Preminger, Primera victoria. Se retiró a finales de los 60 y se dedicó a ser escritor; una de sus novelas se llevó al cine y dio lugar a una obra maestra de la que hablaré la semana próxima...

Jerome Moross es sin duda un grande de la historia del cine aunque su filmografía sea corta, gracias especialmente a Horizontes de grandeza, El señor de la guerra y esta bellísima partitura para El cardenal. Acompaña a una de las mejores secuencias de títulos de crédito de la historia del cine, gentileza de Saul Bass.

Otras bandas sonoras: Los visitantes

 En 1993, Los visitantes consiguió uno de los mayores taquillazos de la historia del cine francés, con una escatológica película sobre un caballero de la Edad Media que por las malas artes de una bruja se ve trasladado a la actualidad junto con su sirviente. El filme no es precisamente sutil y se puede calificar de astracanada, pero como comedia funciona; confirmó el tirón en Francia  de Jean Reno y lanzó al estrellato al cómico Christian Clavier, que desde entonces se ha especializado en comedias populares y astracanadas. De momento ha tenido dos secuelas menos interesantes y un remake en EEUU que fue un sonoro fracaso económico.

No conozco demasiado al compositor Eric Levi, solo veo en IMDB algunas comedias más con o sin Christian Clavier. Su banda sonora para Los visitantes me parece muy notable,  el tema principal Enae volare es un pequeño clásico del cine francés de los últimos 30 años.

Otras bandas sonoras: La condesa descalza

 Dentro de la filmografía de Joseph L. Mankiewicz, La condesa descalza obtuvo críticas encontradas en su estreno, a pesar de ganar el Oscar al mejor actor secundario, no todos acabaron de apreciar su tristeza y la no linealidad de su narración, e incluso la revista satírica La codorniz le dio el premio a peor película del año (no tenía muy buen ojo a veces el ave, también se lo dio a otra obra maestra atípica como es jOhnny Guitar). Coge algo del "efecto Rashomon", del que hablaré la próxima semana, pero creo que va más allá, no es por el efecto de la moda que provocó el filme de Kurosawa en los 50 de contar la historia desde varios puntos de vista, creo que al filme de Mankiewicz le va perfecto que cada personaje aporte su punto de vista sobre la historia de María Vargas, lo hace más rico y menos plano. Para mí es una de las obras maestras del director y la última gran película de Bogart, con permiso de El motín del Caine, Sabrina y Más dura será la caída, que gustándome mucho creo que están un peldaño o dos por debajo de La condesa descanza. Ava Gardner está maravillosa, Edmond O'Brien perfecto (ganador del Oscar)  y en papeles importantes están Marius Goring, Valentina Cortese y Rosano Brazzi.

Me parece una gran banda sonora de Mario Nascimbene. El sensual bolero es perfecto para lo que cuenta la película y es una de las grandes creaciones del compositor italiano.

Otras bandas sonoras: Waterworld

 El éxito a principios de los 90 del actor Kevin Costner creó una buena legión de lo que hoy llamamos haters que estaban con el hacha de guerra preparada para cuando tuviese un patinazo comercial y/o artístico. El momento llegó con Waterword, distopía futurista sobre un planeta Tierra engullido por las aguas y sobre un taciturno héroe anfibio que intentaba sobrevivir en ese mundo. Costner tuvo todo tipo de burlas: que si era imposible que el mundo se cubriese de agua de esa manera (como si la ciencia ficción tuviese que ver realista), que si sus branquias parecían vaginas, que si era un Mad Max acuático... La película no fue el desastre económico que se predecía, aunque dado su alto presupuesto le costó cubrir costes; el batacazo le vendría a Costner dos años después, de la mano de un cartero del que hablaré en otra ocasión...

Desde mi punto de vista personal, no acabo de entender la inquina contra Waterworld. No es que sea la octava maravilla, pero a mí me parece un muy entretenido blockbuster, con un gran malvado como Dennis Hopper y notables escenas de acción. No siendo de lo mejor de Costner, cumple más que en alguna de más éxito como El guardaespaldas.

Lo mejor de la película es la banda sonora de James Newton Howard, de gran tono épico y con un excelente tema principal.

Tiempo

 Para hacer un buen final sorpresa se necesitan dos cosas: no ser previsible y no dar pistas antes de tiempo. M. Night Shyamalan casi siempre se había mostrado muy hábil en hacerlos, especialmente en El sexto sentido y en El bosque, porque se manejaba muy bien en las pistas, pero con Tiempo ha hecho una chapuza, para mí es su peor final sorpresa, y es porque da pistas nada más empezar, y eso hace daño al resto de la pelicula, la hace previsible y aburrida.

No voy a decir la pista evidentemente, pero a los pocos minutos de empezar un personaje da descaradamente la clave de toda la trama. Está hecho de manera tan torpe y grosera que pensé que era una pista falsa o una maniobra de despiste, pero no, es la clave. Descubrir la clave tan pronto hace que te des cuenta enseguida de qué es lo que pasa en esa playa, y lo que pasa en una trama paranoica mil veces vista en cine y televisión y encima tan de actualidad que me parece oportunista (me sé de algún personaje público que se va a frotar las manos con lo que dice la película). Originalidad cero y además se alarga cuando debería acabar rápido tras la resolución del misterio.

Añadir una narración efectista, a algunos le parecerá hipnótico el uso del sonido y de la banda sonora, acabo cansado de tanto abuso de susto y de tensión que el filme no necesita subrayar. Me parece un flojo filme de un director que lleva demasiado tiempo decepcionándome.

Nota sobre 10: 3

Otras bandas sonoras: Piraña 1978

 Como todos sabemos, el éxito de Tiburón provocó una larga lista de "copiones" que intentaron exprimir con más o menos descaro y fortuna la fórmula de animal monstruoso acuático atacando personas. Creo que al que mejor le salió fue a un joven director procedente de la factoría Corman que hizo su primera película importante con unos pececillos de río adorables.

Si he visto Esas locas del cine, la primera película que codirigió Joe Dante, la verdad es que no lo recuerdo: Piraña tiene el descaro de la factoría Corman haciendo cine de serie B y eso beneficia a un filme muy divertido, y en el que Dante comienza a mostrar su espíritu más gamberro y cinéfilo que le caracterizaría a lo largo de su carrera. Protagonizada por Bradford Dillman y Heather Menzies, es uno de los grandes clásicos de Corman productor en los 70, y al igual que Tiburón tendría al menos dos copias italianas mucho más casposas pero igual de divertidas: Piraña 2, más o menos dirigida por otro alumno de Corman como es James Cameron (más bien el irresponsable del desaguisado es el productor Ovidio G. Asonitis) y Voracidad, del inefable Antonio Margueritti. También tuvo un divertido remake del francés Alexandre Aja.

La banda sonora es una delicatessen del italiano Pino Donaggio. Sobre todo su tema romántico es una maravilla y contrasta perfectamente con lo cafre y gamberro del resto de la película.