Ayer falleció a consecuencia del coronavirus el director español Antonio Giménez-Rico. De lo que recuerdo de él me ha parecido siempre un cineasta irregular, capaz de muy notables películas como Retrato de familia, El disputado voto del Sr Cayo, Jarrapellejos, Las ratas o el documental sobre la comunidad trans Vestida de azul, pero también capaz de alguno de los mayores tostones del cine español de las últimas décadas como Tres palabras o Catorce estaciones. Fue tertuliano habitual del programa de su amigo José Luis Garci Qué grande es el cine y presidente de la Academia del Cine español. Descanse en paz.
En 1973, William Friedkin está en lo más alto de su carrera tras el Oscar por French connection y realiza su siguiente proyecto. una adaptación de una novela de terror de gran éxito del escritor William Peter Blatty llamada El exorcista, sobre una niña que empieza a tener comportamientos extraños, los médicos no encuentran explicación, y tras comprobarse que está poseída por un demonio de origen iraquí recibe un exorcismo por parte de dos sacerdotes. Es curioso que Blatty alcanzase la fama con una novela de terror teniendo en cuenta sus antecedentes como guionista, fue autor de dos libretos cómicos para Blake Edwards, El nuevo caso del Inspector Clouseau y ¿Qué hiciste en la guerra, papi?
El resultado no hace falta decir cuál fue: La película de terror más taquillera de la historia del cine, la más icónica de la segunda mitad del siglo XX, la más reverenciada por la mayoría de los aficionados y también la más parodiada. Contó con un gran reparto: Max von Sydow, Ellen Burstyn, Jason Miller, Lee J. Cobb, Jack McGowran (fallecido repentinamente durante el rodaje, la película tiene fama de maldita en parte por el) y Linda Blair, que saltó a la fama como la niña poseída. El filme estuvo nominado a diez Oscars, ganando 2, guión adaptado para Blatty y sonido.
Y aquí se va a llevar alguno las manos a la cabeza, voy a ser sacrílego (nunca mejor dicho en una película), no está entre mis películas favoritas del cine de terror, incluso dentro de la trinidad del cine diabólico (La semilla del diablo, El exorcista y La profecía), prefiero las otras dos películas. No me la voy a cargar, la considero notable, y quizás sea deformación de conocer la carrera previa de William Peter Blatty, pero la considero más un filme de grand guignol con mucho humor negro que una película de terror. Cada vez que la niña monta el número diabólico me entra la risa tonta (no la incómoda) y los chistes malos cinéfilos de Lee J. Cobb me parecen fuera de lugar. Quizás por el exceso de grand guignol siempre ha sido más parodiable que La semilla del diablo o La profecía, filmes mucho menos propensos a tomárselos a broma. Como filme de grand guignol, sigo prefiriendo Psicosis, ¿Qué fue de Baby Jane? o Canción de cuna para un cadáver, me parecen superiores a El exorcista.
Quizás mi opinión habría variado si Friedkin hubiese utilizado al primer compositor previsto. Lalo Schifrin entregó aproximadamente seis minutos de música terrorífica, empleados en parte para un trailer. Dicen que Friedkin y los ejecutivos de Warner salieron espantados con el trailer, que temían que la gente acabase vomitando en los lavabos por efecto de la música (viendo el trailer, más bien hubiesen sido las imágenes estroboscópicas que utilizaba las causantes de los vómitos, no son muy reocmendables para algunos colectivos y no voy a poner el trailer aquí). Schifrin fue fulminantemente despedido, su música se ha recuperado posteriormente, me parece notable y muy terrorífica, muy en la línea de Bernard Herrmann.
Finalmente Friedkin optó por música previa, y por la música de un músico británico considerado como comercial hasta entonces y que había compuesto un disco llamado Tubular bells. El resultado todos lo conocemos: Mike Oldfield salta a la fama por El exorcista y su composición se convierte en una de las más icónicas de la historia del cine. El resultado también es muy bueno, aunque muy diferente del de Schifrin.
Rafael Azcona es probablemente el mejor guionista de la historia del cine español, y lo solemos relacionar con Berlanga y otros grandes del cine español, pero olvidamos a veces que empezó con un italiano bastante peculiar y que continuó su relación bastante tiempo.
Yo no se cómo a un italiano en plenos años 50 le da por venirse a vender a España lentes de Cinemascope, pero es el caso de Marco Ferreri. Aquí conoce Azcona, hasta entonces escritor y humorista, y ambos entran por la puerta grande en la historia del cine español con dos obras maestras que aún hoy sorprenden que pasen censura: El pisito y El cochecito. Cuando Ferreri abandonó el cine español, no acabaría la relación: Controsesso, Marcha nupcial, L'uomo dei cinque palloni, La audiencia, No tocar a la mujer blanca, La última mujer, Adiós al macho y no se si me dejo alguna tienen guión de Azcona. Y la más famosa y controvertida de todas, La gran comilona.
Marco Ferreri siempre fue un maestro del exceso, si podía pasarse tres pueblos, se pasaba cuatro, y en La gran comilona yo creo que se pasa cinco. La película de 1973 es soez, gamberra y una de las mayores sátiras sobre la sociedad de consumo y la burguesía que se han hecho. En ella, cuatro amigos deciden reunirse un fin de semana para matarse a base de comer, y de paso darse una alegría al cuerpo con unas prostitutas. El resultado no es apto para estómagos delicados y no recomendable para amantes del bufet libre, pero fue un gran éxito, por supuesto prohibida por Franco por su carga sexual. Tiene un gran reparto con Marcello Mastroianni, Philippe Noiret, Michel Piccoli, Ugo Tognazzi y Andrea Ferreol, los personajes tienen los nombres de pila de los actores.
La película fue polémica desde su lanzamiento en Cannes. Fue presentada en la misma edición que otra obra maestra que no tenía pelos en la lengua, La mamá y la puta, y dicen que la presidenta del jurado Ingrid Bergman se llevó las manos a la cabeza ante tales groserías. Por lo que parece se negó a premiar a Ferreri, si le dio el Gran Premio del jurado a La mámá y la puta (ambas si ganaron el premio de la FIPRESCI, dado por los críticos) y le dieron la Palma de Oro a la también excelente El espantapájaros y a la olvidada El equívoco (creo que es de las pocas ganadoras de Cannes que no he visto. La gran comilona sigue provocando hoy en día comentarios extremos, tiene casi tantos admiradores como detractores.
La banda sonora corre a cargo del excelente compositor francés Philippe Sarde. Tiene un divertido tema principal muy acorde con la película.
Con motivo del fallecimiento de Jean-Claude Carrière he variado ligeramente mi plan previsto para hoy. Tenía pensado hablar solo de Las amistades peligrosas, la versión de Stephen Frears, pero el fallecimiento de Carriére hace también que comente como homenaje Valmont, que tiene guión de Carrieère.
En 1988 y 1989, dos excelentes directores europeos hacen dos versiones de la novela Chordelos de Laclos, sobre las maquinaciones amorosas que perpetran los siniestros Marquesa de Merteuil y Vizconde de Valmont. Los resultados de ambas películas me parecen muy buenos, pero como suele pasar en coincidencias de este tipo, una pasa más desapercibida que la otra.
Frears se había ganado un nombre en el cine de autor a principios de los 80, con Mi hermosa lavandería y Ábrete de orejas, pero aún no tenía una película comercial de renombre. Lo consigue con Las amistades peligrosas. Su guionista Christopher Hampton hace un gran trabajo trasladando la estructura epistolar de la novela al lenguaje cinematográfico. Y sobre todo cuenta con un gran reparto; empiezan a destacar Uma Thurman y Keanu Reeves, y Michelle Pfeiffer está muy bien como en casi todos los 80, pero quienes se llevan la palma son Glenn Close y John Malkovich, pocas interpretaciones ha habido más retorcidamente perversas. Nominada a siete Oscars, ganó tres: guión adaptado, dirección artística y vestuario. Es una de las derrotas que más duelen de Close, Jodie Foster en Acusados está a años luz de Close en Las amistades peligrosas. Me sigue pareciendo la mejor película de la etapa comercial de Frears, por encima de Los timadores, Alta fidelidad y la reina
Tiene una notable banda sonora de George Fenton. Fue un año raro en los Oscars, siendo los favoritos Jarre y él, ganó por sorpresa Dave Grusin por Un lugar llamado milagro, quizás pesó que Fenton utilizó en parte música no original, lo que es su partitura original me parece muy reomendable.
Milos Forman optó por un tono menos retorcido en Valmont. El guión de Carrière es más distendido y ligero, y aunque esté un poco por debajo de la versión de Frears, me parece una versión notable, Lanzó a la fama a sus dos protagonistas, Annette Bening y Colin Firth, tienen muy buenas interpretaciones en un tono distinto a los de Close y Malkovich.
Desde el punto de vista musical, es menos interesante, la mayor parte de su banda sonora no es original, sino de la época barroca y neoclásica.
Hoy ha muerto uno de los mejores guionistas de la historia del cine y también uno de los más prolíficos (153 trabajos según IMDB, siendo muy selectivo he escogido 24 para la galería de fotos, pero podía haber puesto muchos más). Jean-Claude Carrière comenzó a trabajar con Buñuel en Diario de una camarera y a partir de ahí creo que hizo todos sus guiones en su última etapa francesa. Aparte de su colaboración con el maestro trabajó con una buena parte de los mejores directores europeos hasta Un hombre fiel, el último filme importante que le conozco, y estuvo muchas veces a gran altura en la escritura, con clásicos como La piscina, Borsalino, Tamaño natural, El tambor de hojalata, Danton, Valmont, Cyrano de Bergerac, El húsar en el tejado y muchas más. Descanse en paz un grande sin duda.
Entre 1983 y 1985 en plena era Reagan, llegan cuatro películas sobre periodismo sobre reporteros en zona de guerra que logran un gran éxito y Oscars o nominaciones: El año que vivimos peligrosamente, Los gritos del silencio, Salvador y la que hoy ocupa este artículo, Bajo el fuego.
Bajo el fuego es una película de 1983 sobre los últimos días de la dictadura en Nicaragua del siniestro Anastasio Somoza, desde la perspectiva de tres periodistas, interpretados por Nick Nolte , Joanna Cassidy y Gene Hackman, completando el gran reparto Jean-Louis Trintignant y Ed Harris en uno de sus primeros papeles importantes. Tuvo un gran éxito en España, bastante menos en EEUU y no tengo datos de otros países.
Su director es el canadiense Roger Spottiswoode, anteriormente montador de filmes de Sam Peckinpah (Perros de paja y Pat Garrett and Billy the Kid) y guionista de las dos entregas de Límite 48 horas de Walter Hill. Spottiswoode comenzó muy bien su carrera como director con un clásico del slayer como es El tren del terror y con Bajo el fuego, pero nunca volvió a estar a ese nivel, no pasando de la corrección en sus mejores momentos y de la mediocridad en muchos otros. Destacan como títulos más populares Dispara a matar, Socios y sabuesos, Air América, ¡Alto! o mi madre dispara, El mañana nunca muere y El sexto día. Bajo el fuego sigue siendo su mejor película de las que recuerdo.
La banda sonora es otra maravilla de Jerry Goldsmith. Aunque la flauta de pan no es un instrumento de la zona donde se desarrolla la película, el resultado de mezclarla con la guitarra de Pat Metheny es un portento. Fue nominada al Oscar el año que ganó Elegidos para la gloria, personalmente creo que lo merecía más Goldsmith.
Ayer tuvo un día con muchas actividades y no pude homenajear al director de fotografía italiano Giuseppe Rotunno fallecido el pasado domingo. Hoy sí que puedo hacerle el recuerdo que merece uno de los mejores directores de fotografía de la historia del cine.
La filmografía de Rotunno es impresionante y justifica la fama de maestro de la dirección de fotografía. Trabajó con Visconti en Rocco y sus hermanos y El gatopardo, con de Sica en Los girasoles y con Fellini en varios trabajos impresionantes de fotografía: Satyricon, Roma, Amarcord, Casanova, E la nave va y varias otras. No se acercó demasiado a menudo a Hollywood pero lo hizo con gran tino: All that jazz es una maravilla (no en vano Fosse está muy cerca de Fellin)i, y sus trabajos para La hora final. Conocimiento carnal, El hombre de la Mancha o Lobo son magníficos. Salvo descuido mío, soprendentemente solo estuvo nominado una vez al Oscar por All that jazz, no ganó porque estaba otro genio que también lo merecía, Vittorio Storaro por Apocalypse now. Descanse en paz
